Monster
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Monster

Después de ver algunas de sus películas, podría decir que el señor Koreeda es un maestro del sentimentalismo elegante. Su lenguaje no se compone de golpes bajos, maneja todos los elementos de la puesta en escena con sobriedad (y con maestría), sabe construir relatos y personajes, y llevar al espectador adonde él busca. Si el cine se midiera por la habilidad de una película para despertar sentimientos, su cine definitivamente estaría cargado de vitalidad. Cada quien sabrá qué es lo que busca en una película.

Yo Capitán
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Yo capitán

Uno de los aspectos más interesantes de Io capitano, la última película de Matteo Garrone que está nominada a los Oscars 2024, es que se entrega plenamente a sus personajes y sus historias, en una especie de clasicismo narrativo fuerte, y los acompaña de a pie durante todo su trayecto. Uno no puede menos que apretar un poco los dientes cuando se entera de que un director europeo decide filmar una película sobre un tema “polémico” y “urgente” como es en este caso el de los inmigrantes ilegales africanos que llegan cada día a Europa en busca de una mejor vida.

Días Perfectos
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Días perfectos

En la medida en la que Perfect Days se dedica más a disfrutar con lo que filma, y no tanto a denunciar los males de los otros, se vuelve disfrutable porque, en definitiva, el cine fue hecho para filmar la luz que baila en los árboles y, parece, para explorar la variada belleza arquitectónica de los baños públicos de Tokio. No es menos cierto que Perfect Days es disfrutable también porque es precisamente Koji Yakusho quien le pone piel, cuerpo, arrugas, miradas, angustias y humanidad a un personaje que bien podría haber sido un esquema de lección de vida y, gracias a su estar siempre un poco corrido, termina por insinuar con su personaje mucho más de lo que la película parece querer decir.

Anatomía De Una Caída
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Anatomía de una caída

La última ganadora del Festival de Cannes es una película semántica: un thriller en el que lo que se juega constantemente es el concepto de interpretación. Tal vez suene un poco seco dicho así, pero uno de los mayores aciertos de Anatomie d’une chute es la medida en la que logra que los engranajes de su mecanismo milimétrico fluyan con una naturalidad tan grande que, por momentos, logra que lo que es esencialmente “una de juicio” se parezca a un melodrama familiar de tono naturalista, sin soltar nunca las riendas de la tensión.

38Mardelplataff – Diario De Festival: Mimang, Youth, La Chimera
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38MarDelPlataFF – Diario de festival: Mimang, Youth, La chimera

Parte de la belleza de Mimang, la primera película de Taeyang Kim que formó parte de la Competencia Internacional de Mar del Plata, radica en sus diálogos precisos, en sus personajes deshilvanados con los que nos cruzamos de paso y que no terminamos de entender, en la distancia con la que muestra esos vínculos abiertos (¿abortados? ¿posibles?). La referencia a las Antes de… de Linklater no es casual pero puede resultar engañosa, primero porque en Mimang el paso del tiempo y los reencuentros (tal vez) amorosos están compactados dentro de una misma película, pero sobre todo porque ahí donde Linklater jugaba el juego de unos diálogos barrocos a los que el cuerpo de sus actores les prestaban naturalidad, Mimang es mucho más seca.

38Mardelplataff – Diario De Festival: Night Walk, El Auge Del Humano 3, Partió De Mi Un Barco Llevándome, The Georgian Chronicle Of The 19Th Century
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38MarDelPlataFF – Diario de festival: Night walk, El auge del humano 3, Partió de mi un barco llevándome, The Georgian Chronicle of the 19th Century

Hay algo fácil, casi diría tentador, en la idea de dejarse atrapar por una premisa tan fuerte como la que propone Night Walk, el (apenas) largometraje coreano que formó parte de la competencia Estados Alterados en este último festival de Mar del Plata. La sinopsis prometía poesía y un paseo nocturno por Seúl: ambos aspectos son, en rigor, ciertos, pero lo que le falta a la película es, en cambio, todo el encanto que podría sostener una propuesta que se juega exclusivamente por su propuesta. Compuesta por planos fijos, largos, nocturnos de un espacio que podría ser Seúl como también podría ser cualquier otro lado, plenos de arbolitos y arroyos, Night Walk juega al juego del extrañamiento

Una Bella Mañana
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Una bella mañana

Pero así como el lado luminoso de Un beau matin nos transporta y enamora, en la misma medida ese lirismo se sostiene en la película por todo lo que esta tiene de feo. Después de todo, el título mismo de la película (“una bella mañana”), con todo lo que parece prometer de paradisíaco, es en realidad el título de la autobiografía que el padre de la protagonista deseaba escribir (y que, por los pocos datos que se nos proporcionan de su vida, estuvo lejos del idilio) y que ahora, presa de una enfermedad neurológica degenerativa, ya no podrá escribir nunca.

