Autor: Luciano Salgado

Pero aunque lo intente, Dominik Moll no es uno de esos sádicos mencionados previamente, sino que es un entomólogo culposo, por eso su determinismo ni siquiera tiene el rigor de esos dioses menores que hacen de sus personajes los portavoces de una idea trascendente para el mundo. No, Moll parece querer escaparse de esa prole, pero no sabe muy bien cómo.

Considerando que su director es una suerte de especialista en eso que podemos llamar “películas de riesgo en escenarios naturales”, uno bien podía pensar que Bestia se iba a permitir algunas salvajadas, algunas licencias físicas y materiales que hicieran honor al subgénero al que pertenece el survival. Pero como las peras no provienen del olmo en el que actualmente se mueve el mainstream, lo que hay no es nada parecido a la supervivencia, sino, bien por el contrario, el miedo a lastimarse.

Si bien estamos ante uno de los mejores personajes del MCU -o al menos a uno al que se le ha podido encontrar una vuelta de tuerca suficientemente interesante como para que haya participado en una numerosa cantidad de películas y que siga suscitando interés-, la promesa indicaba que esta segunda entrega de Dr. Strange (que supo tomarse su tiempo para una película en soledad luego de la primera) iba a ser aquella que explotara al máximo las posibilidades de eso que el fandom llama multiverso pero que nosotros podemos llamar un crossover de franquicias. Nada de eso.

Competencia oficial es vieja porque sus recursos lo son. Porque su abordaje de la sátira lo es. Porque su perspectiva -a diferencia de artefactos incómodos y geniales en su melancolía como la menospreciada Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo- expresa una certeza absoluta respecto del mundo que retrata (a esta altura un lugar común que habla mucho más de quien señala que del señalado). Desde esa perspectiva limitada, no hay mayor oferta en esta última entrega que las anteriores.

En Belle se habita un mundo en plural, de manera desdoblada, como si se respirara. Por eso el director se propuso pensar con el mayor vínculo con el presente: dónde encontramos esa cohabitación de existencias sin conflicto? La respuesta es sencilla: en la interacción entre la vida cotidiana y el mundo virtual de las redes sociales. Pero no, no se asusten: Hosoda no es Miyazaki ni nos va a entregar una monserga sobre los males del mundo moderno. En todo caso ese dispositivo elegido es una excusa para narrar con precisión, sin que la elección parezca arbitraria o demagógica.

Apesadumbrado? Arrinconado por lo que vendría? No parece. No necesariamente, al menos. En ese orden de cosas Woody Allen (no me gusta llamarlo Woody como si fuera un amigo ni Allen como si fuera un apellido, cuando encima es un segundo nombre) concibe una película hecha por inercia, casi carente de estímulo vital, como su protagonista, que se mueve de manera taciturna, consciente de que su vida de pareja es una pantomima y que su presente es una mera sucesión de momentos sin conexión alguna con el deseo o la vida. En este punto el personaje que interpreta Wallace Shawn puede volver a confundirse (oh, cuantas veces!) con otro de los alteregos de WA.

Rey Richard es un melodrama en el que la contención, la red de salvataje es justamente el tenis. Como disciplina la película muestra a ese deporte como una de las funciones del deporte en general: salvar a la gente, organizarla, darle un objetivo. Como herramienta dramática el tenis aparece como excusa para mostrar las tensiones entre la familia Williams y un mundo no particularmente predispuesto a aceptar otras reglas de juego. Se podrá decir también (pero la película no habilita esa lectura) que estamos ante una familia de un protestantismo casi puritano, que en su religiosidad construyó una vida hiperactiva planificada en donde nunca hubo espacio para la improvisación.

Debo decir que por primera vez en un poco mas de un lustro escucho y leo por primera vez cosas como “si, si, está muy bien pero es lo mismo de siempre”. Le habían soltado la mano al bueno de Wes? Hay algo de eso. Quizás haya sido el principal motivo por el cual me volqué a verla: era lo mismo de siempre?
La crónica francesa, en efecto, repite las herramientas, es cierto e ineludible. De hecho quien quiera ir a ver y corroborar lo conocido, podrá hacerlo. WA está ahí en sus materiales y en sus herramientas. Esa es la materialidad de su cine, por eso en ese aspecto la identidad autoral se mantiene dura e inconmovible.
Pero hay algo que cambió, motivo por el cual me toca defender a WA en esta ocasión. El cambio es “esrpiritual”. CÓMO? Si, el director construye una historia coral como en la mencionada El gran hotel Budapest, de la cual podría pensarse que La crónica francesa es una rescritura descontracturada y disociada del anclaje literario de Stefan Sweig que si estaba en aquella película de 2014.

De toda la banda de cineastas salidos de la FUC hay dos que supieron encarnar como nadie las formas del cine que admiraban. Tanto Alejo Moguillansky como Matías Piñeiro resultaron ser las mejores encarnaciones y continuaciones de buena parte de los intereses cinéfilos que siempre rodearon su obra. Posiblemente el gran enlace entre ambos sea Rivette. Pero mientras que Piñeiro se pone renoiriano cada vez que puede, a Moguillansky lo tienta un componente más chileno: Raúl Ruiz.

Entonces llega Cry Macho. No llega en Diciembre/Enero como casi siempre llegaban sus películas a las salas. Llega en septiembre, en el fin del invierno del hemisferio sur, como si negara el otoño, como si abrazara la primavera a la vuelta de la esquina con una impunidad de joven y lozano. Y como bien dice Sebastián Rosal (en esta extraordinaria nota), la reinvención de Eastwood tiene la cara de un cuento de hadas, que precisa de un tiempo y un espacio distinto, aislados del mundo. Pero esto no existía en el director previamente? Si me preguntan no puedo dejar de pensar en ese artificio vuelto hacia adentro de la obra eastwoodiana que fue Bronco Billy (película con la que Cry Macho tiene más de un punto en común).

Reminisencia, para decirlo académicamente, es un pato criollo: a cada paso que da, una cagada que se manda. Pero el morbo nos petrifica y no podemos dejar de ver cómo se degrada en su recorrido en el que intenta fichar al mismo tiempo a las formas del cine noir con las estrategias de una ciencia ficción cercana a la década del 80 con melodrama de intensidad hiperbólica (romanticismo desatado, obsesiones malsanas, retornos a la escena primigenia).

No, estimado lector. No se deje engañar por el hermoso plano que ilustra esta nota. Casi nada de esa promesa inicial se sostiene sobre el resto de El conjuro: el diablo me obligó a hacerlo. Está mal? No necesariamente. La película fue castigada por el prologo cuando las dos partes previas de la trilogía hacía exactamente lo mismo: contextualizaban al matrimonio en casos precedentes, a modo de construcción indicial, pero no necesariamente de continuidad narrativa. Quizás sea por eso que en esta tercer entrega molesta: porque la promesa de conexión con lo que prosigue parece mucho más clara, no obstante la relación termina siendo un poco vaga, la presencia diabólica en cuestión se reduce a un mero anzuelo.