Es curioso, en este caso, cómo lo que construye Hemshej pone en evidencia uno de los aspectos mas sádicos de la estrategia interactiva del documental, concentrada en conseguir información con sacacorchos, a cómo dé lugar, un poco haciendo del mismo proceso de la búsqueda del material el verdadero objeto del documental.
Cuando vemos los primeros minutos de Rescate imposible nos convoca una corriente de innegable simpatía. A los que rondamos los cuarenta o los superamos, nos sentimos, cómo decirlo, como de visita por la casa de los padres. Hay algo de la infancia ahí, que no es para todos, porque no pretende ser cool o estilizado. Tampoco pretende dialogar con el presente y sus agendas, sino que vuela libre, hacia el pasado no pisado.
Curiosamente dos películas de 2023 que circularon bastante por medios non sanctos -pero también tuvieron su paso por festivales-, se estrenaron en el mes de febrero en dos plataformas distintas…y ostentan varios puntos de contacto. Hablamos de Dumb Money y de BlackBerry, películas incluso hermanadas fonéticamente, por su composición en base a dos palabras (olvídense de la tontera de la traducción de El poder de los centavos para la primera y BlackBerry: el inicio de la historia para la segunda, que no nos economizan en nada la redacción), pero sobre todas las cosas hermanadas porque se trata de dos tipos distintos de success story: la primera al narrar un éxito final con ascenso esforzado y la segunda al narrar un apogeo y caída. Lo cierto es que ambas se proponen una pequeña épica invertida, en donde la historia con mayúscula queda mayormente fuera de campo y lo que reverbera es la historia menor, en donde la cadena de matices en los esfuerzos, fracasos, pequeños logros, agachadas, traiciones componen el reverso de la trama de lo que hoy por hoy no cuestionamos demasiado porque forma parte de la experiencia habitual.
Cuando Sly termina, con su protagonista desarmando todo para volver a mudarse (uno de los tantos cambios de piel mas a los que acostumbró en toda su carrera), la piña va directo a la cara. La trompada es frontal. “Yo estoy en el negocio de la esperanza” debe ser una de las grandes líneas para finalizar una película, que en este caso, como sucedió en su momento con Arnold, también mezcla autobiografía con bullshit.
Hayao Miyazaki recorrió un largo camino sobre el cual siempre es tentador volver. Lo digo porque los críticos perezosos pueden comportarse como empleado bancario en microcentro en la hora de la comida: rajan a comer lo conocido (milanesa a la napolitana con puré de papas) y luego vuelven, felices, porque no hubo motivo para preocuparse. Una minuta es eso: además de un punteo de ítems es, también, algo que puede hacerse en pocos minutos y que está tan estandarizado en la práctica que puede realizarse con los ojos cerrados y dentro de un baúl con candado en la pura oscuridad.
Una vez por año, con una consistencia casi navideña, Netflix entrega cosas que hacen parecer que el año de la plataforma termina “potente”. Pero en el fondo entrega la misma miseria mediocre que viene sosteniendo en sus contenidos de manera cada vez más preocupante. En este caso le toca a Sam Esmail, que supo hacerse cierto nombre detrás de la serie Mr. Robot, si, pero en el medio entre aquella y esta película entregó un artefacto depalmiano que vale la pena revisar como lo fue Homecoming.
No pude estar mucho tiempo en Mar del Plata, pero les puedo asegurar que la ultramegapanzada que me di en escasos días está volcada en este diario desparejo y torrencial. Por lo pronto empecé mal cuando me perdí Hombre de la esquina rosada, la notable película de Mujica que se presentaba restaurada. Llegué tardísimo a las entradas y no fue posible ni escabullirme. No obstante empezaron a brotar alternativas. Sobre ellas es lo que sigue.
