Frente al problema del cómo, cuándo y dónde denunciar, Alles ist Gut, da cuenta de una posible respuesta: la opera prima de Trobisch permite tomar conciencia de la importancia de contar con espacios de contención y de trabajo psíquico donde el trauma pueda ser tramitado y trascender hacia un acto de palabra, que a los efectos concretos es un acto más conectado con la vida que con la muerte y la destrucción
El emperador de París, no funciona cuando más cree en el mito sino cuando más lo cuestiona. Por eso la inclinación a dotar de un aura heroica y bonachona al personaje de Vidocq desluce un tanto los resultados de este biopic desplazado sobre el mito. Tratándose de una figura tan compleja como atractiva es una pena que el peso de la acción no permita capturar más profundamente su esencia llena de matices y contradicciones.
Astrogauchos (2019), ficción en clave de comedia y sátira del realizador argentino Matías Szulanski está estructurada narrativamente en tres capítulos y un epílogo, que siguen una temporalidad lineal desde el año 1966 al 1969 en plena dictadura del General Onganía, la película construye un código, que es el de la sátira, que siempre ha sido un arma adecuada para el humor político.
Lo notable de El árbol de peras silvestre, es que pese a ser una película con varios pasajes de extensos diálogos filosóficos sobre política, literatura, religión o la experiencia de vida, Nuri Bilge Ceylan evita el subrayado y la pesadez, apoyándose principalmente en poética visual, que habla y dice mucho más y mejor que sus personajes: ya sea a través de la fotografía, de las sutiles irrupciones de lo onírico y lo fantástico o del acompañamiento que la cámara realiza de los personajes en la sinuosidad de los caminos campestres, la película es una explosión de belleza que se abre a múltiples resonancias.
En un contexto en donde el cine industrial (y el no industrial también) parece presentar el fenómeno del empoderamiento como una novedad radical y sin existencia previa, bien vale preguntarse por el cine del pasado. Acoto hoy mi pregunta al cine de los años 90, a los fines de este dossier, ya que se trata de una década contradictoria, interesante para pensar y para desvelar algunas cuestiones.
La película de Loza no escatima referencias sobre la idea periférica de su película, acaso algo que a esta altura ya es histórico dentro del fantástico: la operatoria de pensar a cualquier alteridad a lo humano como perfecta parábola de otras alteridades a la norma cis-hetero-masculina. Si, como se imaginarán, los tres protagonistas claramente rompen con los estereotipos culturales tradicionales del deber ser de un hombre y una mujer.
La respuesta que brinda lateralmente Dirty John no se queda solo en la fascinación paralizante con el victimario, sino que también apunta a la víctima, ya que permite inferir que quizás la mujer pueda dejar posicionarse en inferioridad o minusvalía y tolerar un amor menos infantil, que acepte las diferencias, el malentendido y los conflictos como ineludibles en todo lazo amoroso. Esa idea acaso pueda servir para no involucrarse tan rápidamente y salir a tiempo. Esto en ningún momento convierte a la víctima en culpable de los hechos, pero si permite entrever un matiz más adulto
La película pone en evidencia la hipocresía de quien habla mal de la otra en los chismes con amigas, pero que en presencia de ella se muestra amable y comprensiva, aunque en realidad no soporte que le venga con sus problemas; los prejuicios de clase social (por ejemplo subestimar el sentido de la estética y la inteligencia de alguien de menos recursos) y muy especialmente los prejuicios y la descalificación que se da entre las mujeres con respecto a aquellas que sostienen una moral diferente.
En una época que desprecia a lo viejo, Foto Estudio Luisita, desempolva el viejo arcón de los recuerdos y nos propone tanto un viaje maravilloso por la memoria de una época (que acaso todavía tenga algo para decirnos), como la posibilidad de que la obra de Luisa Escarria se reencuentre con el público y de que el público conozca a la mirada bondadosa que nunca dejó de buscar el lado bello de las personas
2019 me encuentra en el Bafici otra vez, ese que solía disfrutar en las salas de cine América o del Atlas Santa Fe, con la sala repleta. Por ese entonces no me dedicaba a la critica de cine y me encantaba disfrutarlo con una amiga. Nos encantaba estudiar la programación y elegir qué películas íbamos a ver. Ella siempre atenta al día que salían las entradas a la venta.
