Federico Karstulovich

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Scream (Grita)

Desde su dedicatoria afectiva, despidiendo al creador de la saga con las cuatro primeras pelïculas, Scream (Grita) conecta con el cine de Wes Craven en el mejor y en el peor de los sentidos posibles. En el primero de ellos, porque entiende al terror como un artefacto popular que puede servir para pensar a la cultura sin por ello dejar de resultar entretenido. En el segundo sentido, porque considera al género a partir de una palabra que ya mencioné: servir, servicio, servilismo. En este punto, como también sucedía con las peores y las mejores películas de Wes Craven, el terror no solo es una pasión y un lugar de pertenencia sino una excusa para hablar de temas importantes, como si el director de Pesadilla siempre le hubiera temido a las superficies, por eso siempre las utilizó para, en buena medida, ironizarlas, burlarse de ellas.

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PERRO BLANCO | NÚMERO 58 | ENERO / 22

on una estirpe que desaparece progresivamente, en un fade out ralentizado. Como en varias de sus películas, también, ese rasgo otoñal, melancólico, los vuelve sabios, pero también silenciosos y trabajadores. De los últimos directores neoclásicos del New Hollywood de los 70s sólo Scorsese y Spielberg sobreviven (y supieron acomodarse) al desarrollo de la industria del último cuarto de siglo. Habría que agregar a Eastwood, que siempre sigue y filma a su manera, todavía bajo la cobertura de Warner Bros. Pero si hay una historia de gente que prevaleció también la hay de la gente que fue olvidada. 2022 comenzó con la muerte de uno de esos eternos olvidados, quien además supo ser uno de los grandes divulgadores de la tradición clásica en una época de renovaciones, de desprecios modernistas y de alejamientos de las viejas formas.

Dont Look Up Portada

No miren arriba

Don’t look up no es una película. Es, en todo caso, lo más parecido que haya visto recientemente a un teletón (para las generaciones nievas: trátese del formato de programa solidario en el que varias celebridades se encargan de juntar fondos con un fin cartiativo). Es un acto en el que debe participarse antes que una película, como cuando los actores hacían fila en SNL para pegarle a Trump porque era un imperativo moral el que los llevaba. Personalmente creo que no solo no se trata de una película, sino que se trata de un gran statement.

West Side Story Remake Steven Spielberg 2021

#Polémica: Amor sin Barreras

No hace falta ser un genio para darse cuenta que Steven Spielberg es un genio a la vieja usanza. Un poco como McCartney, un poco como Bowie, un poco como Sprignsteen, es uno de esos sujetos a los que la genialidad se les revela como lo más fácil y lo más dificil al mismo tiempo, sin solución de continuidad. Ese aspecto lo convierte también a él (y a su cine) en algo/alguien digno de temer y de admirar, como sucede con las fascinaciones románticas. Pero el monstruo concebido por SS, en esta ocasión, es un monstruo frío, gélido, de esos que nos dejan impávidos por su tamaño y fastuosidad, pero también de esos monstruos que nos paralizan porque sentimos que con ellos se nos va la vida, como si estuviéramos en una situación límite.

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Canal 54

Canal 54 retoma una historia notable, una pequeña historia barrial que hace 51 años logró el estatuto de mito. La historia, en concreto, resume lo simple y banal con lo apasionante de las convenciones de los relatos apócrifos, de las mentiras que se repiten en posibilidad por simple repetición. En 1969 el hombre llega a la luna, si. Pero lo que muchos vieron por televisión fue bien distinto a lo que vio un vecino de Avellaneda, una radioaficionado que logró captar “con una antena parabólica casera hecha con una budinera”(sic) una segunda transmisión, una transmisión paralela.

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PERRO BLANCO | NÚMERO 57 | DICIEMBRE / 21

Crítica y críticos. No son la misma cosa. Los hay de distinto tipo. Los hay cerrados sobre sus propias ideas en un montículo de arena, configurados en un olimpo inalcanzable, los hay olvidados y geniales, los hay eclécticos y creativos, sin un estilo definido. Los hay poetas y narradores de argumentos. También hay escuelas críticas de distinta índole: de tradición formalista, del anticuado estilo contenidista, los hay autoristas y los hay especializados en los géneros. Hay una vastedad tan amplia y profusa que la sola empresa de pensar una clasificación puede causarnos un aneurisma.