Hay una alta, altísima probabilidad, de que antes que The Marvels muera en el olvido de la ignominia de la fase más desastrosa que haya entregado jamás el MCU, la recordemos con un poco de afecto, acaso condescendiente, pero no tanto, parecido a lo que sucedió con Shazam: La furia de los dioses, antes de que el DC post Snyder y pre Gunn se extinguiera con un suspiro.
El espectador de cine es plural y variado, eso lo sabemos. Pero también es un animal de costumbres. Y si una costumbre perdura entre nosotros, además de la persistente presencia de películas de terror es la presencia de eso que venimos definiendo sostenidamente como el survival film, que tiene sus propias reglas y que no viene al caso definir porque mis compañeros siempre lo han hecho mejor que yo.
Con Arturo a los 30 Martín Shanly hace y no hace una continuación de Juana a los 12, que es lo que a primera vista habríamos tendido a pensar como parte de una trilogía imaginaria que podría terminar con Marcos a los 50, por decir sin ser irrespetuoso. Por un lado prolonga los tentáculos sobre otros claroscuros de la clase alta de la zona norte de provincia de Buenos Aires (en un ardid autocrítico ya casi terapéutico para mucho realizador habitué de festivales, que, en efecto, conoce ese mundo al dedillo, y precisa exorcizarlo como diciendo “yo no pertenezco, eh”), pero por otro se diferencia de ese ovni que era Juana para adentrarse en un territorio deliberadamente más hablado, mas atravesado por la comedia absurda (si, de Rejtman a Wes Anderson y el mumblecore hay y mucho por acá)).
Oliva, no obstante, dista de ser una película de gangsters. Y en todo caso un poco dista de ser una comedia, aunque lo intente. No porque intente dar cuenta de ese código en tono de farsa, sino porque intenta aplicarlo a una premisa que no tiene mucho que envidiarle a Goodbye Lenin!, con la que comparte la necesidad de un hijo para sostener un delirio y ocultar una realidad para su padre. El punto es que el chiste de la doble percepción no dura demasiado sin volverse reiterativo y un tanto zonzo.
Qué podría haber sucedido en caso de haberse pergeñado Mansión embrujada un cuarto de siglo atrás, se preguntarán los lectores ante semejante antigualla? Probablemente hubiera sido un éxito módico. Pequeño pero éxito a fin. Lo tenía todo a su favor? No tanto, pero no tan poco: estrellas destacables, una guionista estrella, un código fácilmente asociable con un formato de comedia muy 80/90s y la posibilidad de interpelar a adultos y a niños. En definitiva uno de esos productos de manufactura Disney que, con un poquitín de corazón atrás, sobreviven.
Luego de una ópera prima asolada por las alegorías y metáforas de distinto orden como lo fue Mamá Mamá Mamá, en Nuestros días más felices, la directora prosigue con las relaciones familiares (es casi una marca autoral a esta altura). En este caso la variación etaria es clave, porque la película se centra en una madre y sus hijos en un espacio reducido, con el consecuente peligro de convertirse en una película teatral, en un drama doméstico tradicional.
En su sexta temporada, Black Mirror se enfrenta densamente a algo que ya venía prometiendo con ganas en las dos temporadas anteriores pero que, sin lugar a dudas aquí se consolida: el futuro llegó, el imaginario de futurabilidad ya no es posible y, por lo tanto, casi nada de lo que pueda pensarse en términos de una aplicabilidad apocalíptica de la tecnología tiene demasiado sentido.