As Bestas
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As Bestas

Una de las cosas más interesantes de As bestas es que se juega a todo por todo y no deja nada sin decir. Las bestias del título, más allá de la abundancia de animales que se pasean por los paisajes hermosos de Galicia, vendrían a ser los gallegos brutos que viven en ranchos miserables perdidos en la montaña. La historia arranca empezada y la iremos reconstruyendo de a poco, pero casi no hace falta: lo importante es que un francés (profesor, se nos dice; viajado, se nos dice) se mudó hace unos años al medio del monte gallego para cultivar tomates orgánicos y dedicarse a restaurar viejas casas abandonadas del pueblo: sin fines de lucro, desinteresadamente, para que la gente vuelva a mudarse al pueblo, para restaurar un paraíso natural. Y a los del pueblo les cae mal.

Cielo Rojo
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Cielo Rojo

El arte de Christian Petzold (siempre preciso) se alimenta de la inestabilidad: una tensión constante, una trama flotante, algo que apenas se deja entrever. En las películas de Petzold siempre está ocurriendo algo más de lo que parece indicarnos su superficie, la cual, por otro lado, suele inmiscuirse en relatos de una cierta cotidianeidad más o menos burguesa, más o menos banal.

So Long, My Son
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So Long, My Son

Sería difícil describir lo que lloré y lo hermosa y profundamente mal que la pasé mientras miraba So Long, My Son. Sé que desde mi (relativamente) reciente paternidad soy blanco fácil para cualquier historia que involucre el vínculo padres/hijos, pero también resultaba evidente en la función en la que vi la película (la sala más grande del complejo, repleta) que sobre todos sobrevolaba una angustia silenciosa y ajustada, que se confirmó definitivamente en el final con una resonancia prolongada de narices y pañuelos mojados con lágrimas de tristeza/felicidad/nudo-en-la-garganta-imposible-de-disolver.

Rimini
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Rimini

No sé cuál sea el problema del Sr. Seidl. Al parecer, le molesta que existan el invierno, la vejez (ocasionalmente, la muerte) y lo grasa, y sin embargo esos son los materiales que elige para construir su película Rimini, en la que un cantante venido a menos, gordo y fracasado, se dedica a cantar canciones románticas viejas (suenan a hits italianos mersa traducidos al alemán, no lo sé) y a voltearse a señoras viejas a cambio de algunos euros.

Decisión De Partir
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Decisión de partir

De la camada de directores que marcaron el surgimiento del nuevo cine coreano (o, por lo menos, los que llegaron a festivales y al público occidental), Park Chan-wook siempre fue el más barroco de todos. Por lejos. Allá por los inicios del nuevo siglo, a más de uno se nos voló la cabeza y la pantalla con Sympathy for Mr. Vengance y Oldboy, películas excesivas, virtuosas, enchastrosas, medio inentendibles, violentas, inexplicables. Park no solo venía a aportar algo nuevo, sino que además lo hacía sin ningún tipo de justificativo o verosímil más que la potencia de sus imágenes y de su montaje. El cine de Park Chan-wook existe en y para el cine.

Bafici 2023 – Diario De Festival : Mithya, To Stage The Music – Heiner Goebbels, Demigod: The Legend Begins
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Bafici 2023 – Diario de festival : Mithya, To Stage the Music – Heiner Goebbels, Demigod: The Legend Begins

Empieza otro BAFICI y en un nuevo año me vuelvo a preguntar una vez más cuál es la “independencia” que el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente supuestamente levanta como bandera. ¿Tenemos que entender que este festival únicamente programa películas “independientes”? Más allá de lo difícil que sería definir eso hoy en día con precisión, no deja de ser cierto por otro lado que el BAFICI ha sabido programar, y a mucha honra, grandes tanques y superproducciones faraónicas, además de éxitos de taquilla, con la simple condición de que no fueran producidos en aquello que alguna vez llamamos Hollywood.

Tres Hermanos
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Tres hermanos

Tres hermanos comienza con la cacería de un jabalí en la montaña. Antes que los personajes, vemos su violencia en plano secuencia: con la ayuda de un par de perros, atrapan al animal, lo sostienen de a varios, le clavan un cuchillo hasta que el animal se desangra, cae y lo liquidan. No queda claro bien quiénes son estos cazadores ni por qué cazan: ¿es su trabajo, su pasatiempo, una forma de buscar alimento, una terapia? ¿Esa violencia es simple crueldad o es señal de un contexto salvaje?

