Rogue One no hace otra cosa que alimentarse de esa clase B pero con el presupuesto de la clase A, porque aunque quiera ser leída “en clave del presente político en medio oriente” es, antes que nada, un mundo autónomo que atenta contra el negocio de la continuidad y de la idea misma de una saga. Su relación con la iconografía del cine negro, del western, del cine de aventuras, del cine bélico, de la ciencia ficción es apenas un punto de partida
Luz de luna no es una película de paisajes. Esa es una de las razones por la que prescinde de planos abiertos. La historias que se ciñen a la medida de Little/ Chiron/ Black construyen un espacio propio a través del que se cuela algún boulevard o se ve alguna palmera. Pero ningún plano de localización viene a establecernos el paisaje de Miami. Menos en Liberty City, el barrio con 94 por ciento de población negra en el que transcurre la historia.
Hay pocas cosas tan perturbadoras y peligrosas como alguien idealmente bueno. La bondad (al menos como ideal, es decir como fanatismo por la abstracción y no como experiencia humana y contradictoria) es ajena al sentido del humor, precisamente porque está exenta de malicia.
Jack Reacher: Never Go BackEE.UU.-China, 2016, 118’.Dirección: Edward Zwick.Con Tom Cruise, Cobie Smulders, Aldis Hodge, Danika Yarosh, Patrick Heusinger, Holt McCallany y Robert Knepper No es una despedida Algunas observaciones sobre los últimos movimientos en la filmografía de Tom Cruise con la excusa de Jack Reacher: Sin regreso Expuesto a las oscilaciones de un mainstream
En su libro Danza macabra, Stephen King habla de un tipo de miedo que consiste en la intuición de una presencia que uno siente a sus espaldas pero que al darse vuelta ya no está. Lo que nos asusta, dice King, no es tanto la idea de esa presencia que es altamente probable que nunca haya estado, sino la certeza de que esa intuición existió y la ligera sospecha (por algo utilizo el término “altamente probable” y no “imposible”) de que por ende ese mundo concreto al que definimos como un estado de normalidad no sea del todo cierto.
El conjuro 2 profundiza, por un lado, el aspecto humano de la pareja protagónica (por momentos cercanos a la autoparodia, casi lindando con la conciencia de una comedia), por otro, dedica un mayor énfasis en la distribución informativa en la puesta en escena.
Un monstruo viene a verme se encuentra con el problema que planteamos: ¿cómo se filma el fin de la infancia, el dolor de las pérdidas, la necesidad de la catarsis sin la inevitable angustia de las influencias?
Sobre esa felicidad posible y sobre esa ética de la profesionalidad de bajo perfil como un modo de construir un mundo más humano y vivible habla Sully, que nos retrotrae al Eastwood de las presuntas “películas menores” de los 90’s, películas alejadas de lo rimbombante (aunque en este caso se reconstruya un hecho real), que organizan su centro en torno a las labores de los protagonistas como una configuración ética del contrato que media entre lo social y lo individual.
Una de las ideas de la sección perdido y encontrado es la de recuperar películas extraordinarias que andan sueltas, libres, dando vueltas por internet. En este caso hablamos de la extraordinaria The house is black, película que logra construir, en menos de media hora, un clima de perturbación radical. Como si Buñuel (el de Las hurdes,
El progresismo (como etapa superior del populismo) tiene un no sé qué latente que se vincula fácilmente con el pensamiento religioso. Esto se debe a que, como en los actos de fe, el progresismo se entrega a una creencia que pone en suspensión la honestidad intelectual y hace prevalecer el consenso al conflicto, el sentimentalismo a la crítica y a la autoconciencia.
La primer publicación de Cero en conducta es de una película que muchos no amamos demasiado. No obstante, es innegable que tiene detrás un trabajo formal muy preciso e interesante, lo que la vuelve u material más que destacable para revisar. En este caso van a ver un breve extracto en inglés (sin subtítulos por
Quizás de eso se tratara siempre el engaño en el cine: de descubrir una falsedad grande como una casa pero seguir disfrutando que una parte de nosotros todavía precisa de pequeñas mentiras.
Se acerca el feliz rito anual del BAFICI, y aquí van las recomendaciones de algunas películas que pude ver en Cannes, Toronto, Berlín y algún otro festival. Queda claro que, con los tiempos que corren, casi un año desde el festival francés hace que cada vez ocupen más lugar las muestras más recientes, menos afectadas por la posibilidad de la “circulación alternativa” de las películas.
Comparto con Uds. algunas películas que no deberían dejar pasar (algunas previsibles, otras no tanto; las retrospectivas no las incluyo, pero ya saben…).
La Llegada no solo es ciencia ficción. Se trata de una de las mejores películas respecto a nuestra capacidad para comunicarnos a todo nivel y sentirnos distintos en un universo desconocido.
Hay películas que llegan a nuestras vidas demasiado tarde, o que lo hacen demasiado temprano. Algunas de ellas pueden ser casos ilustres de la historia del cine, o películas predestinadas, perdidas o soñadas; películas con mucha suerte, sin estrella alguna o con certificado de pedigrí impreso en cada fotograma.
Westworld es, sin duda, una de las series del momento. Así lo ilustra la media de 12 millones de espectadores en todas las plataformas de televisión por cable y la gran cantidad de premios recogidos desde la emisión de su primer episodio por la cadena HBO en el 2016.
Sí, están los testimonios de varios adolescentes, mujeres y hombres -en el segundo bloque de Últimas conversaciones – hablando de sus padres separados o no, de su paso por el secundario, de sus ansias por ingresar a la universidad y no mucho más que esto. Casi todos viven en las favelas o muy cercanos a ellas pero no son personajes surgidos de las páginas de Los condenados de la tierra (1961) -el libro de Franz Fanon-, los desheredados de todo
Hagiografía contemporánea de San Antonio de Padua como relectura hereje de la tradición católica. Travesía alucinada entre personajes delirantes. Cuento de terror boscoso asi como comedia asordinada. Oda de amor apasionada por la naturaleza. Más que la suma (mucho menos caprichosa de lo que parece) de todo eso, o mejor dicho por todo eso y más, O ornitólogo es también una declaración sobre las posibilidades del cine contemporáneo, sobre sus campos de expansión y sus límites.
Cuatro muertos, dos de ellos en el asalto a un banco, los otros dos en un tiroteo en la montaña, y una golpiza en una estación de servicio. Esta es toda la violencia explícita que se desata en un sitio donde todavía funciona el imperio de la ley, dentro de un film inclasificable salvo para publicitarlo con etiquetas del tipo “thriller with punch” y cosas por el estilo, o encerrarlo en un género determinado (thriller, western, neo western…) o, lo que es peor incluso, difuminarlo con la sentencia de siempre: es una mezcla de varios géneros.
JW2 es el cuento de un asesino que vive en un mundo de asesinos y que quiere irse de allí, pero no puede. La premisa se parece a un mal sueño en el que se está atrapado siempre en un mismo lugar (como En la boca del miedo, John Carpenter, 1995). De las coordenadas narrativas iniciales, JW2 rápidamente vira hacia una suerte de proyecto experimental: una película que sea puro movimiento, acción, disparos y tomas de judo. ¿Cómo acometer semejante artefacto sin que resulte un fracaso de taquilla?
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