Ariel Esteban Ramos

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Eastwood metió la pata

Clint Eastwood corona el final de su carrera como actor y director con una referencia erudita a la filmografía de Sandro. Pasar de la fábula emersoniana al kitsch argentino sin solución de continuidad habla de una libertad estética inaudita. Aquella burla decadente a la ficción, la versomilitud y la suspensión de la incredulidad que era la marca del Elvis de las pampas ha encarnado ahora en formato cowboy y habita entre nosotros.

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Duna

Dune, de Frank Herbert, es uno de los libros fundamentales de un género tan competitivo y variopinto como la ciencia ficción, donde cada obra crea un mundo o construye variaciones del que ya tenemos. Esta condición, llevada al límite, supone inventar no sólo el aparataje que en el cine veremos traducido a unos FX audiovisuales, sino también especies animales y vegetales, historias, lenguas, costumbres, mitos, religiones y todo lo que sabemos o suponemos que un mundo debería contener. Por supuesto, hay libros más ambiciosos y densos que otros, y Dune supo ser (y aún lo es) parangón, mito sagrado, vara imposiblemente alta para lo que vendría después.

Earwig And The Witch 2021

Earwig and the witch

Heartbreak alert: la pantalla azul de Ghibli es el primer gesto de un ritual de ya larga data en el que mi hijo y yo esperamos magia. Con esa expectativa inmensa nos dispusimos a ver Earwig la bruja, del heredero Goro Miyazaki. Durante la hora y pico siguiente, sucedieron una serie de cosas confusas y tediosas en la pantalla, medias acciones que quizá se aclararían con la próxima escena, pero no. Un rato más tarde, aparecieron los créditos finales: podemos ir en paz.

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Woodstock 99: Peace, Love and Rage

Woodstock 99 no se conforma con establecer las causas materiales de la barbarie. El desastre será considerado un caso testigo de la cultura de los 90 tardíos que requiere análisis. Habría sido la alerta sociológica que nadie vio; estaban ya ahí todos los cucos actuales. La conversación será a cuatro voces: el archivo fílmico y fotográfico; el testimonio de los organizadores (con un acento casuístico: fueron unos pocos inadaptados)

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Luca

En un país con cimientos tan profundamente italianos como españoles, una película como Luca todavía puede tocar un lugar más cercano al corazón que otras producciones de Disney o Pixar. Aunque esa antigua latinidad se desdibuja entre la anglofilia de siempre y esa nueva latinidad que poco a poco va migrando de la pasta a las arepas, es imposible no sentirse aún en casa entre los personajes de Porto Rosso. Esa geografía ficcional podría identificarse con cualquiera de los pueblitos de Cinque Terre, enclaves de pescadores de la costa ligur, cerca de Génova, con calles que bajan hacia el mar zigzagueando entre edificios abigarrados que se aprietan contra los riscos.

Raya Last Dragon Box Office Second Weekend Win

Raya y el último dragón

Antes de que salga la próxima película o de recibir otro audio del Editor reclamando lo prometido, me decido a poner sobre el papel las dos o tres ideas que ruedan por este desierto mental. Raya es la última producción de Disney, realizada durante la pandemia del Covid-19 casi íntegramente a distancia. Esta producción casera (muy entre comillas) de una miríada de colaboradores, es un relato que logra una simplicidad expresiva notable, cuando en su planteo hay tantísimas capas de influencias y planteos.

The White Tiger Plot Cast Trailer And Netflix Release Date

Tigre Blanco

El último experimento de trasposición literaria en Netflix se llama “El tigre blanco”, producción basada en el premio Booker de 2008, del Indio Aravind Adiga. Con una técnica fílmica de manual, sin sorpresas, tal vez su mayor virtud sea su fidelidad al relato original, crudo como las cosas que simplemente no pueden ser de otro modo. Y quizá sea eso mismo, al menos para quienes leímos el libro, lo que le impide levantar vuelo con alas propias.

