Rodrigo Martín Seijas

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Venganza implacable

Mientras miraba Venganza implacable, en varios pasajes no podía evitar recordar a películas de Clint Eastwood como La mula, Gran Torino, Crimen verdadero y especialmente Deuda de sangre. Particularmente el último film, un policial con unas cuantas vueltas de tuerca, un trasfondo romántico en el argumento y donde conceptos como la vejez y el retiro están siempre sobrevolando. Incluso el título original, Honest thief -mucho más apropiado que la infame traducción que le pusieron acá- evoca un clasicismo reposado, casi nostálgico.

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Duro de cuidar 2

La primera entrega de Duro de cuidar había sido una agradable sorpresa: una película de acción despreocupada y volcada decididamente a la comedia, que explotaba muy bien la química entre Ryan Reynolds y Samuel L. Jackson, más el aporte de Salma Hayek. Patrick Hughes, que se había mostrado muy atado por el concepto en la tercera parte de Los indestructibles, se permitía allí dejarse llevar por la propuesta, combinando moldes de forma previsible y a la vez efectiva. Cine de fórmula, aunque en el buen sentido, Duro de cuidar mostraba que sabía cómo narrar y, lo más importante, cómo narrarlo.

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Justicia Implacable

Esa, la pregunta del título de esta nota, sobrevuela de manera constante mientras se mira Justicia implacable, horrible título con el que se estrenará en Latinoamérica Wrath of man (algo así como La ira del hombre) a nuestro país. Es que Guy Ritchie es de esos realizadores con una voluntad casi inquebrantable por dejar su huella estética en cada plano, además de desplegar toda clase de juegos narrativos, con idas y vueltas temporales muchas veces antojadizas. Todo esto lo lleva a transitar un desfiladero muy estrecho entre la simpatía y la canchereada vacía, con películas más que atractivas (Snatch, cerdos y diamantes, El agente de C.I.P.O.L., Rey Arturo: la leyenda de la espada), y algunas definitivamente irritantes (RocknRolla, Los caballeros). Pero Justicia implacable parece, mayormente para bien, lo opuesto a su estilo habitual.

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No respires 2

La voluntad de humanizar a los malvados ya estaba muy presente en precuelas como Hannibal, el origen del mal, Cruella, Maléfica y Guasón, con resultados cuando menos desparejos. Pero en No respires 2 hay una ligera novedad, ya que no se busca tanto la explicación de la maldad en los orígenes, sino un marco de redención a través de la continuación del recorrido moral para el antagonista de la primera parte. Sin embargo, el objetivo se muestra demasiado complejo para un villano que en la entrega previa se había mostrado tan temible como repudiable. 

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Un lugar en silencio: Parte II

Dentro de esa maquinaria de gigantescas repeticiones en el que suele convertirse en el sistema de franquicias hollywoodenses, el caso de Un lugar en silencio 2 no deja de ser llamativo. Estamos ante una segunda parte que, más que secuela, es una continuación que expande y potencia un mundo, en el que conviven el retrato general con la focalización en conflictos particulares. Y que encima sobresale positivamente en ambos frentes, a partir de su inteligencia y economía de recursos

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Loki

Tras Avengers: Endgame y la salida de héroes como el Capitán América y Iron Man, Marvel está entrando en otra etapa y buscando nuevos conflictos, nuevos héroes. Y claro, también nuevos villanos. Obviamente que ese proceso ya había comenzado con Spider-Man: lejos de casa (que cerró oficialmente la Fase 3), WandaVision y Falcon y el Soldado del Invierno, que ya habían dado pistas sobre cómo lo temporal e interdimensional iban a ser factores claves. Pero es con Loki que el Universo Cinemático termina de plantear fuertemente las conflictividades que se vienen, además de un nuevo villano que pueda rivalizar con lo que fue Thanos. Sin embargo, ese recorrido de seis episodios pagó bastantes costos en el camino.

