Clara se pierde en el bosque es la ópera prima de Camila Fabbri, que en 2019 publicó El día que apagaron la luz, una novela en la que buscaba reconstruir la tragedia de Cromañón a partir de las voces de un puñado de sobrevivientes. El film retoma algo de este concepto y lo trabaja a partir de la figura de Clara, que estuvo en aquel recital de Callejeros en diciembre de 2004. En el presente, la protagonista viaja con su novio a visitar a la familia de él.
No sé cuánto de Gondry hay en Marc, pero lo cierto es que la megalomanía del personaje, representada por una voz en off constante, es la que guía las situaciones hacia destinos imprevisibles. Imposibilitado de ver su propia película para así poder terminarla, va llenando los días con nuevas actividades que lo alejan cada vez más del propósito inicial. Aunque su discurso tiene ese rasgo de patetismo que habilita la empatía, sus acciones casi no tienen consecuencias, y con el correr de los minutos va hartando no solo a sus compañeros, sino también a los espectadores.
Poco después de que Dalton (Jake Gyllenhaal) baja del colectivo en Glass Key, una joven librera le hace notar el parecido de su arribo con la trama clásica de un western: un forastero llega a un pueblo, contratado para hacerse cargo de un grupo de maleantes que aterrorizan el bar local. La nueva versión de El Duro, dirigida por Doug Liman, se hace cargo de esa autoconciencia, poniendo de relieve que todo lo que va a suceder será exagerado, inverosímil, un juego aspiracionalmente épico.
Ricky Stanicky es la vuelta a los orígenes del director Peter Farrelly, autor (junto con su hermano Bobby) de algunas de las comedias más recordadas de los 90 y principios del 2000. Después de ganar el Oscar a Mejor película en 2018 por su debut en solitario, Green Book, lo más esperable era que continuara por ese camino, y de hecho así lo hizo, pero a nadie le importó. En 2022 estrenó Operación Cerveza, que incluía a nombres convocantes como Zac Efron, Russell Crowe y Bill Murray, y que se mantenía en la estela de “comedia dramática mainstream, atp, basada en hechos reales”.
La historia de Todos somos extraños es, en más de un nivel, una historia de fantasmas. Adam (Andrew Scott) es un guionista que vive en una Londres nebulosa, desdibujada, que bien podría ser un futuro inmediato o un lugar sin tiempo. En su edificio parece haber muy pocos vecinos; uno de ellos, Harry (Paul Mescal), toca a su puerta una noche, y desde ahí se va hilvanando un vínculo entre los dos, signado por el peso constante del pasado en la vida de Adam. Porque, como se revela en una conversación, sus padres murieron en un accidente cuando tenía 12 años, y ahora él, mientras combate un bloqueo creativo, intenta un ajuste de cuentas escribiendo sobre ellos.
La película número 50 de Woody Allen. La última, dicen, aunque hace poco el director de 88 años confirmó estar preparando un nuevo proyecto, a ser filmado en Italia. No nos vamos a detener acá en los problemas que actualmente suscita la figura de Allen, un artista cancelado que ya no encuentra financiación en su Estados Unidos natal. Lo que sí vamos a hacer es tratar de dilucidar qué es lo que falla (y lo que funciona) en Coup de chance, rodada en francés, que retoma y repite muchos de los temas y las formas que Allen supo trabajar durante casi cincuenta años de carrera.
Una vez asimilado el formato, lo cierto es que El color púrpura tiene secuencias musicales notables, llevadas a cabo (no siempre, pero sí) con planos secuencia que permiten apreciar la destreza de los intérpretes. Hay una sensación de artificio que invade todo, echando por tierra el “realismo” de la versión de Spielberg (que de cualquier modo ya tenía bastante de melodrama); para el espectador, es un caso de tómalo o déjalo. ¿Qué pasa conmigo, obligado por un compromiso profesional a verla? Lo tomo, me dejo llevar por la estilización y las voces, la potencia escénica del gospel y del R&B, y dejo pasar algunos subrayados, cierto divague hacia el final, sumado a la necesidad de atar absolutamente todos los cabos
The Holdovers es, como casi todas las de Payne, una película de personajes. El Hunham de Giamatti es un docente que parece no tener vida más allá de los límites de Barton; un tipo mal llevado, estricto, un poco tiránico, algo alcohólico. Como si su carácter no fuera suficiente para alejar a todos, también está su apariencia derrumbada, el ojo desviado por el que todos los alumnos lo señalan, y el mal olor que emana, que se potencia por las noches. También, claro, es un personaje que carga con un gran sufrimiento, producto de un pasado que pocos conocen. Ir develando de a poco sus circunstancias es la operación que Payne realiza con los tres.