Time To Love
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Time to love

Es difícil acercarse a una película como Time to love, cuando se nos aparece, gracias a los azares bondadosos de la digitalización y la restauración, caída como un milagro, fuera de todo contexto, frente a alguien que (al menos, en mi caso) cuenta con muy escasas referencias del cine turco y absolutamente ninguna noción de su historia. Uno puede, casi irremediablemente, googlear, pero los datos no son conocimiento y sería más bien pobre reproducir información como si uno supiera de qué está hablando.

El Rostro De La Medusa
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El rostro de la medusa

Hay algo que me resultó profundamente simpático en esta película y tiene que ver con las libertades que se toma para narrar, con las ganas con las que juega con el medio que está explorando: El rostro de la medusa más que narrar, reflexiona. El punto de partida es un absurdo hermoso, que incluso se muestra una vez ya arrancada la historia: un día Marina se levanta y descubre que le cambió la cara.

Decision To Leave
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Decision to leave

De la camada de directores que marcaron el surgimiento del nuevo cine coreano (o, por lo menos, los que llegaron a festivales y al público occidental), Park Chan-wook siempre fue el más barroco de todos. Por lejos. Allá por los inicios del nuevo siglo, a más de uno se nos voló la cabeza y la pantalla con Sympathy for Mr. Vengance y Oldboy, películas excesivas, virtuosas, enchastrosas, medio inentendibles, violentas, inexplicables. Park no solo venía a aportar algo nuevo, sino que además lo hacía sin ningún tipo de justificativo o verosímil más que la potencia de sus imágenes y de su montaje. El cine de Park Chan-wook existe en y para el cine.

Abrázame Fuerte
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Abrázame fuerte

Mathieu Amalric es un director de la fragilidad. Heredero francés de Cassavetes (actor devenido director, director enamorado de sus personajes), los paralelismos van más allá de las descripciones generales. Así como Tournee podía leerse como una reversión de The Killing of a Chinese Bookie, su nueva película, Abrázame fuerte podría pensarse como una versión de A Woman under the Influence. Pero ahí donde el cine de Cassavetes se entregaba a corazón abierto y cámara entera a sus personajes, el cine de Amalric, al menos desde La habitación azul, propone un juego diferente.

#37Mardelplataff – Diario De Festival: Fogo Fatuo, Pacifiction, Notas Para Una Película
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#37MarDelPlataFF – Diario de festival: Fogo fatuo, Pacifiction, Notas para una película

Cada tanto pasa (pero no siempre pasa) que un festival de cine nos permite reencontrarnos con esos nombres que uno en su mente trata como a viejos amigos y que son, en realidad, los grandes directores de cine que hacen que todavía el cine sea un mundo lleno de posibilidades por explorar. En general, sin embargo, estos directores filman muy cada tanto (excepto el gran Hong) y las circunstancias infinitas que enhebran cada una de sus producciones, que suelen incluir capitales y productores a cuál más peregrino e inverosímil, así que es muy cada tanto que uno encuentra una nueva película suya e, incluso cuando ocurre el evento, puede pasar también que la nueva película del gran director no esté en realidad tan buena. Hasta los grandes son humanos y el cine es un arte muy complejo.

El Tiempo Perdido
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El tiempo perdido

Es tan mínimo lo que pretende captar El tiempo perdido que podría parecer fácil. También podría parecer imposible de lograr: filmar la lectura es un gesto casi ridículo. Hay algo evanescente, escurridizo. Filmar la lectura: filmar lectura en voz alta. No es lo mismo, pero se le parece lo suficiente. A través del registro documental de los encuentros de un grupo de lectura que se reúne a lo largo de años en un café de Tribunales para leer exclusivamente (una y otra vez) En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust, El tiempo perdido termina por registrar algo mucho más íntimo y más maravilloso que el simple acto ritual de una lectura compartida

#37Mardelplataff – Diario De Festival: Tres Hermanos, El Rostro De La Medusa, As Bestas
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#37MarDelPlataFF – Diario de festival: Tres hermanos, El rostro de la medusa, As bestas

Los dioses del festival quisieron que las tres primeras películas que vi en esta nueva edición del Festival de Mar del Plata fueran todas habladas en español o en dialectos del español (chileno, francés, gallego, porteño… tal vez algún otro) y todas incluyeran diferentes animales, abundantes, centrales para la trama de sentido, algunos más exóticos que otros. Por supuesto, la coincidencia probablemente no quiera decir nada, pero del azar aparecen también sentidos, así que vamos a ver qué surge de un texto que junta estas tres películas.

