Autor: Mariano Bizzio

Hay, no obstante, un componente presente que puede hacernos pensar que la película rompe algunas reglas, ahora ya de carácter ideológico y no reglas estrictamente dramáticas, que son las llamadas reglas de agenda vigente. Para esas reglas no existe modo alguno en el que una mujer pueda ejercer alguna clase de mal o violencia sobre el cuerpo de un hombre. Y sin embargo BTB se permite esa licencia, a esta altura, sorprendente. Pero además lo hace abordando el periplo vital de Winehouse con sus matices. BTB no hace de la vida de AW una hagiógrafía, sino más bien lo contrario

Como si la historia se repitiera, y la autoconciencia replicara en otra saga una autoconciencia previa (pero sin el mismo nivel de cinismo), Kung Fu Panda, en su cuarta entrega, rememora lo sucedido con Shrek, también de Dreamworks, que comenzó con un grado altísimo de autoconciencia para ir decantando en una suerte de autoexplotación decadente. Ahora bien, ¿no puede ser un poco injusto poner a la saga Kung Fu Panda en la misma dirección? Si y no.

En este orden de cosas, el fracaso preanunciado de Madame Web se confirma plenamente con este artefacto imposible que no sirve, siquiera, para el disfrute camp como sucedía con Elektra, Daredevil, Gatúbela…o las versiones de telefilms de Spiderman, Iron Man, Capitán América y otros. No, aquí estamos ante la solemnidad pura y dura que podríamos demandarle a las versiones “serias” de Batman, pero sin el menor ápice de claridad narrativa de aquellas, más bien su inversión.

Pobres criaturas tiene algo de demagógico y tribunero desde la misma premisa: plantear una representación y relectura feminista del Frankenstein literario y de los varios Frankenstein cinematográficos (en particular a Frankenhooker, de Frank Hennenlotter, pero sin hacerse cargo, desde ya), solo que sin la menor pizca de liviandad (aunque comparativamente debe ser la película más “liviana” de toda su obra junto a La Favorita) y, mas bien por el contrario, una inagotable tendencia por cierta solemnidad entreverada ente los pliegues de un forzado humor negro (el corrector me había corregido dos veces «humo» y la verdad es que tenía toda la razón), siempre sazonado con la infaltable corrección política.

Debo decir que la última película de Taika Waititi me hacía temer lo peor. Había visto el trailer- mas bien condescendiente y cercano a las comedias ridículas de los 90s (aunque con algún punto de contacto con la subvalorada y también deportiva Jamaica Bajo cero, que creo que fue directamente estrenada en video en su época a mediados de los 90)- y el tono no me parecía particularmente waititiano y menos que menos me parecía adecuada la elección de Fassbender para un papel de comedia. Así las cosas, me permití equivocarme. Y me equivoqué fiero.

Cuando lo berreta gana terreno es cuando Robert Rodríguez se siente más cómodo. Entre la basura, entre los restos descompuestos de un cine “mayor”, RR se hace grandote. El problema es que no siempre encuentra esos materiales. Y a veces el forzamiento hace que aparezcan proyectos que no funcionan desde el costado trash ni desde un costado más “serio”. Esta suerte de director de la reescritura, acaso como su amigo Tarantino, cuando encuentra los elementos cinéticos y la superficialidad de las acciones antes que cualquier otra tentación psicologista (algo que afortunadamente nunca aparece en su cine, pero…)

En este caso, el director de Milagro muestra algunos puntos de contacto a la vez que diferencias con sus compañeros de “movimiento”. Si bien Bogdan George Apetri pertenece a otra generación, algo de los interrogantes del viejo nuevo cine rumano persiste, en este caso, que elige, como también supo hacerlo la variante más virada hacia los géneros de ese nutrido grupo de representantes, en este caso siendo el thriller policial el elegido para hacer avanzar la acción, además con un contrapunto de personajes y perfiles.