Transformers: El despertar de las bestias altera el presente (aunque no llega a nuestro tiempo)y abre una línea temporal previa a las primeras Transformers de Michael Bay pero posteriores a los dibujos. Y que intenta, de alguna manera, spielberguianamente (quien aquí produce), con alusiones un poco toscas y un poco franeleras, que asumamos alguna clase de compromiso emocional con lo que estamos viendo (algo que Bumblebee, situada en los 80s, lograba más y mejor porque había comprendido la herencia del padre Steven S). Por eso la intercuela que nos propone Transformers: El despertar de las bestias tiene algo de torpe, algo de honesto, algo de manipulador, algo de infantil y algo de especulación mal calculada
A su manera, Tetris es una película que bien podría haber jugado con los elementos a su alcance pero termina haciendo todo lo posible por asentarse sobre el aspecto menos cinético: los contratos, los papeles, las negociaciones varias. En el medio se nos pierde el cuentito de espías en el contexto de la transición hacia la caída de la URSS, también se nos pierde el uso de las nuevas estrategias de mercado como un modo de entender el espíritu de época.
Con Arturo a los 30 Martín Shanly hace y no hace una continuación de Juana a los 12. Por un lado prolonga los tentáculos sobre otros claroscuros de la clase alta de la zona norte de provincia de Buenos Aires (en un ardid autocrítico ya casi terapéutico para mucho realizador habitué de festivales, que, en efecto, conoce ese mundo al dedillo, y precisa exorcizarlo como diciendo “yo no pertenezco, eh”), pero por otro se diferencia de ese ovni que era Juana para adentrarse en un territorio deliberadamente más hablado, mas atravesado por la comedia absurda.
Te prometo una larga amistad juega un juego que el cine contemporáneo vive jugando hace años: el juego del work in progress como código estilístico. La idea de narrar mediante ensayos y pruebas aquello que sucedió, es decir, la idea del ensayo frente al público como ejercicio límite de la suspensión de la incredulidad es un artificio que, si bien puede parecer rupturista, responde lisa y llanamente a un modo de configurar la representación cinematográfica cuando las ideas que juegan por el pleno artificio se agotan o bien cuando las limitaciones presupuestarias lo exigen como condición de posibilidad.
Obsesión, con sus episodios breves y manipuladores, no es particularmente buena si uno la compara con la tradición en la que se inscribe. Acaso porque repita casi al pie de la letra cada uno de los lugares comunes que uno esperaría que repitiera: un matrimonio feliz y consolidado, una infidelidad, un secreto que une a dos personas, un pasado turbio, una relación patológica, un descubrimiento, una tragedia, un recomienzo.
El caso Fourniret: Monique Olivier, instrumento del mal cuenta y no cuenta nada nuevo a la vez, como si la serie fuera plenamente consciente de su amarillismo de reenactments, sus cliffhangers engañosos al final de cada episodio y su réplica de formas y lugares comunes del género hasta el hartazgo. De hecho, el caso de dos criminales en donde uno manipula al otro pero nunca sabemos muy bien quién ocupa cada rol ya lo habíamos visto antes y mejor en Evil genius, la extraordinaria serie documental de Netflix de 2018. Pero en este caso, sin ser mejor, más bien por el contrario, algo distinto se ponía en juego.
En buena medida, por lo tanto, Diarios del encierro encuentra en su interior a dos películas distintas: por un lado la privada, la confesional, la que obliga al protagonista/director a una anagnórisis, a un aprendizaje a los tumbos pero aprendizaje al fin. Pero también una película política que no fue, una película sobre el silencio ante las decisiones de gobierno. Y si bien la pandemia y el encierro de la cuarentena expone a su director a una reevaluación personal que lo obliga a mirar hacia su propio país (con una mirada inocultable de simpatía por la vertiente más izquierda del Partido Demócrata, léase Bernie Sanders) como al nuestro (en cierta medida con un grado de simpatía inocultable por el gobierno actual, al que califica, para ese entonces, de “un gobierno que está haciendo las cosas bien” por contraste)
Como casi todo de revisionismo, la historia que narra El estrangulador de Boston, en su versión de 2023, se propone desmontar y desmentir la narrativa que la versión original The Boston Strangler (Richard Fleischer, 1968)-en inglés con el artículo al principio, a diferencia de la actual- para proponer algo acaso mas inquietante. Lo que tendremos que pensar es si lo que ocurre es, en efecto, un ejercicio de investigación sobre los hechos o es una fabulación acorde a los tiempos que corren y a las necesidades de interpelación directa de estos tiempos nuevos en donde todo es pasible de revisión bajo la excusa de renovar la mirada ante un nuevo público.