A pesar de su andar errático, lo cierto es que The Kitchen logra conjurar un espíritu de resistencia en el retrato de esa comunidad. Un poco de costado, con una narración que, al igual que sus personajes, habita en los márgenes, en una franja difusa entre géneros que no terminan de concretarse. El debut de Kaluuya, como muchas óperas primas (aunque al lado tenga a un director más experimentado como Tavares), está cargada de intenciones, denotando la rabia y la urgencia por sentar una posición.
¿Cómo podríamos definir a Intruso, la nueva película de Garth Davis? A simple vista, como un drama romántico con elementos de ciencia ficción. Año 2056, el planeta está arrasado por el cambio climático y la falta de recursos. Lejos de las grandes urbes, en una granja de tierra yerma donde no llueve desde hace años, viven Hen y Junior. Un matrimonio joven, interpretado por Saoirse Ronan y Paul Mescal, que una noche cualquiera son sorprendidos por un extraño, de traje, que les trae noticias.
Showing up, el nuevo eslabón en la carrera de Kelly Reichardt, es una historia tan mínima y sutil que fácilmente podría ser catalogada con ese juicio que se reserva para mucho cine independiente que recorre festivales: “una película donde no pasa nada”. En verdad sucede mucho, pero en un nivel molecular, como en los cuentos de Raymond Carver, a quien el indie norteamericano le debe mucho.
Incluso antes de estrenarse, Saltburn ya arrastraba consigo el ruido de sus componentes y sus posibilidades. Emerald Fennell, la responsable de Hermosa venganza, en el guión y la dirección. Frente a la cámara, los ascendentes Barry Keoghan y Jacob Elordi. El primero, uno de esos actores raros, comprometidos, oscarizables; el segundo, un intérprete menos dotado pero hiper sexualizado, chongo absoluto, viva imagen de la lujuria sentado al sol, en cuero, chupando un helado de palito y leyendo Harry Potter.
Ensayo general es la ampliación del corto homónimo estrenado en 2020, que contaba con Lieberman en solitario tras las cámaras, y Gordon delante de ellas, acompañada por Noah Galvin y Ben Platt. Los cuatro vuelven al ruedo con una película que, en plan falso documental, registra un verano en el campamento de teatro AdirondACTS. Apenas arranca, la fundadora del lugar sufre un colapso por las luces estroboscópicas de una obra infantil, y queda en coma.
Inspirada en sus propias vivencias, la ópera prima del realizador colombiano Juan Sebastián Quebrada propone un abordaje sobre el duelo que no está exento de incomodidad. Al principio, la sensación es la de que los protagonistas son dos: Fede y Simón, hermanos, adolescentes. Simón es el más popular, el que tiene novia, el más carismático, mientras que Fede se muestra introvertido, no necesariamente tímido, pero sí más apocado, menos trascendente a los ojos de los demás.
Basada en el best-seller homónimo de Judy Blume, Are you there God? It’s me, Margaret es un ejemplo arquetípico de coming of age: un relato de crecimiento que va tachando casillero por casillero todos los lugares comunes del género. Y esto no es algo malo, al contrario; a pesar de transitar un camino visto mil veces, la película dirigida por Kelly Fremon Craig rezuma frescura.