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The Mighty Ducks: Game changers

La corriente nostálgica que viene creciendo en los últimos años tiene algunos componentes negativos -cierta pereza narrativa y facilismos estéticos para quedar bien con el público de ocasión-, pero también algunos indudablemente positivos, a partir de cómo se recuperan estructuras genéricas y se revalorizan obras antes subestimadas. En el caso del género deportivo, quizás el precursor haya sido -una vez más- Sylvester Stallone en el 2006 con la notable Rocky Balboa, una película que casi nadie pedía, aunque todos necesitábamos. A esta le siguió la estupenda Cobra Kai, que nos hizo darnos cuenta de que había mucho más para contar en el mundo de Karate Kid. Y ahora Disney Plus nos trae The Mighty Ducks: Game changers, que busca revitalizar y actualizar Los campeones, aquella saga un tanto olvidada de los noventa

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El protector

Es fácil abordar a El protector como un vehículo más para el estrellato de Liam Neeson y su posicionamiento como héroe de acción maduro, que viene desde hace más de una década, a partir del inesperado éxito que fue Búsqueda implacable. Y no estaría mal, porque Neeson viene construyendo no solo una mera acumulación de films, sino incluso un recorrido casi autoral, con personajes marcados por el profesionalismo, pero también por personalidades torturadas y contradictorias. Pero quizás el nombre más relevante para analizar en este thriller sea el de Robert Lorenz, co-guionista y director, quien acá entrega apenas su segunda película como realizador en algo más de una década.

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Sospecha mortal

Aunque cada vez más escasos (y en general cada vez menos populares), en Hollywood continúan apareciendo thrillers policiales donde los límites entre la ley y el delito son sumamente difusos y confusos. No es una producción sistémica, sino más bien espasmódica, como si se quisiera mantener vigentes estructuras narrativas clásicas, para no así expresarse a través de relecturas o reversiones, como la que promete la próxima versión de Batman. Sospecha mortal es una nueva muestra de este posicionamiento, que se sostiene en buena medida a partir de lo que aporta Joel Kinnaman en el protagónico.

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Canela

Con todos sus desniveles, la vertiente documental del cine argentino es probablemente la más productiva e interesante, acaso porque ha aprendido a despegarse de ciertas taras que el cine de ficción todavía conserva. En este orden de desprendimientos de los lugares comunes, de las limitaciones y de las formas anquilosadas, el estreno de Canela, nuevo film de Cecilia del Valle, es una buena muestra de las posibilidades liberadoras del documental.

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Falcon y el Soldado del Invierno

Mirando el Universo Cinemático de Marvel en su conjunto y haciendo foco en Steve Rogers/Capitán América, se puede apreciar que los dilemas que siempre aquejaron al líder de los Vengadores estuvieron vinculados a la cuestión del deber que traían no solo sus poderes, sino también su liderazgo. No se trataba del deber en el sentido de “tengo que realizar determinada labor”, sino de sus implicancias éticas y morales, los costos de cada decisión y cómo hacerse cargo en la medida de lo posible.

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Bafici 2021 – Diario de festival: BAFICITO

Como ya viene ocurriendo desde hace varios años, mi paso por el BAFICI fue breve, escueto, directamente un paseíto. Previsible y lógicamente, fue por el BAFICITO, la sección dedicada a los más chicos. Y aunque me faltaron ver unas cuantas películas -como el foco dedicado a Makoto Shinkai-, pude ver unas cuantas obras interesantes, que confirmaron que la sección tiene un piso sólido, aun con los problemas en la selección que pudo traer un evento como la pandemia del coronavirus.

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Godzilla vs. Kong

El Monsterverse diseñado por Legendary y Warner Bros. entregó cuatro películas, armó toda una mitología, llegó a una supuesta clausura y casi no nos dimos cuenta. Godzilla vs. Kong es el cierre de una franquicia que nunca llegó a importar realmente, por más que haya acumulado criaturas, personajes y diversas vías narrativas interrelacionadas. Y a pesar de algunas virtudes o hallazgos aislados, esta película no consigue remontar el lastre dejado por las anteriores. Hay iconicidad, guiños a los fanáticos tanto de Godzilla como de King Kong, pero nunca un relato con verdadera alma y sentido vital de la aventura.