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Luis Miguel: La serie – Temporada final

La tercer temporada de LM, LS no está a la altura de la temporada 1…pero tampoco está tan lejos. De hecho, lo mejor que tiene es la capacidad de conectar con el aspecto más humano y a la vez mítico y empático de la primera temporada. De ahí que las posibilidades que explora la tercer temporada funcionen lo suficientemente bien en seis episodios como para no echar todo por la borda, precisamente porque la segunda temporada nos ha preparado para que lo que suceda en la tercera no deba explicarnos tanto. Entonces…por qué funciona la tercer temporada?

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Summerfield

Australia era una pesadilla. O quizás lo sigue siendo. No sabemos si resultó bien como mecanismo publicitario para la Australian Film Comission, que entre finales de los 60s y principios de los 70s le cambió la cara al cine del país de los canguros. Definitivamente no parece una invitación. Pero lo bueno es que el territorio de pesadilla es algo indispensable para el cine aunque malo para los negocio y el turismo. Por eso la década del 70 quizás sea de las más importantes sino la gran década del cine australiano, que encontró directores y guionistas imaginativos, brillantes, plagados de ideas que solo necesitaban explotar.

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Historia de lo oculto

Hay un hojaldre cinéfilo presente, es cierto. Pero también funciona si no reconocemos las referencias, entre otras cosas gracias al extrañamiento derivado de la ucronía que narra. Contrario a cualquier clase de elitismo cinéfilo, luego de cinco minutos iniciales -plagados de problemas por donde se los vea, algo que atenta contra la continuidad de nuestra experiencia como espectadores- la película logra construir un (in)verosímil que terminamos por comprar de manera definitiva, quizás gracias al mencionado juego de nostalgia con ucronía a la vez.

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No es uno solo el momento. A lo largo de sus 6 breves episodios (al final de cuentas se trata de una larga conversación de 3hs particionada) observamos a un genio volverse niño, sorprendiéndose con su propio yo, con su propio pasado, como si retornara a un antiguo álbum de fotos y descubriera en cada una de las instantáneas un nuevo detalle que no se había revelado. Su guía, Rick Rubin, no solo actúa como gondolero temporal, sino que acusa un saber que es mayor al del clásico entrevistador entregado a la adulación fácil.

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El Prófugo

La directora sabe cómo hacer de lo cotidiano un espanto particular. Por eso la estrategia de El prófugo es también kafkiana (algo de esto incluso remite a otra película kafkiana con la que se toca, que es la olvidada y poco vista La reina del miedo). En esa estrategia reconocemos una materialidad de elementos que rodean a la vida de la protagonista pero que en el fondo nunca terminan de activar su peligrosidad. En este sentido de cosas la película despliega una primer manera de paranoia narrativa, por el espacio y por los objetos que lo pueblan.

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The Stunt Man

Antecedente de maravillas como El último gran héroe y consecuente de muchas de las expresiones en las que el cine se come su propia cola para poder volver sobre sí hasta confundir sus límites (incluso tiene enormes puntos de contacto con el cine de Andrzej Zulawski, en particular con La mujer pública, apenas unos años posterior y con otro tono), lo hermoso de The stunt man es su absoluta libertad para moverse por los límites de la reflexividad y de la narrativa sin que nada de esto lesione su capacidad de avanzar.

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Viejos

Me encantaría confesar que renunciao al cine de MNS, pero no puedo. Porque siempre hay algo que vuelve y cambia, y mejora, o empeora, pero se trata de un cine vivo y sin red. Será uno de los motivos por los que uno vuelve? En todo caso el que renuncia un poco a la tranquilidad y a la paz autoral y a otra clase de tranquilidad es el mismísimo Manoj Night Shyamalan, que cuando quiere y puede hace maravillas como Glass, pero cuando algo le retumba en la cabeza y se obsesiona, puede distraerse rápido y sin retorno.

