Filmada en blanco y negro, la película está concebida como momentos episódicos que, a través de los encuentros y diálogos que se establecen con amigos o familiares, retratan la vida de esta mujer argentina, exiliada en Barcelona, con clara impronta rohmeriana.
El ultimo largometraje de Sebastian Lelio comienza con un artificio como declaración de principios. Abre mostrando el la falsedad de una cabaña construida en estudios. Mientras tanto la voz en off de la narradora nos habla de la importancia de contar historias y acompaña a la cámara en su ingreso a la ficción, situándonos en un barco donde una enfermera inglesa se encuentra comiendo durante su viaje desde Londres hasta un pueblo de Irlanda en el año 1862, tras la época de la gran hambruna
Las imágenes del prólogo son un anticipo de la crueldad: asistimos, entorno natural bello y luminoso mediante, a la iniciación en el odio del pequeño Simone. Cruelmente su padre lo fuerza a elegir al gatito más lindo de la camada que se encuentra en un cajón y a abandonar a los otros a su suerte, arrojándolos al río. Todo este comienzo va a resonar con la continuación por una multiplicidad de motivos.
Crónicas de un affair es una comedia dramática que se organiza en episodios de la vida de esta pareja informal, a contrapelo de las Escenas de una vida conyugal de Bergman, en un arco temporal que está situado por medio de los intertítulos y con clara influencia del cine de Rohmer, en lo que hace a los encuentros románticos casuales donde los personajes deambulan por la ciudad y sus alrededores naturales y en lo formal, en el uso de los paneos y del zoom in en momentos clave que dan cuenta de la afectación emocional de los protagonistas.
En este sentido es interesante detenerse en el titulo: La mujer Rey, lugar que ocupará Nanisca. Se trata de un lugar que, por un lado, la pone en un pie de igualdad con el Rey Ghezo y al que, por otro lado, accede no por voluntad de tener y poder (que es la posición de Shante); sino por habérselo ganado, por añadidura a su genuina lucha por la emancipación de su pueblo.
Alice (Florence Pugh) y Jack (Harry Styles) son una joven pareja, sin hijos (pero en su fértil juventud), que vive en un idilio romántico en el acomodado, apacible y perfecto suburbio de Victoria, una enclave paradisíaco en medio del desierto. Mientras las mujeres de la comunidad realizan las tareas hogareñas y brindan soporte emocional a sus maridos; estos se van cada día del hogar para trabajar en el secreto Proyecto Victoria, que se vincularía a la producción de materiales innovadores.
¿Sin cuerpo, sin evidencia elocuente, no hay delito? Aquí, a través de un crimen civil, se intenta dar cuenta de una metodología sistemática del crimen en tiempos de la dictadura militar, de ahí el título del film. Y al mismo tiempo, queda claro que sin cuerpo, sin evidencia palpable, un crimen puede también adjudicarse a cualquiera, máxime cuando se violan todas las garantías constitucionales y cuando el propio poder en funciones de gobierno, lo ejerce fuera de todo marco de legalidad. En la ambigüedad del problema, la película también se proyecta políticamente.
Sebastián Caulier, aprovecha, otorgándole (ya desde el mismo título) al monte el protagonismo y la entidad de un personaje. Al mismo tiempo le sirve, en un segundo nivel de análisis, para correrse del realismo dramático del malentendido entre un padre y un hijo y, en cambio, enmarcarlo desde un abordaje de género, una de sus apuestas y por cierto, uno de sus grandes aciertos. Porque historias de desacuerdo paterno-filial hay muchas y sólo en el modo de narrarlo, puede hallarse alguna novedad, alguna singularidad posible.
La adaptación de una obra literaria al cine puede entenderse como la lectura que el director realiza de la misma. Más allá de que la trasposición sea literal o libre, de las interpretaciones y la dirección de arte cuando se trata de la ambientación en otra época, es clave cuál es la lectura que se está realizando del texto literario y de qué modo se transmite a través de la puesta en escena.
El plano general nos muestra a un hombre de color, disfrutando de los juegos y del agua del mar junto a su hijo, mientras que la panorámica recorre el paisaje de la playa en 180 grados para dar con una joven mujer de tez blanca que los observa con ojos de turista extranjera desde la sombra de los árboles. Este comienzo sin diálogos en la sensibilidad con que las imágenes planean entorno a los cuerpos, como en las oposiciones que ya presenta, condensa las temáticas que la directora francesa Claire Denis despliega en su opera prima Chocolat
La realizadora francesa Céline Sciamma a lo largo de su filmografía se caracterizó por indagar en cuestiones vinculadas al despertar sexual y a la identidad de género durante la infancia y la adolescencia. Su ultima película Retrato de una mujer en llamas, si bien está situada en el periodo de juventud, no deja de coherente con sus intereses, pues trata de la exploración del primer gran amor de dos jóvenes mujeres en clave melodramática.