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Psycho Goreman

El tono paródico es constante en la película, pero esa parodia no es un mero conjunto de citas u homenajes a exponentes del terror, la ciencia ficción o la comedia de los 80s que gira en torno a una docena de títulos que es ocioso mencionar. La parodia que construye Psycho Goreman está en función de reformular relatos previos, retorcerlos y procurar crear algo nuevo. De hecho, ese villano, con su historia poblada de alianzas, traiciones, enemigos mortales y matanzas de todo tipo acciona como una puerta a un mundo ficcional que podría ser infinito. Un mundo que podría relacionarse con los de Star Wars, He-Man y Calabozos y dragones -por nombrar solo algunos referentes-, pero que es capaz de diferenciarse a partir de su esencia sanguinolenta y una moralidad carente de pureza, donde todos a su manera son malos, incluso aunque se crean buenos.

Cobra Kai Season 3

Cobra Kai – Tercera Temporada

La tercera temporada de Cobra Kai se enfrentaba a un desafío ciertamente importante: delinear una trama que estuviera a la altura de las variadas -y siempre altas- expectativas abiertas a partir del desenlace de la temporada previa. Vale recordar que había tenido lugar una masiva pelea en la escuela entre los alumnos de los dojos Cobra Kai y Miyagi, con consecuencias de todo tipo: Miguel herido y en coma; Robby huyendo luego de haberlo lastimado; Kreese arrebatándole el dojo a Johnny; y Daniel viendo que ocurría exactamente lo contrario a lo que buscaba. Y estamos hablando solo de las repercusiones principales.

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Boss Level

Luego del fracaso de Brigada A, Joe Carnahan encadenó un par de films donde mostró ostensibles grados de libertad creativa: si El líder era un drama íntimo disfrazado de abismal aventura grupal, Stretch era una comedia de acción desatada, tan urbana como romántica. En Boss level se percibe el mismo nivel de soltura, aunque su estructura narrativa le termine jugando un poco en contra, como si Carnahan terminara preso no del sistema, sino un poco de sí mismo y sus ideas.

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Estación zombie 2: Península

Hay que reconocerle a Sang-ho Yeon que, luego del éxito (tanto artístico como comercial) de Invasión zombie, para la continuación no apeló a una operación cómoda, de mera repetición. En cambio, Estación zombie 2: Península no es una secuela sino un spinoff, que enhebra una historia propia, sin vínculos palpables con el film original. Pero también es casi una declaración de principios, una exhibición de las intenciones de crear un universo propio, que ya estaban insinuadas en la precuela animada Estación Zombie: Seúl. Sin embargo, esa apuesta de expansión está lejos de funcionar apropiadamente.

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Mar del Plata 2020 – Diario de festival : Panorama de Cortos

En los últimos años, los principales festivales de cine de la Argentina, el de Mar del Plata y el BAFICI, que antes ocupaban un lugar relevante dentro de mi agenda anual, pasaron a tener un sitio de mínima secundario. En parte porque otras cuestiones laborales se han ido imponiendo, pero también porque el clima festivalero me resulta cada vez más atosigante. La pandemia-cuarentena-confinamiento-distanciamiento me ha permitido vivirlo con otra distancia, aunque he vuelto a repetir un recurso ya habitual en mi derrotero: dedicarme a ver pocos largos (casi siempre nacionales), las competencias de cortos y Mar de Chicos. Lo primero me sirve para anticiparme a futuros estrenos o compensar lo no visto previamente; lo segundo es una forma de hacer foco en competencias que no son tan seguidas pero que pueden tener sus hallazgos; y lo tercero me permite dedicarme a un género y un público que son un tanto subestimados dentro del circuito festivalero.

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Bob Esponja: al rescate

Se podrá decir -con bastante razón- que esta nueva película de Bob Esponja es la menos imaginativa y delirante de las tres estrenadas hasta el momento. También que eso se debe en buena medida al peso significativo de las lecciones de vida que se dan en el film, particularmente en sus minutos finales, donde hay un fuerte tono didáctico, hasta casi aleccionador. E incluso que la narración se ve afectada por flashbacks puntuales destinados a allanar el camino para la serie precuela Kamp Koral. Pero hay algo que en Bob Esponja: al rescate permanece intacto, y es el carisma de sus personajes, que genera en casi cualquier espectador una empatía inmediata.