Siempre implica un riesgo llevar al cine la vida de personajes históricos tanto porque la complejidad de esas vidas puede caer en un reduccionismo banal al acotar hechos y personas complejas en un par de horas, como por la inevitable comparación con el original, que puede implicar una decepción no pocas veces mayúscula. Frente a estos problemas se enfrenta la directora inglesa Josie Rourke en su ópera prima, que toma como figura central a la fascinante María Estuardo
Conversaciones con asesinos, del director estadounidense Joe Berlinger, quien, además, cuenta con una frondosa experiencia como documentalista. Esta serie documental, segmentada en cuatro episodios, en su primera entrega, se centra en el caso de Ted Bundy, (uno de los asesinos más buscados y más famosos de los Estados Unidos, tanto por la monstruosidad de sus actos criminales como por la mediatización que tuvo el juicio que se le realizó).
En Hold the dark, Jeremy Saulnier logra mantener al espectador en una atmósfera de extrañeza y suspenso que resultan atractivas, pero a la vez, le permite interrogar la profunda violencia e intolerancia (que no es sino manifestación del horror) que a anida en el interior del corpus social y que se despierta cada vez que se enfrenta a lo desconocido, a un modo de goce Otro, sea ya que éste se encarne en la figura del extranjero o de la mujer.
La premisa en la cual parece apoyarse el director Richard Eyre para plantear su versión televisiva (2018) producida por la BBC y Amazon Studios, es aquella definición de clásico de Italo Calvino en su libro ¿Por qué leer los clásicos? (1991), donde refiere que “un clásico es un libro que nunca termina de decir lo que tiene que decir”. Esto justifica realizar una nueva versión, aportando una nueva lectura de ese texto tan rico en sus temas como en sus interpretaciones posibles.
Sutilmente y sin caer en explicaciones exhaustivas, la directora irá brindando conforme avance la película, algunos rastros de la historia pasada de nuestros protagonistas. Hace bastante tiempo que llevan ese tipo de vida, en la cual Will ha criado, y educado en la cultura a su hija que actualmente atraviesa la pubertad. La madre ha fallecido en circunstancias que se desconocen. Y Will es frecuentemente aquejado durante la noche por pesadillas típicas de veterano de guerra. En pocos trazos esenciales, Granik, ya nos pinta todo un paisaje complejo y profundo, donde la naturaleza se presenta para Wiil como una suerte de paraíso, donde sanar su sufrimiento y exorcisar sus demonios
Que la película no siga fehacientemente los hechos históricos no es en sí mismo un problema, ya que se trata de una ficción basada en hechos reales y no de un documental que busca reflejar la realidad histórica. El problema es cuando la alteración temporal omite o tergiversa cuestiones históricas dignas de profundidad vinculadas tanto al contexto socio-politico de Israel como de Argentina, ofreciendo una visión sesgada. A propósito de esto ultimo, se muestra un contexto social bastante vago, signado por constantes controles policiales y de inestabilidad política, sin profundizarse en el complejo contexto del gobierno Frondizi, cuyas decisiones estaban controladas por el poder militar, que luego lo derrocaría.
Dovlatov es una película que tomando como figura central al escritor Dovlatov, en verdad homenajea a toda esa generación de artistas, la de los desplazados por el Régimen Comunista, que no obstante no haber trascendido en la Rusia de los años 70, han logrado trascender fuera de su tierra dejando un legado que hoy día sigue vigente entre los jóvenes de ese país. Aleksey German Jr. logra transmitirnos bellamente el espíritu de la bohemia de la Leningrado de esos años y la miseria de esas vidas dotadas de talento que sobrevivían realizando trabajos humillantes.
El director opta acertadamente por la decisión formal de hibridar la ficción con el documental, lo cual se hace evidente en el tono empleado, que acerca su cine al de los hermanos Dardenne de Dos días, una noche (Deux jours, une nuit, 2014) y también con entrevistas a cámara en plano fijo donde algunos trabajadores den cuenta de su experiencia (mostrando así la inclusión de actores no formales en el elenco). Al incluir la figura del hombre que se sitúa a la vez como un intelectual que los ayudará a organizarse y también como una suerte de director de una película que los aliente a producir parlamentos interesantes sobre su vida y que los guie en los cuadros musicales, Pinho hace evidente el artificio que implica la intervención del cine sobre la realidad.
La película está situada en la primavera de 1980, más precisamente en los días cercanos al 20 de mayo de 1980, cuando se produce lo que se conoce en la historia de Corea del Sur como la masacre de Gwang-ju, donde la dictadura de Chun Doo-hwan, reprimió el alzamiento popular en defensa de la Democracia, dejando un saldo de varios centenares de muertos. Este hecho debido a la censura que recaía sobre la prensa y al aislamiento telefónico y territorial que el ejército impuso a esa ciudad era tergiversado por los medios locales como si se tratara de una rebelión realizada por simpatizantes comunistas y obviamente sin blanquear la cantidad exacta de muertes ocurridas.
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