Una casa lejos en esencia es una película que tiene como protagonistas a tres personajes solitarios y por esa vía nos permite pensar la diferencia entre una casa como espacio físico y un hogar. La casa como vivienda puede estar lejos de nuestras posibilidades materiales, pero un hogar es un lugar al cual siempre podemos volver, como bien lo señala Rodo, confiado de que Sabrina aunque desaparece por momentos, siempre vuelve. El hogar se construye en los lazos de amor y de cuidado que se forjan entre familiares o vecinos, en la confianza de que allí tenemos un lugar al que regresar porque fuimos causa de un deseo.
El abordaje desde el género es una vía siempre interesante para transmitir ciertas problemáticas del orden de lo social o de lo vincular, porque al dar lugar a la ambigüedad permite evitar el subrayado explícito o el sentido común. Esto claramente lo ha comprendido el realizador uruguayo (residente en Argentina) Alex Piperno, como bien se hace palpable en su opera prima Chico ventana también quisiera tener un submarino.
Una casa lejos en esencia es una película que tiene como protagonistas a tres personajes solitarios y por esa vía nos permite pensar la diferencia entre una casa como espacio físico y un hogar. La casa como vivienda puede estar lejos de nuestras posibilidades materiales, pero un hogar es un lugar al cual siempre podemos volver, como bien lo señala Rodo, confiado de que Sabrina aunque desaparece por momentos, siempre vuelve.
El plano general del comienzo nos sitúa en un pueblo rural de Italia en el crudo invierno. Y seguidamente vemos a Geppetto entrar en la hostería para resguardarse del frio y obtener de su dueño, a fuerza de su molesta insistencia con innecesarias propuestas de arreglos posibles en diversos muebles de madera, un plato de comida caliente, con tal de hacerlo callar.
No resulta sorprendente que el realizador argentino Pablo Agüero aborde en su última película la caza de brujas en la época medieval. El sometimiento de las mujeres, infundiéndoles miedo, cercenando su participación en el ámbito publico y eliminándolas físicamente; ha sido una política sistemática que ha llevado a cabo el patriarcado en aquellos tiempos y que encuentra su continuidad en los femicidios que en la actualidad se producen en Argentina a razón de uno cada 23 horas, al día de hoy. Esto sitúa a Akelarre (2020) dentro de las preocupaciones genuinas del director por reivindicar a las mujeres, tradicionalmente silenciadas, independiente del discurso feminista tan pregnante en estos tiempos.
Ana (Amparo Noguera) y Maria (Julieta Figueroa) se aman. De eso no hay dudas como lo muestra la ternura con que se acarician, se miran y se besan, abrazadas y recostadas juntas en una hamaca paraguaya en la escena del comienzo. En medio de este marco de exaltación amorosa, Vendrá la muerte y tendrá tus ojos nos invita a pensar qué clase de amor es el que enlaza a estas dos mujeres. ¿Se trata de un amor pasión, del amor romántico o de uno advertido del imposible estructural que lo habita?
En Beginning, Dea Kulumbegashvili realiza un interesante trabajo formal que pone en tensión la claustrofobia del discurso social instituido y la lírica abierta del paisaje. Esta puesta en escena le permite plasmar y transmitir en su ficción, la reflexión sobre un ordenamiento social fundado en un sistema de dominación y privilegios, la problemática del odio a las disidencias y la pregnancia con que el mandato de abnegación continua marcando el cuerpo de la mujer.
El western es uno de los géneros del cine norteamericano por excelencia, que en su etapa de esplendor plasmó de manera idealizada el mito fundacional de la nación. El plano general que abre Lleno de ruido y dolor, en el que predomina un paisaje rocoso y árido en las inmediaciones de Bariloche -ambientado en el año 1928- en cual se insertan tres hombres nómades que se desplazan a caballo y que se mueven a punta de pistola, ya introduce los elementos de la iconografía clásica de este género. La opera prima del realizador argentino Nacho Aguirre, anclándose en territorio patagónico, busca aggiornar al centenario género a la idiosincracia de nuestro país.
Avanzando en la película se desprende que al director no le interesa entrar en el debate entre el parto hospitalario y el domiciliario, algo que parecía una tentación al alcance de la mano, sino situarnos en un lugar en el que ambos exhiban sus pro y sus contra, y que en todo caso, en cualquiera de las opciones que una madre elija atravesar para dar a luz, siempre hay algo inherente al milagro de la vida y al misterio de la muerte, algo que los sitúa en el terreno de la pura contingencia.
Vicenta se ajusta a las convenciones del documental que apunta a visibilizar la realidad en lo que hace a la intromisión excesiva de la justicia en la intimidad de las menores de edad y su familia, re-victimizándolas con el manoseo de sus dilaciones y devaneos, forzándolas a una maternidad no deseada. Lo interesante es que Doria no elige al camino del clásico documental cuasi periodístico y distanciado construido a partir del montaje de archivos y entrevistas, sino que opta por cierta matriz ficcional que permita al espectador acompañar el derrotero de Vicenta y su hija, pero que a la vez evite su exposición excesiva e innecesaria, cuidándolas, como el Estado no lo hizo. De ahí que resulte acertado el recurso a la animación con muñecos de plastilina para encarnarlas.