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Dossier #ContraLaCorrecciónPolítica (V)

En los últimos años, Hollywood empezó a descubrir que la mujer no tenía lugar dentro del cine de acción, que todos los héroes eran hombres, que la masculinidad era la que marcaba la pauta, que su corporalidad era esencialmente machista. Lo femenino, según esta perspectiva, había sufrido décadas de injusticia, de borramiento, de exclusión, sin voz ni protagonismo. Ese género, con su nauseabundo olor a bolas, necesitaba empezar a incluir la mirada de la mujer, a hacerla parte, para así reflejar los cambios de una época donde la feminidad está (supuestamente) pisando más fuerte.

Hubie Halloween

El Halloween de Hubie

Al final, parece que la asociación con Netflix le terminó haciendo bien a Adam Sandler. Si sus dos primeras películas para el servicio de streaming (The Ridiculous 6 y The do-over) continuaban el rumbo errático que venía arrastrando en los últimos años, ya la interesante pero fallida Sandy Wexler insinuaba algo distinto, una búsqueda de tonalidades más libres y arriesgadas. Eso empezó a profundizarse con La peor semana -un film que maneja un nivel de incomodidad solo comparable con el humor de Larry David- y el especial Adam Sandler: 100% fresh. Y a pesar del bache que significó Misterio a bordo -una producción bastante a reglamento, que no termina de explotar a fondo una premisa interesante-, comienza a verse una consolidación con Hubie Halloween, que en buena medida es un retorno al Sandler de los noventa y principios del nuevo milenio, ese que se la pasaba entregando personajes tan deformes como adorables.

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Ava

En Ava se combinan dos problemas graves encarnados en apenas dos figuras: Jessica Chastain y Tate Taylor. La actriz quiere posicionarse como heroína de acción pero nunca es creíble en ese rol; el director, al igual que con La chica del tren, no termina de entender las reglas del género que le toca y por ende se muestra incapaz de construir un verosímil sólido. Los resultados para la película son fatales.

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Hater

Hay algo que hermana a Hater con el propio recorrido de su protagonista y no es solo el seguimiento casi obsesivo de él. Es que al principio vemos a Tomasz tratando de hallar su lugar en el mundo luego de ser expulsado de la universidad por haber cometido plagio, procurando encontrar una identidad propia y a la vez usando varias de ellas en las redes sociales y la dark web. Pero, progresivamente, a medida que Tomasz va encontrando un propósito y un plan que lo defina, vamos viendo que los giros, amagues y eventuales decisiones de la película formaron parte de un programa mucho más calculado. Fríamente calculado.

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Bala perdida

Lo de Bala perdida está lejos de ser perfecto, incluso podría decirse que es esquemático: un relato de persecución, escape y carrera contra el tiempo con gente imperfecta pero honesta de un lado, y seres inescrupulosos del otro, sin grandes novedades narrativas o estéticas. Pero hay consciencia de esto y honestidad en la película, un conocimiento preciso de lo que hay que contar y un despliegue de personajes coherentes en sus conductas, tanto las buenas como las malas. La puesta en escena de Guillaume Pierret no pretende ir más allá de la premisa y tampoco la subestima, la aborda con cariño y dedicación, con sangre, sudor y todo el combustible a disposición.

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Festival de la Canción de Eurovisión: la historia de Fire Saga

Se podría pensar a Festival de la Canción de Eurovisión: la historia de Fire Saga como la película más accesible para el público en general del cine de Will Ferrell hasta la fecha. Más aún si tenemos en cuenta que se estrena directamente por Netflix, con toda su capacidad para llegar a un abanico amplio de audiencias. Pero también se lo puede ver como un film que funciona como un compendio de todo el cine de Ferrell, una síntesis de sus ideas no solo humorísticas sino también éticas.

