Raúl Ortiz Mory

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El Perro Que No Calla

El perro que no calla

El perro que no calla se sostiene sobre la premisa reflexiva de explorar la trascendencia del ser humano desde una perspectiva en que la libertad lo es todo y nada, a la vez. Libertad para elegir dónde y cómo vivir, dónde trabajar, con quién estar y compartir. Sin embargo, aquello que puede parecer el abordaje de “temas serios” y poco triviales se convierte en un artefacto de situaciones impredecibles provisto de fino humor negro. Nada novedoso en el horizonte, cierto; aunque es placentero distinguir que un tema de raíces próximas a la filosofía se reinventa a partir de la forma que ensaya Ana Katz, directora y coguionista de la película.

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Más dura será la caída

Ese momento en que se termina de ver una película y se siente como un disfrute de emociones donde todo encaja: nada sobra, nada falta. ¿Obra maestra? Con lo fácil que es ahora catalogar así a cualquier película que rema en el sentido -o se hace a la medida- de las corrientes reivindicativas. No, no se trata de eso. Tiene que ver con calzar a la medida de lo que se puede y quiere ofrecer, dándolo todo y asumiendo riesgos. Eso es The Harder They Fall.

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Adelantos de libros: Juegos de Guerra. Centros y periferias del cine bélico (II)

Southern Comfort, (Walter Hill, 1981) es una película dominada por elementos bélicos que va mutando hacia el suspenso y que en su tramo final se apoya en contadas características del cine de terror. Hill, un especialista en films de acción, plantea la historia de un grupo de soldados de la Guardia Nacional de los Estados Unidos (esa fuerza de reserva integrada por voluntarios que pueden realizar funciones de apoyo a la población en caso de desastres naturales o de refuerzo para el ejército estadounidense en conflictos internacionales y que Trump llamó para militarizar la frontera con México) que cumplen labores de reconocimiento en los pantanos bayou de Luisiana, territorio donde proliferan asentamientos cajunes.

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Chernobil: La película

Las miradas parciales. Las construcciones que buscan la defensa del sinsentido. El traje mal confeccionado que se descose ante el intento de acercarse a la realidad. Podrían ser muchas las frases para catalogar a Chernóbil: La película, última versión fílmica de origen ruso sobre la desgracia nuclear acaecida a mediados de los ochenta en la desmembrada Unión Soviética. Dirigida y protagonizada por Danila Kozlovski, Chernóbil: La película aborda la catástrofe desde una perspectiva inocua. Temerosa de incomodar, cae en profundos vacíos de credibilidad dramática y argumentativa que, sinceramente, llegan a exasperar.

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Respect

¿Acaso aquel artefacto sin alma, parido el año pasado bajo el nombre de Stardust, le hizo justicia a David Bowie, el rockstar más vanguardista de la industria musical? ¿O Bohemian Rhapsody hiló fino al retratar la excéntrica personalidad de Freddy Mercury sin que pareciera un fantoche sobreactuado (y oscarizado)? ¿Fue el olvidable biopic interpretado por Zoe Saldaña una manera fiel de construir la compleja figura de Nina Simone? 

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Cicatrices

Desde sus enfoques narrativo y temático Cicatrices es descarnada y se sacude de artificios que evitan el desarrollo de una parábola lastimera. La película está construida desde una desnudez narrativa que deja todo el peso en su personaje estelar. La perspectiva de Ana y las escenas más conmovedoras que protagoniza no están respaldadas por música -recurso efectivo y recurrente para este tipo de dramas- que profundice en el acompañamiento de su estado psicológico. Es decir, no hay incidencia sonora a nivel emocional en el espectador. 

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El padre

The Father es una película que plantea lo complicado y doloroso que puede ser el tránsito por la vejez cuando la degradación de las capacidades mentales se agudizan en una especie de espiral en caída libre. A la vez, simplificar el sentido de la ópera prima de Florian Zeller a esa premisa sería reduccionista, mezquino y superficial.