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Let him go

Recuerdo algunos años atrás, casi una década, pero también incluso todavía más atrás, al cine clásico cuidando mis noches de angustia, mis noches sin trabajo, mis noches sin casa o noches de agobio laboral, allá por el turbulento 2002. Siempre el cine clásico estuvo ahí. El clasicismo es eso: una posibilidad de mundo, un modo de habitarlo con una ética precisa. Por eso cuando huelo clasicismo me entrego a los padres, me entrego al cuidado. Algo de eso me pasó cuando di con la extraordinaria Let him go (que comenzó a circular silenciosamente a finales de enero de 2021, pero que recién a finales de abril adquirió un cierto estado público).

Calls

Llamadas

Llamadas es y no es un producto original. En parte porque supone la remake de una serie francesa con el mismo formato, pero también porque rememora al viejo y sofisticado arte de las radionovelas/radioteatros. Pero también hay algo más que la aleja de la originalidad: la construcción visual abstracta, dado que estamos ante una serie que prescinde de imágenes concretas (aunque la figuración está presente todo el tiempo en las formas que se arman en las imágenes hipnóticas de organizan cada episodio) y nos pide todo el tiempo que construyamos un sistema empático con abstracciones

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Heaven Knows What

En el cine de los hermanos Safdie nada puede existir sin una condición: la concentración temporal. Pero no me refiero a un cine sostenido sobre el tiempo real, sino a uno en el que el tiempo es la materia prima que rige todas y cada una de las acciones, de forma directa o diferida. No obstante, luego del salto a la fama que les supusiera Good Times y en particular Diamante en bruto, noté que me había equivocado. Y para peor, que persistía en el error. Esto se deba a que esa raíz temporal que determina y define al cuadrilátero cinemático (como dijo alguna vez Fernando Trueba) en las películas del duo, en el fondo, estaba comportando una paradoja.

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Pintando con John

Pintando con John parte de un recorrido acaso más solitario. Ya no se trata de un encuentro entre amigos, sino que es un reconocimiento del remanso personal…donde los amigos somos nosotros, sus espectadores y escuchas. Esto se debe al autoaislamiento de Lurie, quien fuera diagnosticado con la Enfermedad de Lyme, motivo que lo llevó a dejar de lado casi la totalidad de sus actividades previas, en particular la de la música.

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Oscars 2021: This is the end. Bienvenidos a Hollywoke

Si, otra vez arroz. Otra vez la misma cantinela con gusto a nada pero empeorada. Otra vez las condiciones de nominación más previsibles que hayamos visto en años y, encima de males, en el marco de una ceremonia pobre, raquítica, carente de interés. Si, señoras y señores, los Oscar no van más. Es cierto que hace buen rato que algo olía mal en Dinamarca, pero el movimiento que lograron en 2021 puso la vara tan baja que se les cayó todo lo que había encima de ella.

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Implosión

En el heterogéneo sistema que constituye Implosión coexisten una diversidad de variables que nunca dejan en evidencia las marcas, las costuras. Ese encuentro frankensteiniano entre una historia real, una narrativa que fabula las consecuencias de esa historia, a la vez la presencia de los partícipes reales entremezclados con actores profesionales y todo eso girando en una centrifugadora de intensidades corporales.

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Un crimen común

Un crimen común es el primer largometraje en solitario de parte de Francisco Marquez, uno de los directores de La larga noche de Francisco Sanctis, película con la que se ha forzado comparar a esta gracias a su inversión de decisiones morales (en aquella un hombre común decide avisar a unos militantes que los militares van a secuestrarlos; en esta una mujer común decide no intervenir para salvar a un joven de la cacería y posterior muerte que le diera gendarmería). Pero acaso el punto de contacto más fuerte de esta película no provenga precisamente del propio cine del director (en lo que acaso sería una autorreferencialidad un poco vergonzante), sino en un film que no es de su autoría: La Patota (Santiago Mitre, 2015). El punto de contacto vuelve a atravesar al cine político argentino (una vez más y van…) por la culpa progresista.