Scream VI se propone, nuevamente, la obligación de reflexionar sobre algo, que es, acaso, lo menos interesante de la saga, que gana siempre cuando su centro gira en torno a los crímenes, a las acciones y al movimiento que cuando se ampara en un enciclopedismo que vaya uno a saber dónde puede terminar sin convertirse en un banal artículo de Wikipedia
Quiero bailar con alguien está pergeñada para salvar las papas, si. No parece diseñada por alguien particularmente original, ni curioso, ni portador de una mirada cinematográfica deslumbrante (como pasó con la desesperante Elvis, para la que uno esperaba, en manos de Baz Luhrman, un espectáculo notable…pero no). En esta biopic desangelada no hay nada de eso.
Pero en Los jóvenes amantes está presente el comentario social, el anclaje de época, en donde, detrás de un romance inesperado (que recuerda a Demasiado Bella para mi, del gran Bertrand Blier, donde Gerard Depardieu decidía engañar a su bellísima esposa por la bastante poco estándar Josiane Balasko) entre una adulta mayor (setenta y largos abriles) y un hombre adulto (cuarenta y tantos otoños), se esconde una necesaria reflexión sobre el rol social de ciertas mujeres según la franja etaria
Legítima defensa (vista en el festival de Mar Del Plata de 2022) es un rara avis para un festival, pero no tanto para los estrenos comerciales del circuito oficial. Mucho más cercana al tratamiento y las formas de abordar los géneros (en este caso la mezcla es el policial con el melodrama familiar) de cierto cine argentino de corte industrial antes que una historia encuadrable en el esquivo formato de “película de festival”
En Noche sin paz la trituradora es el espíritu pop de armar una festichola de fin de año, en donde puedan entrar varias cosas al mismo tiempo (el cine de acción, el slasher, la comedia negra, las películas navideñas, pero también cierto cine clase B desclasado y olvidado superpuesto con una sensibilidad de videojuego), con el deseo de que las mezcla salga bien.
Te prometo una larga amistad juega un juego que el cine contemporáneo vive jugando hace años: el juego del work in progress como código estilístico. La idea de narrar mediante ensayos y pruebas aquello que sucedió, es decir, la idea del ensayo frente al público como ejercicio límite de la suspensión de la incredulidad es un artificio que, si bien puede parecer rupturista, responde lisa y llanamente a un modo de configurar la representación cinematográfica cuando las ideas que juegan por el pleno artificio se agotan o bien cuando las limitaciones presupuestarias lo exigen como condición de posibilidad. Ahora bien, esto no supone que el artilugio de la puesta en escena mediada por el work in progress sea desechable
Retreat es uno de los típicos estudios de caracteres del cine austríaco (aunque en este caso sea una película de nacionalidad suiza), especialista en el desplazamiento entre géneros, expectativas, abocado a jugar con las limitaciones del espectador a la hora de jugar el juego. En este caso el asunto tiene una premisa bastante simple, porque arranca con unas breves vacaciones entre padre e hijo, aislados en la montaña, en pleno bosque, en invierno..
Nos encanta decir (y pensar) que Paul Verhoeven está loco. Qué es un libertino proveniente de un país libertino -Holanda- y que, a la hora de saltar el charco, luego de escandalizar a medio mundo, incluyendo su país de origen, bueno, no se trataba sólo de duplicar la apuesta sino, lisa y llanamente, de virar la perspectiva -que no es adaptarse, ojo-. Asi las cosas, es probable que Verhoeven se haya puesto una regla para sí mismo a la hora de probar suerte en el puritano Hollywood, que en los 80s, curiosamente, no escatimó en libertades para este buen señor.
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