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#GimmeShelter: cine, series, libros y otras cosas para sobrevivir (XII)

Mi cuarentena es re linda: estoy en lo de mi madre, de 68 años y con mi abuela materna, de 94 años y con un Alzheimer que desde que arrancó todo esto ha progresado de manera exponencial. El problema no es ser la única persona que puede salir con plena autorización para hacer trámites, compras y un largo etcétera. Es tener que lidiar (junto con mi madre, que convengamos es que la que se lleva la peor parte) con una persona que dejó de ser ella misma hace un rato largo y que, dependiendo del momento, puede ser varias a la vez. Mi abuela tiene momentos donde se parece al pececito Dory de Buscando a Nemo, con su amnesia de corto plazo; otros donde me recuerda al suegro de Billy Cristal en Olvídate de París, repitiendo frases un tanto incoherentes de manera constante; y, finalmente, esos momentos donde es una mezcla del Pennywise de IT y el Robert Mitchum de La noche del cazador. Los últimos son particularmente siniestros y yo a veces me siento en una película de terror, o en un capítulo de La dimensión desconocida. Por suerte tengo momentos más agradables o por lo menos más divertidos, como una mañana en la que se despertó y pretendió usar mi cepillo de dientes como peine, y yo agradecido de que no haya pensado usarlo como papel higiénico.

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Si supieras

En cuanto me pongo a pensar en Si supieras, no puedo evitar pensar también (de manera totalmente antojadiza, lo admito) en Los viajes de Sullivan, aquella obra maestra de Preston Sturges. Aquel clásico un poco escondido de 1941 se centraba en un director de cine especializado en comedias que salía a buscar ese componente oscuro y terrible que le permitiera hacer un drama, para terminar descubriendo que el público lo que necesitaba era la risa. Sutilmente, con una gran sensibilidad, Sturges nos decía que los supuestos sobre los que construimos nuestras perspectivas pueden chocar de manera inesperada con una realidad heterogénea y compleja.

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Homeland – Temporada final

El cierre de Homeland fue parecido al de Boardwalk Empire: ambas series tuvieron sus años de moda y casi total centralidad pero llegaron al final de sus recorridos cuando habían pasado a ocupar lugares secundarios dentro del panorama televisivo. Ojo, nada de eso significa que no se sienta como un final de época con todas las letras: al fin y al cabo, la serie supo explotar un enigma inicial de manera estupenda, pero cuando ese conflicto encontró su punto de agotamiento, tuvo la audacia e inteligencia para reubicarse en otros ejes. Desde ahí, progresivamente, se fue transformando en un drama de procedimiento donde lo relacional y lo geopolítico tuvieron roles inusualmente relevantes.

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Misión de rescate

Chris Hemsworth es un poco como Jason Statham: ambos vienen desde hace rato buscando esa película de acción que esté a la altura de sus respectivos talentos, aunque han entregado lo mejor cuando pusieron su cuerpo al servicio de la comedia. En el caso de Hemsworth, ya mostró que puede ser un gran superhéroe con su interpretación de Thor, un personaje ciertamente trágico, cuyo camino dramático es traficado en una parodia cómica de la locura. Así las cosas todavía no encuentra ese film de acción que lo defina por sí mismo… aunque Misión de rescate quizás trace algunas líneas para un posible rumbo. Tyler Rake, ese mercenario melancólico, sin rumbo y marcado por la pérdida que protagoniza Misión de rescate, está delineado claramente para que en una potencial eventualidad esté a la altura de encabezar una franquicia. Pero, en el fondo, quizás se parezca más a William James, el protagonista de Vivir al límite, un tipo incapaz de crear vínculos más allá de lo circunstancial.

The Way Back

The way back

Lo cierto es que The way back queda bastante lejos de lo esperado, incluso aunque no sea una mala película. Es cierto que había algunos peligros latentes en esta historia centrada en Jack Cunningham (Affleck), quien supo ser una gran promesa del basquet pero cuya actualidad lo encuentra sumido en el alcoholismo como única forma para lidiar con las pérdidas y fracasos que arrastra, hasta que encuentra una chance de redención cuando le proponen dirigir al equipo de la escuela donde se formó. Sin embargo, también es innegable que el terreno de lo deportivo, con sus competencias apasionantes, sus evoluciones individuales y grupales, además de sus instancias de todo o nada, suelen funcionar como vehículos perfectos para las evoluciones de esos personajes que parecen hundidos en el barro.

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