Una Casa

Bafici 2021 – Diario de festival: Canal 54/Una casa sin cortinas

Comencé Bafici con varias películas encima. Otra vez me toca la tarea de ser jurado Fipresci, por lo que no pienso hablar de mi sección de competencia, pero si me voy a referir a varias cosas que vi, que van de lo extraordinario (Canal 54) a lo sorprendente/olvidado (Una casa sin cortinas) a lo previsible y acaso levemente decepcionante (Aquilo que eu nunca perdi). Pero antes una breve confesión, casi vergonzante, casi expulsiva de la cinefilia (supongo): retorné al cine, si. Pero la experiencia no me movió un pelo.

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Un falsificador entre mormones

Un falsificador entre los mormones no parece ser el mejor título de presentación para la historia inverosimil y wellesiana de Mark Hoffman. Pero tampoco el original literal traducido como Un asesinato entre los mormones. Porque quizás lo más relevante que tiene para ofrecer esta serie breve pero a la vez dotada de una densidad informativa infrecuente -hecho que la vuelve larga y corta a la vez- no es toda su dotación de sospechas y paranoias varias respecto de la iglesia de los santos de los últimos días. No: no es una serie conspiranoica. Y si lo fuera fracasaría rotundamente. En lugar en el que la serie se asienta de forma apasionante (aunque la prsesencia de testimonios frente a cámara no hacen más que quitarle ritmo y agregar minutos) gira en torno a la figura de su centro, el falsario y falsificador Mark Hoffman, que bien podría ser una invención de Jorge Luis Borges, de Marcel Schwob, de Juan Rodolfo Wilcock o de Roberto Bolaño.

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Zombies en el cañaveral. El documental

Zombies en el cañaveral había sabido circular como proyecto por distintos concursos desde hace algunos años y que finalmente encontró la luz. Suerte de falso documental (aunque no demasiado inspirado en esa simulación, como si confundiera los falsos testimonios de las falsas entrevistas con las cuestiones de forma que todo falso documental ostenta: desprolijidad, inmediatez, planos sin mayor variación, ausente transparencia en el montaje) acerca de un presunto film de terror argentino sobre zombies y antecedente de La noche de los muertos vivos (George Romero, 1968), apenas con tres años de diferencia. Hasta ahí, partiendo de la premisa, la película muestra una gran idea: y si uno de los grandes orígenes del terror moderno no tuvo su epicentro en EE.UU. sino en un país subdesarrollado?

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The Right Stuff

Cómo se me pasó esta serie eastwoodiana? Creo que no fui el único. Se le pasó a la mayoría. De hecho no cuenta con estrellas rutilantes. Ni fue emitida por ninguna plataforma rutilante. Ni cuenta una historia que pueda resultar particularmente atractiva para gran parte del público contemporáneo, acaso más ocupado en otros asuntos que vayan más allá de la épica de la carrera espacial desatada entre mediados de los 50s y la década del 80. La cuestión es anacrónica para el presente. Y es que The Right Stuff ya ni siquiera puede dialogar con el presente de la guerra fría como si lo hacía el extraordinario largometraje de Phillip Kauffman de 1981 sobre el que esta serie se apoya pero que al mismo tiempo expande

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Quo Vadis? Algunas hipótesis sobre el destino de los géneros en el presente

A modo de presentación del inminente curso gratuito en el marco de la Comunidad Cinefila Perro Blanco, y como excusa para hablar hasta por los codos, Federico Karstulovich se sentó a parlotear sobre algunas posibilidades que puede encarnar el cine de género en el presente y en el futuro inmediato. Trabajo de sismógrafo, lo que hace Federico es una tarea a la que no estamos habituados: observar el movimiento de placas tectónicas y su incidencia sobre el mundo de los géneros. El resultado es este podcast que da miedo. Y en breve comienza el curso en el que profundizaremos algunas de estas y otras ideas.