El mayor problema de Los indestructibles 4 no es la simple ausencia de mirada autoral que podía hacer de las primeras un material empático y una confesión en clave de Sly sobre su propia carrera. El problema mayor recae, acaso, en el intento despatarrado de hacer una película de acción de los 80s/90s, no una película sobre el cine de acción de esos años.

Confundimos con impericia e impunidad cualquier producto que provenga del círculo escandinavo. Suecia mezclada con Finlandia, Noruega con Dinamarca y así. Pero la confusión también es posible porque reconocemos que los cines nacionales de esos lares redundan, en muchas ocasiones, en tópicos comunes que ya hemos instalado en nuestro sistema de expectativas cinéfilo: aislamiento, relaciones humanas distantes, coexistencia en espacios comunes fríos y anónimos, pobreza de estado de bienestar y, finalmente, extrañamiento en medio de ese presunto estado de cuidado bajo la órbita de un estado presente.

Había una expectativa creada por los antecedentes: Julius Avery, el director de El exorcista del Papa no le teme al ridículo, por el contrario lo abraza. Lo que no podemos asegurar es que el plan, el procedimiento, sea siempre exitoso. Pero sí podemos decir que su cine está sujeto a saltos al vacío. Y en parte por eso también lo respetamos. ¿A qué viene todo esto?

Si nos pusiéramos un poquitín prejuiciosos pensando que Super Mario Bros – La película nos fuera a entregar algo parecido a la versión live action de Sonic, sencilamente nos estaríamos perdiendo el doble juego al que la película juega: codearse con los cuarentones mientras les habla a los de menos de 12. No, no hace nada nuevo, es cierto, pero lo que hace lo hace bien, sabe para quien baila y para quien no.

A la luz de la paradoja de los recursos del cine de escritorio es que nos encontramos frente a Desconectada, que juega sus cartas con la simulación del registro desktop y que, cuando se atiene al mismo, funciona con bastante precisión, básicamente porque nunca nos permite despegarnos del proceso de obtención de información que la protagonista va generando ante nuestros ojos. Al mismo tiempo esta característica le otorga una curiosidad adicional a lo que vemos: al mismo tiempo que la película nos impele a seguir los pasos de la mirada que va armando la narrativa somos nosotros los que también vamos armando el “caso” con los elementos dispuestos en escena.

Algunas películas tienen esa horrorosa y extraña cualidad de ser todo lo espantosas que siempre pensamos que podían ser, certificando todos y cada uno de nuestros prejuicios en un mil porciento. Son, a su manera, artefactos que se miran a sí mismos y a los que no hay que mirar demasiado, no vaya a ser que se abismen sobre nosotros y nos caguen el día (la semana ya es difícil, porque tenemos el beneficio divino del olvido). Sea como fuere, ahí estamos y vemos lo que confirma todos los horrores (porque a veces está bueno confirmar lo previsible tanto como ir contra toda previsibilidad). Aquí, en esa isla llamada Ruben Östlund, la misantropía dejó de importar hace buen rato. El tipo está en otra cosa, como si los humanos, el cine y las personas que creemos ver proyectadas hubieran dejado de importar hace rato.

A la usanza de muchos directores-productores, James Wan suele guardarse para si mismo las cartas fuertes y relativamente seguras de la obra que va construyendo mientras que relega en laderos/contratados formas un poco más convencionales o bien más experimentales, según el caso, para prueba y error. En este orden de cosas es en donde ingresa M3GAN, con sus ganas de romper moldes pero al mismo tiempo de repetirlos a rajatabla, como si la originalidad no existiera ni importara.

Luca Guadagnino entiende que en Hasta los huesos lo importante llega cuando hay un gesto visible (ya sea una acción desagradable como un momento bucólico). Curiosamente es un mal aprendizaje de Argento, que también era un director de escenas y climas. La diferencia es que la incapacidad narrativa de DA se compensaba con una imaginación desbordada para las escenas de crímenes como pocos casos hay en la historia del cine. En este caso, el pobre Luca hace un cine de escenas pensando que el peso está en ellas