Queens of the Qing Dinasty es la historia de dos freaks que no quieren estar solos. Puede parecerse a otras películas que entran dentro de ese prejuicio bastante extendido (y bastante real) que suele catalogar a determinadas producciones como “películas de festival”, en oposición al cine comercial, y a las que se atribuyen características no siempre positivas. Raras, lentas, incomprensibles. Y por detrás, la sospecha terrible de que, en muchos realizadores, habita una vocación por generar estos adjetivos. Una necesidad insoportable de complejizar lo simple, lo accesible, incluso lo trivial.
No fue fácil este año. Menos salas, entradas agotadas desde el día en que se lanzaron a la venta, y un público enloquecido que va por todo. Lo último no es algo malo, porque lo mejor para un festival de cine es que las funciones revienten, pero, al mismo tiempo, habla de una desesperación por ser parte de todo a la que cuesta seguirle el ritmo. El mismo fenómeno que hizo que Coldplay agotara todos sus shows. Indescifrable. Pero bueno, acá estamos para hablar de películas, y lo mejor será evitar los desvíos, al menos cuando la situación no lo requiera. Ahora, ¿qué ocurre cuando es un director el que no puede evitar los desvíos?
The Continental, que viene a expandir el universo de John Wick, se ubica en una Nueva York de los años 70 para contar el origen de Winston, el gerente del famoso hotel, interpretado en las películas por Ian McShane. Quien lo encarna acá es Colin Woodell, un actor más canchero y por supuesto más joven, cuyo espíritu representa bastante el concepto sobre el cual se edifica esta miniserie. Si bien es cierto que la saga de John Wick está sobrada de estilo, desde sus influencias estéticas hasta sus impresionantes escenas de acción (un viaje a mitad de camino entre el cómic y el Heroic Bloodshed hongkonés), la presencia de Keanu Reeves supo otorgarle un componente humano que opera tanto en el fondo como en la superficie.
Existen por lo menos tres maneras de acercarse a Puan, la película dirigida en colaboración por Benjamín Naishat y María Alché. Una es la más obvia, que es la del retrato, a la vez que elogio, de una institución: la Facultad de Filosofía y Letras ubicada en la calle Puan. Un ejercicio capaz de interpelar, para bien y para mal, a docentes y estudiantes que puedan verse reflejados. La otra es como una película eminentemente política, atravesada por el presente complejo del país, con miras a sentar una posición e, incluso, esgrimir posibles soluciones (recordemos que Naishat viene de dirigir Rojo). La tercera opción para ingresar es abrazando la forma y el registro, porque Puan es, ante todo, una comedia, y una que funciona muy bien.
Es inevitable enfrentarse a Cazador de tormentas y no pensar en Twister, película de referencia sobre tornados, además de blockbuster de culto, dirigida en 1996 por Jan de Bont. El link es claro y consciente (en una escena en la que el protagonista busca a su padre en Google, aparece el nombre de Bill Paxton, uno de los héroes de Twister), y a partir de esa filiación, Cazador de tormentas intenta un entretenimiento conocido pero también, con las herramientas correctas, efectivo.
Inspirada en el libro homónimo de Andreas Malm, How to blow up a pipeline es una de esas películas cuyo título nos indica exactamente lo que vamos a ver. Como Serpientes en el avión o La pasión de Cristo. Dirigida por Daniel Goldhaber, quién también escribió el guión en coautoría con Jordan Sjol y Ariela Barrer, sigue los pasos de un grupo de jóvenes activistas que quieren volar un oleoducto en Texas. Con un tono a mitad de camino entre el thriller y el drama indie, la película nos vuelve testigos de, por un lado, la fabricación y colocación de las bombas en el desierto y, por el otro, del momento determinante en la vida que llevó a cada uno de los protagonistas a tomar la decisión de ser parte.
Con el mismísimo Gunn a cargo del futuro cinematográfico de DC, la era de Snyder y compañía llegó a su fin, pero no sin antes torturarnos con Flash, y también prometernos algo no muy distinto con la próxima Aquaman. En el medio, aparece Blue Beetle: una película de menor escala, con un personaje ignoto y un futuro a priori clausurado, pero que, curiosamente, trae un poco de aire fresco a una franquicia en estado de descomposición. O, quizás, sea la punta de lanza para lo que está por venir.