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The Knick – Temporadas 1 & 2

Hace semanas que terminé o terminamos, en peristálticas y modestas maratones, las dos temporadas de The Knick., serie de época dirigida por Steven Soderbergh y producida por Clive Owen. Por qué volver sobre una serie de 2014 y 2015? Porque en el marco de esta pandemia eterna HBO no pudo tener mejor idea que incorporarla. Entusiasmado le propuse nota a mi editor. Pero desde hace aproximadamente dos semanas recibo educadísimos mensajitos por WhatsApp del responsable de la redacción de esta página, quien hace lo humanamente posible por recibir en fecha esos nuevos contenidos que diferencian a una revista digna del nombre de un blog triste y abandonado, que cada tanto publican lo que pueden. El karma de lidiar con redactores. No lo envidio. ¿Y por qué la demora? ¿Bloqueo, procrastinación, indolencia? Creo que la razón es otra, ese fantasma que acecha a todo autodenominado crítico: el disfrute inocente, la mirada silvestre, infantil. Tuve que dejar pasar un tiempo para reconstruir o inventar algunas variables de apreciación, para al fin poder compartirlas con ustedes.

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Los trabajos y los días

El departamento musical de las películas de making-of tiene antecedentes tan numerosos que sería ocioso ofrecer una lista. Pero tampoco es exactamente el caso de este objeto fílmico que, cuando al final comienza la música, nos muestra largamente al público sentado como al voleo en la sala, a la manera de esos happenings míticos del Di Tella que mi generación no llegó a ver. La cámara se demora en la llegada de las primeras cajas a la cocina del CETC, se detiene en las minucias del armado de una puesta de luces y se desgrana en dilemas kafkianos que, por ejemplo, cambiarán aquella idea tan simpática de sentar al público en reposeras (que parecía que las conseguían pero no las consiguen…) por un viaje al Once a buscar almohadones.

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Dark – Segunda y tercera temporada

Anteayer (¿y cuándo es hoy? ¡Ja!) comencé a escribir una crítica sobre las dos últimas temporadas de Dark. Cuando tenía ya unas tres páginas muy desordenadas de ideas y referencias, mi computadora sufrió el equivalente mineral de un ACV y perdí todo. Mejor así, porque mis notas eran aún más caóticas que la serie ya incomputable de cruces por la dichosa cueva del bosque. Nada que envidiarle a la audacia de Westworld: ambas series van por todo. Pero ese objetivo total no es gratis: tanto ojo en el detalle puede acarrear descuidos en la estructura, y algo de eso sucede.

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Dossier Estudio Ghibli (XIX): Ponyo y el secreto de la sirenita

Miyazaki es un heredero de las grandes tradiciones de la modernidad europea en la medida que retoma sus escenarios, sus temporalidades y sus problemas: el progreso, la técnica, la voluntad de poder, el siglo XX. Si en El castillo vagabundo la reflexión se instala de forma indefinida y creativa a un contexto histórico, en Ponyo se declara abiertamente en clave de fantasía, salvo por la locación de la historia (que es real: la población pesquera de Tonomoura). La ficción trabaja en el cruce de dos historias muy conocidas para la tradición europea: la sirenita de Hans Christian Andersen y la historia de Brunilda en su lectura wagneriana de las sagas germánicas. A nadie que haya escuchado dos notas de Wagner en el Colón o en una película se le escapa que la cabalgata sobre las olas de Ponyo es una creativa transformación del famoso Leitmotiv ahora en tono mayor juguetón, utilizando la melodía principal de la película.

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#GimmeShelter: cine, series, libros y otras cosas para sobrevivir (V)

Fui uno de los tantos ingenuos que se emocionó pensando que durante la cuarentena iba a leer dos veces la biblioteca de Alejandría, recordar algo de cálculo diferencial, llenar algún que otro hueco en mi cultura de cine-arte, lograr el lomo de Charles Atlas con esas pesitas de morondanga y subir dos niveles de alemán… que el coronavirus me valga. ¿Qué querías, que te creciera el pelo también? Ya hace un mes que estoy como el ameo David en su cuarto blanco de Odisea del Espacio, flotando en un tiempo de goma que combina los quehaceres de la cocina, la limpieza y la crianza. Mientras tanto, a puro machetazo mental, trato de talar un claro en esta selva de locura colectiva y virtual para trabajar con medios que cuando hice la secundaria eran (¡todavía son!) Ciencia Ficción. Ya perdí la cuenta de las veces en que, deambulando por casa, de repente me pregunto qué hago en la cocina con un par de medias en cada mano. Mandela logró la presidencia después de 27 años encerrado en un 2 x 2 con una mesa, una silla y un balde. Era Superman y nunca nos enteramos.