Nosotros nunca moriremos toma como temática la pérdida abrupta de un ser querido. Como acontecimiento, la muerte nos enfrenta ante el vacío que no tiene palabras. Qué hacer con el agujero que deja esa pérdida, vuelve a ser nuevamente aquí la cuestión. Una respuesta es inventar una ficción como manera de lidiar con la ausencia. En esta dirección de cosas, Crespo opta por un realismo minimalista al que incorpora pequeños destellos del fantástico.
Las motitos es una película que, si bien está abordada desde un realismo social duro y hostil, no desdeña por ello momentos de humana ternura y de poética visual. El resultado es un coming of age capaz de combinar sensibilidad y reflexión sobre la estigmatización social, sobre la complejidad del tema del aborto y sobre los conflictos propios de la adolescencia, con un bello final que expresa el crecimiento de la protagonista.
Como todo acontecimiento del orden de lo traumático, la muerte de Erin, implica una ruptura en la continuidad de la cadena simbólica. Por ello, es un buen trabajo por parte de Berruezo que el acontecimiento terrible nunca se presente al espectador de manera directa y completa y que en cambio, lo imposible de representar y de explicar de la pérdida abrupta, retorne de modo fragmentario a través de imágenes de detalles del contexto del hecho, del recuerdo de su voz (que irrumpe llamándola) o de ensoñaciones de momentos anteriores; modos donde la hermana ausente recobra la vida de manera fantasmagórica en la memoria de Cleo.
Selva es una adolescente de 13 años que vive en un pueblo rural costero de Costa Rica. Su madre ha fallecido, su padre le pasa cierto dinero para su manutención. Su abuelo y Elena, una mujer vecina, ofician de figuras parentales para ella, pero su declive físico, invierte la situación. Es Selva quien está atenta al cuidado de ellos. Elena es una mujer en riesgo por los excesos que comete pese a su edad y el Tata, es un hombre avanzado en edad, que va mostrando signos del cansancio de la vida. El contexto presagia que la partida de ambos puede producirse en cualquier momento. Esta situación coincide con el desarrollo sexual de Selva y sus primeras inquietudes y exploraciones con relación al sexo masculino.
La película de Berruezo es un buen ejemplo de cómo el drama, puede narrarse sin patetismos ni bajadas de linea directas, al incorporar elementos propios de otros géneros. Bella y sutil en su propuesta, Mamá, Mamá, Mamá da cuenta de que aunque crezcamos, de tanto en tanto, siempre necesitamos una madre como hogar al cual volver.
En el prólogo, la voz de un hombre desde fuera de campo pide a una joven, que está de pie, en pose rígida en medio de una habitación, que defina la palabra honor. La joven responde con acierto que se trata de la falta de respeto hacia una persona, la cual puede darse de diversos modos: llamarlo mentiroso, maltratarlo, ignorar su palabra, codiciar a su mujer u ofender a sus invitados o empleados, entre otras. La escena sugiere un examen de entrenamiento militarizado.Seguidamente, vemos a un joven correr desesperado en medio de un bosque, mientras que una joven avanza tranquila, detrás de él, buscando darle caza. Implacable y segura, la joven acaba con la vida de éste mediante un certero disparo en la frente.
El documental Hermana de los árboles (2019) de los realizadores argentinos Camila Menéndez y Lucas Peñafort, da cuenta de los perjuicios que la soberbia humana y los intereses económicos han significado para el pueblo de Piplantri: deforestación, sequía, merma de posibilidades de subsistencia en las actividades artesanales agrícolo-ganaderas, inmigración de la población hacia los centros urbanos en busca de oportunidades laborales. Capitalismo despiadado que arrasa con las tradiciones que fundan la identidad de una aldea.
De la comunidad indígena Qom que habita en la zona del impenetrable, poco sabemos como bichos de ciudad enfrascados en nuestras vidas y sólo nos anoticiamos de ella cuando llega la noticia de algún niño que ha muerto por desnutrición o cuando acampan en Buenos Aires para hacer llegar sus reclamos y entonces, los medios masivos les dan cierta visibilidad. En este sentido, es bienvenido que El árbol negro (opera prima de los realizadores argentinos Máximo Ciambella y Damián Coluccio) nos permita acercarnos a la realidad de este pueblo originario desde una mirada que busca la belleza y el aura de la naturaleza, alejándose de efectismos.
El avance de la ciencia aplicada a la industria de los psicofármacos y de las terapeuticas del campo de la psicología, sumado al discurso social imperante de la inclusión e igualdad social, han producido un efecto de domesticación del poder disruptivo que encarnaba históricamente la locura. Esto no es novedoso, claro. Desde Foucault para acá hemos escuchado una y mil veces esta idea. En todo caso la novedad que aporta el cine es el modo en el que ha decidido administrar esa domesticación en la contemporaneidad que nos toca.
Fin del Contenido
Fin del Contenido