Run Rabbit Run es uno de los tantos casos en los que una premisa interesante (e inquietante) se queda en el intento. Con el protagónico de Sarah Snook, conocida principalmente por su participación en la serie Succession, cuenta la historia de una mujer, también llamada Sarah, que comienza a experimentar sucesos extraños en la relación con su hija Mia (Lily LaTorre).
La película nos va dejando pistas para armar el escenario completo. Sarah está divorciada y mantiene una relación tan amable como tensa con su ex.
Apenas pone en marcha su engranaje, El frío en los huesos empieza a acumular giros que conviene no adelantar. Algunos son impactantes y otros son absurdos, pero cumplen porque la película nunca abandona su ritmo frenético, llevándose por delante las muecas escépticas. Sin embargo, es posible percibir la presencia subterránea de otras obras.
El amor romántico dejó de ser un fin en sí mismo, para convertirse en un componente más (a veces incluso ausente) en los cuentos de crecimiento y superación de la compañía del ratón. Ante esto, Elementos surge como la convivencia feliz entre dos miradas que hoy parecían irreconciliables. Por un lado, el relato de empoderamiento, del mundo y del deber familiar, y por el otro, la historia de amor hecha y derecha, esa que es más grande que la vida y que las voluntades individuales.
Al principio de Los cinco diablos hay una tragedia, a la que asistimos brevemente y a la distancia, pero después viene un tono de fábula, que conecta con una de sus protagonistas: Vicky (Sally Dramé), una niña con el don de capturar olores. Es decir, la pequeña tiene un olfato extraordinario, pero además puede reproducir determinados aromas, que guarda en frascos rigurosamente etiquetados, como si fueran pociones. Es que esa práctica, que Vicky lleva a cabo de manera natural, autodidacta, tiene su rasgo de brujería. Y el maltrato que recibe por parte de otros niños, que la ven como un bicho raro, la dejan en un lugar marginal.
El siervo inútil, escrita y dirigida por Fernando Lacolla, es otra muestra de un cine cordobés ya instalado como polo cinematográfico. La historia es la de Luca (Federico Liss), un empleado inmobiliario con la tarea de buscar inversores para un proyecto en una zona socialmente complicada.
Se veía venir. La madre, producida y protagonizada por Jennifer López, nos anunciaba ya desde el póster lo que podíamos esperar: una de esas películas construidas alrededor de una estrella para probar su valía. Una excusa para mostrar versatilidad, matices dramáticos, compromiso con la actuación y, desde el tema, con el mundo actual. Al margen de su carrera musical y su vida empresarial, López es una actriz con más de 25 años en el rubro, aunque lo cierto es que le costó ser considerada por sus dotes interpretativas.
Un Bafici que se experimenta a la distancia, desde Mar del Plata, impide el roce social propio de cualquier festival. El ir y venir entre salas, el público, los detalles técnicos y de organización, que pueden elevar o malograr lo vivido. Lo que sucede, por otro lado, es que podemos concentrarnos en las películas sin ninguna excusa exterior. Establecer, por ejemplo, coordenadas entre una y otra. En el caso de las tres que nos ocupan, elegidas sin mayor pretensión que la disponibilidad y (para qué negarlo) la duración, hay un fondo que se repite: un tipo, una circunstancia extraordinaria que lo excede, y un final trágico, predecible y acaso inevitable. Bueno, en la tercera película eso es discutible, pero sería adelantarnos y ponernos a elucubrar teorías sobre las líneas temporales.
Después de esa obra maestra llamada Lego Batman, y de una aventura a media máquina como fue La guerra del mañana, Chris McKay dirige una nueva aproximación al mito de Drácula, pero centrada en su asistente, Renfield. Interpretado por Nicholas Hoult, el personaje se aleja de su origen literario (en la novela de Bram Stoker, Renfield era un paciente psiquiátrico) para afiliarse a la manera en que el cine lo retrató en ocasiones; un abogado de bienes raíces que, luego de su visita a Transilvania, queda preso del influjo de Drácula, convirtiéndose en su siervo.
Fin del Contenido
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