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Dossier Estudio Ghibli (IX): La princesa Mononoke

Para quienes nos hemos nutrido con cepas de Animé tan variopintas como Astroboy , Mazinger Z, Robotech o Akira, el cine de Hayao Miyazaki supone una mezcla de elementos familiares con un universo casi enteramente novedoso. Nuestra prehistoria animada nos acostumbró a las innumerables elaboraciones terapéuticas o meramente catárticas del trauma de la bomba, pero sobre todo a las mil versiones de una hubris tecnocientífica extremada, con resoluciones morales diversas. Sin reducir a meros principios abstractos la proteica variedad de la fantasía nipona, las alternativas que el sol naciente ponía sobre la mesa a la hora de plantearse el problema de la civilización en general y del progreso técnico en particular podían conversar sin mayor problema con el repertorio de metáforas de la experiencia occidental. No extraña que haya tenido su éxito en Japón el impulso filosófico de Heidegger, especialmente el de su reflexión sobre la técnica.

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Dossier Estudio Ghibli (V): Puedo escuchar el mar

Los amigos mayores, los buenos, suelen legarnos palabras que sirven. O mejor, que servirán. Uno de ellos me dijo en una época de tribulaciones familiares: “en la vida, lo único que se puede cambiar es el pasado”. Como corresponde, no lo entendí en el momento y necesité que el aforismo se hundiera lentamente en el mar del pretérito para exprimirle algún sentido. Aunque mi amigo nunca leyó a Marcel Proust, hoy creo que su frase sería un mantra adecuado para esa magia que el francés hace en 7 novelas: el tiempo se vuelve el orden en que, de manera gradual, arrítmica y parcial, la memoria y la experiencia se van esculpiendo o dibujando entre sí, como las famosas manos de Escher. Es este mismo concepto, con las diferencias enormes de escala, de ambiente y de motivos, el que permea Puedo escuchar el mar, película menor de Studio Ghibli.

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#Polémica: Jojo Rabbit (a favor)

El inicio nos genera la primera sonrisa culpógena, porque arranca sin anestesia “Komm gib mir deine Hand”, versión en alemán de un gran éxito Beatle. El montaje muestra una posible histeria fan de los famosos encuentros de Núremberg, una secuencia que refiere a aquel famoso US Tour del ‘64 en blanco y negro. Sin trigger warning, estamos ya en esa zona ante la cual tantos millennials tiernitos piden reaseguros y salvataje emocional. Pero somos viejos, así que nos quedamos en la butaca y nos preguntamos: ¿qué función que se le va a dar a esta risa posible sobre el capítulo gordo de la historia del nazismo, una ideología directa e indirectamente responsable de 60 millones de muertos? ¿Será apenas una parodia más de todo lo absurdo que suena esta ideología a los oídos superados del siglo XXI?

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The King

Friedrich Nietzsche subtituló uno de sus últimos libros “Cómo se llega a ser lo que se es”. Eslogan paradójico que nuestra cultura ha simplificado de esta manera: lo que esencialmente somos es algo que se realiza yendo al encuentro del mundo y de los otros. Es como soberano, encarnación del más alto poder, que Hal debe tomar decisiones implacables asumiendo la responsabilidad total y manifestando una voluntad de hierro. En ese jardín seco, la amistad será el bien más preciado: Shakespeare decidió abandonar al barrigudo Falstaff a su suerte. The King lo aprovecha un poco más, exprimiendo las únicas dos o tres lágrimas que le veremos derramar a Chalamet antes de los títulos.

Tell Me Who I Am

Tell me who I am

El documental de Netflix Tell me who I am expresa la tensión e hibridación de estas dos formas básicas de trascendencia, aunque articuladas a través de un espejo muy especial: la experiencia de los hermanos gemelos. Quien conoce aunque mínimamente de cerca un par de hermanos gemelos, tiene perfectamente claro que la profundidad y el carácter de la conexión entre esos dos individuos genéticamente iguales es algo casi insondable. La sentencia “tú eres eso”, que para Joseph Campbell define la esencia espiritual de la empatía, no podía ser más adecuada para esta condición.

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El Camino

Todo muy interesante, pero: ¿qué era necesario cambiar en Jesse Pinkman? ¿qué parte de su naturaleza podía o debía ser redimida? Un muchacho con buen corazón que se equivocó, varias veces, si. Debe haber sido el mayor emisor y destinatario de empatía en toda la serie. Jesse fue consistentemente durante todas las temporadas de Breaking Bad un personaje extremadamente voluble. Su inseguridad o su buen corazón lo hicieron vulnerable -en el pasado- a la manipulación de (digamos) tres fuerzas: las drogas, su novia Jane Margolis y Walter White. Pero ninguno de ellos está ahí ahora para orientar su redención, para mostrarle el camino; de ahí que Jesse se encuentre por primera vez en soledad, al borde de la libertad.