Amenaza Explosiva
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Amenaza explosiva

La fórmula es tan sencilla que puede resumirse en una frase corta: hay una bomba abajo del asiento de tu auto. El resto, lo que viene antes (poco), lo que viene después (prácticamente toda la película) no es más que una variación sobre esta idea central que marca a fuego cada segundo. Una película como Amenaza explosiva es, básicamente, un ejercicio de estilo. Quien empieza a verla probablemente ya conociera la premisa de antes y, si no, se va a enterar rápido

Emergencia En El Aire
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Emergencia en el aire

Emergencia en el aire no está mal, pero tampoco es tan singular o siquiera tan entretenida como para justificar tamaño viaje. Siempre celebraremos que se estrenen películas de diferentes orígenes en las salas, incluso cuando se trata de un tanque periférico, pero al terminar de ver Emergencia en el aire no podía evitar la amarga sensación (tal vez errónea, desde ya) de que este tanque se esforzó demasiado por ser tanque, por llegar a un público internacional, por cubrir bases, apelar a sentimientos universales y tener un lustre que hizo que algo quedara en el camino.

Irma Vep

Irma Vep

En más de un momento (bastante más que unos cuantos, perdí la cuenta), los personajes de Irma Vep se dedican a intentar dilucidar qué sería exactamente la Irma Vep que están filmando (dentro de la ficción): una serie, la remake de un serial, la remake de una vieja película del director ficcional (paralelo explícito de Olivier Assayas), una película de ocho horas dividida en partes, contenido para plataformas, arte, cine, una pajereada del director que no logra olvidar a su ex esposa hongkonesa, una sesión de exorcismo, el vehículo barato y prestigiador para una campaña de perfumes.

El Fulgor
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El fulgor

Que la imagen cinematográfica puede valer más por su forma que por lo que registra es una idea prácticamente tan vieja como el cine mismo, hasta en los rumbos de lo que podríamos llamar cine documental, incluso si la idea de un documental formalista pueda resultar paradójica en algún punto. Pero, se sabe, ninguna idea es nueva y la originalidad pasa por otro lado.

Eami
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EAMI

Ni siquiera se trata de una cuestión de corrección política, de apropiación cultural o de que Eami cumpla con todos los puntos que un festival de cine europeo podría exigirle a una película paraguaya: hay algo en la operación que no me cierra. Suena muy lindo decir cosas como que Paz Encina “no trabaja con didactismos”, que “no hay explicaciones”, que la narración de esta película no sigue patrones culturales blanco/occidentales y que Eami busca retratar la cosmovisión de los ayoreo

Deception
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Deception

No recuerdo haber visto todas las películas de Arnaud Desplechin (de hecho, seguro que no las vi todas) pero de ese aire de familiaridad rancio que solemos llamar autorismo, Deception es la que resulta más compacta. Se trata, por supuesto, del efecto de la novela de Philip Roth sobre la que se basa: los temas son ligeramente diferentes (tampoco tanto), pero sobre todo lo que cambia es la forma: la novela se articulaba sobre las conversaciones entre Philip y su amante. Desplechin se apega al mecanismo: sus escenas son conversaciones entre Philip y, fundamentalmente, su amante, pero también otras mujeres.

Ascension
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Ascension

Está todo bien con Ascension, un documental cargado de belleza cinematográfica y un punto de vista fuerte. Documental de observación riguroso, construido a fuerza de encuadres precisos y un montaje que sabe darle ritmo a los hallazgos de la cámara. Supongo que al público no cinéfilo podría resultarle aburrido (pero, por otro lado, ¿desde cuándo el público no cinéfilo mira documentales?), aunque dicen que estuvo nominado a los Oscar 2022, pero para los que frecuentan un cine que se arriesga a no ser lineal, Ascension es un festín de todo lo que está bien y no me sorprendería que haya hecho un recorrido más que digno por festivales.

El Joven Ahmed
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El joven ahmed

Hay un misterio en el corazón de la última película de los hermanos Dardenne, y ese misterio es precisamente el joven Ahmed. La fe, de manera más o menos explícita, no es un tema ajeno a su cine, pero esta vez lo que encontramos es fanatismo: un giro dogmático y violento que El joven Ahmed presenta pero no explica ni describe.

Fin del Contenido

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