Pretend Its A City

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Cuando terminé de ver el primer episodio de la breve serie dirigida por Martin Scorsese pensé desde mi generación: “uy, esto va a ser un lamento de viejos chotos por el pasado”. De hecho ese prejuicio se hizo masivo cuando varios colegas y gente que vio la serie terminó el primer episodio. Quizás porque parecía que se trataba de las memorias nostálgicas de un mundo que ya no existe más pero defendidas con audacia e inteligencia. Pero Supongamos que Nueva York es una ciudad (prefiero llamarla por el original Pretend It’s a City) es bastante más que un lamento borincano que gira en torno a un mundo que en efecto no existe más.

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Quiz

Tanto en Sturges como en Frears hay un aspecto kafkiano y luminoso a la vez. Está el sistema de juicio (que en Quiz es literal), está la lucha por la verdad en un mundo de posverdades (por más que la serie se situe en 2001), está el sistema de creencias y confirmaciones de las creencias que no opera por medio de los hechos sino por medio de la necesidad de reforzar una perspectiva ya cerrada sobre un tema (en este caso hablamos de la condena pública frente a los protagonistas, acusados de fraude en un juego televisivo). Pero también está la ética de los personajes frearianos: gente que se equivoca, que tiene agachadas, que puede ir y volver sobre si, pero que se hace cargo de sus actos. Ahora bien: la serie elige defender a los protagonistas o elige una inconveniente equidistancia?

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Mank

Muerto el cine que viva la cinefilia. El problema es que murió tantas veces que cuando muera en serio (como ahora, que nos estamos quedando sin salas, en el encierro pandémico-cuarentenil) ya ni siquiera nos va a importar. Pero hay cosas que deberían afectarnos y han quedado naturalizadas. Asimismo hay otras que no importan demasiado (la cinefilia como defensa nostálgica del cine antes que el cine como construcción de una cinefilia productiva, con futuro), pero yiran y dan vueltas y se habla de ellas demasiado. Se escribe más. Pero no importan mucho, porque mueren antes de nacer, porque se abortan a si mismas y nos envilecen la experiencia como espectadores. O quizás envilecer sea un poco mucho para referirse a una película menor, que en el contexto actual termina siendo agrandada vaya uno a saber por qué motivo para cerrar un año funesto y candidatearla fuerte en 2021 a cuanto premio de muerte nos espere.

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Las mil y una

En Las mil y una lo personal es colectivo y político. Pero no por ampliar los modos de representación de las disidencias sexuales (si así fuera no estaríamos sino corriendo el eje hacia la corrección política), sino, precisamente, por la ausencia de énfasis, por la confianza en el cuerpo y en el modo de mirarlo (Navas construye grandes planos en dos niveles: a partir del encuadre reducido, amuchando personajes y con la cámara fija, por un lado; por el otro con planos secuencia con cámara en mano, en perpetuo movimiento). En la película el espacio no es cualquiera sino que resulta estrictamente funcional: un barrio popular de monoblocks en Corrientes que se percibe como una mezcla de hormiguero y laberinto; al mismo tiempo una mirada tierna y no exenta de amor por los personajes pero superponiendo el crecimiento, del desarrollo sexual, las confusiones en el escarceo con la libertad de las prácticas en donde el goce sexual es al mismo tiempo celebrado como señalado por terceros. Lo mas interesante es que Navas nos lleva por un slalom de ritmos y tonos, que logra alterar, cambiar y aprovechar con una libertad envidiable. Hacia el final la decisión es elíptica y poética. Favio ha engendrado prole.

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PERRO BLANCO | NÚMERO 45 | DICIEMBRE / 20

No sabemos cuántos años deberán tener que pasar para que repitamos lo que, a esta altura, pareciera una cantinela depresiva de críticas contra el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA, para los extranjeros o desconocedores). Lo cierto es que prosiguen las administraciones, pasan los años y las prácticas siguen siendo las mismas: abandono de los estrenos argentinos a eliminarse mutuamente con el simple fin del cobro del subsidio y el estreno en fecha, espectadores entregados a la suerte de un mercado concentrado y a una alarmante ausencia de diversificación en el orden de los jugadores locales como extranjeros, por último una ausencia de política de estado para pensar -ni siquiera digo resolver, pensar al menos- una respuesta productiva progresiva que vea su resultado en años. No. Nada. Cero.

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