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Guasón (II)

Lo primero que lamentamos es que esta historia de origen se queda pronto con muy poco misterio entre manos. Le recorta al Guasón una porción muy importante de su proverbial oscuridad caótica porque maneja una tesis maestra: hay que explicar al personaje. Así, corre el riesgo de comerse todo el relato a fuerza de sociología barata y zapatos de payaso. El Guasón es, además -oh signo de los tiempos-, una víctima paradigmática. La salida del closet de su psicología tortuosa se explicaría como la resultante calculable, el fruto podrido de determinantes que se pueden analizar y descomponer. El sujeto es entonces, (a)penas, un síntoma.

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Charlie Says

La manipulación de Manson, por tanto, se nos presenta como el gran enigma de la película, pero en lugar de reconstruirlo, el guión parece listar apenas un par de puntos claros, aunque narrativamente poco interesantes. El primero, los “daddy issues”. Los parlamentos de Manson hacen palanca permanentemente, aunque con un freudismo hippie de estudiante de psicología entusiasmado en el CBC, sobre el punto de apoyo de los temitas no resueltos con papá y sus traumas asociados.

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When they see us

A diferencia de cualquier ficción, las reproducciones dramático-documentales de hechos recientes agregan el problema no menor de su exactitud, su veracidad y la necesidad de contrastar la narración con fuentes extrafílmicas. En hechos que se trascienden hacia una significación política, el riesgo quizá no sea tanto ser operado por discursos mediáticos o cinematográficos, inevitable, como exponerse de manera desbalanceada a las distintas operaciones. No podemos más que confesarnos que será cierto diferencial de observación, creencia y experiencia el que llene los huecos de cualquier controversia: por suerte o por desgracia, este es el límite.

The Great Hack

Nada es privado

Por supuesto, hay intentos más prosaicos y evidentes de manipulación como The great hack (Nada es privado, NEP), el documental de Netflix que trata de convencernos por medio de la narración audiovisual que somos potenciales víctimas de un sistema perverso de manipulación. Lo dije sin spoiler alert, sepan disculpar. Este documental de Netflix gira en torno un par de cuestiones serias, atendibles y en algunos casos probadas, aunque “docudrama” sería una descripción más precisa debido al tratamiento ficcional de sus materiales

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Stockholm

Tengo la mala costumbre de preguntarme para qué se hacen ciertas películas. Sobre todo, cuando se recrean sucesos reales. El Síndrome de Estocolmo forma ya parte de la cultura mediática para explicar algunos casos de la sección de noticias policiales, y recientemente se ha extendido a los de violencia doméstica. En caso de que quien lea estas líneas jamás haya visto un noticiero, baste decir que describe el vínculo afectivo que se forma entre un rehén y sus captores. La denominación de origen de esta condición se relaciona con el intento de robo al Banco de Crédito de esa ciudad en 1973, cuya historia rescata esta película.

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Kursk

a familia del mar sería el compartimiento estanco central de esta película, que bien podría leerse como un ensayo sobre los límites, ergo sobre la identidad: la propia familia, la fraternidad de los camaradas, el ejército todo, el Estado, el resto del mundo. En un mundo perfecto, todos estos universos se imbricarían ordenadamente unos en otros como una serie de muñecas rusas. Pero a casi tres décadas de la caída del muro, todavía no estamos en el cándido y mejor de los mundos posibles.

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Clímax

“Fama filmada por el Marqués de Sade con una steady cam”. Como todo hype, la línea de crítica que han elegido destacar en grandes caracteres para la promoción de Clímax es excesiva y desorientada. Estimo que sí, que al filósofo y Marqués le habrían encantado las mil variantes del POV de este experimento sociológico con visos de ritual, pero supongo que habrían aparecido múltiples diferencias de método.

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Algunas ideas pendientes acerca de Glass

Una interpretación rapidita, con fritas, comenzaría y terminaría con las mismas dos preguntas que planteaban “X-Men” y “Los increíbles”: 1) En este mundo que invita a festejar la diferencia y a la vez es alérgico a las jerarquías ¿tengo derecho a ser especial y a decirle mi verdad al mundo? Al extremo: ¿hasta dónde es aceptable la individualidad?; 2) ¿Qué mundo es mejor: el escenario de los enfrentamientos de estos destacados individuos, héroes y villanos, o la apacible utopía horizontal? Como sea que se respondan ambas preguntas, la emergencia de lo individual es inevitable, aun contra las peores circunstancias.

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