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La estrella roja

Laila Salama fue una espía al servicio de la inteligencia británica a mediados del siglo XX. Ayudó a capturar a criminales nazis afincados en América Latina, entre ellos a Adolf Eichmann, uno de los más importantes autores del Holocausto. Su misteriosa vida la hizo cambiar de nombre, abandonar a su familia y morir casi en el anonimato. Un tango compuesto en honor a ella y una serie de documentos desperdigados que daban cuenta de sus actividades es lo único que la sobrevivieron. 

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The World to Come

The World to Come es un ejercicio de apetitos contenidos en medio de un mundo rural, áspero y monótono, pero, a la vez, encierra un universo estilístico delicado, una suerte de belleza salvaje donde la tensión va creciendo hasta el punto en que el retorno a la calma es imposible. Todo avanza lenta y destructivamente, sobre todo, para los personajes masculinos.

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Three Identical Strangers

Puede sonar muy miserable, inhumano, ilógico y hasta hitleriano tener que separar, en nombre de la ciencia, a tres individuos que deberían crecer juntos o, al menos, saber que existen entre sí. Sin embargo, este relato, más aproximado a una pieza de terror protagonizada por un moderno y descafeinado Joseph Mengele, llega a Netflix en forma de documental a través de Three Identical Strangers, trabajo de Tim Wardle y que desde su estreno, en 2018, ha cosechado buenos comentarios.

Shooting

#DossierMonteHellman: Los westerns. The shooting/Ride in the whirlwind/China 9, Liberty 37

Respecto a la cuestión geográfica, un ser y estar tan inherente al propio género, tan fordiano en el sentido de la narrativa visual, es que Monte Hellman centra las tres películas que filmó: dos western (The Shooting y Ride in the Whirlwind, ambos de 1966) y un spaghetti western (China 9, Liberty 37, 1978). Hellman, conocedor de la efectividad y del sentido de la trascendencia que otorgan los desplazamientos físicos, une sus tres piezas cinematográficas por un eje que a la posteridad sería una señal de su propuesta artística en general: la transformación psicológica y moral de los personajes a través de la ruta. Esta misma lógica alcanzó su punto más alto en otra cinta que, curiosamente, no pertenece al western: Two-Lane Blacktop (1971).

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The Father

The Father es una película que plantea lo complicado y doloroso que puede ser el tránsito por la vejez cuando la degradación de las capacidades mentales se agudizan en una especie de espiral en caída libre. A la vez, simplificar el sentido de la ópera prima de Florian Zeller a esa premisa sería reduccionista, mezquino y superficial.

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#PostBafici 2021 – (UPA!): Una pandemia argentina

(UPA!): Una pandemia argentina narra las vivencias de una productora (Tamae Garateguy), un director (Santiago Giralt) y una actriz (Camila Toker) que están a punto de pegar el salto hacia el mundo hollywoodense y son frenados en seco por la crisis sanitaria que desata el Covid-19. El quiebre de la oportunidad para abrirse campo en un espacio grande, iluminado por estrellas de primera línea, hace que los tres protagonistas caigan en desesperados intentos por seguir agarrados al sueño de la Meca fílmica. Ese tránsito los pone en evidencia con todas sus miserias morales, éticas y materiales.

El Agente Topo

El agente topo

Maite Alberdi dice que sus películas no están pensadas ni ejecutadas desde un punto de vista político. Alberdi miente. No sé si lo hace deliberadamente o sincera su posición basándose en el privilegio que otorga el registro documental. Alberdi prefiere rechazar el sentido político que encierran sus trabajos para apuntar, y, obvio, justificar sus obras, alineándose hacia espacios más amables y menos controvertidos. Sus declaraciones se desbordan por el lado de una falsa modestia que fluctúa entre el sentimentalismo y la instantánea de la exploración social.

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Minari

El sueño americano -entendido como el nuevo comienzo que se aferra a la negación de una vida pasada donde los individuos disfrutaron y sufrieron, pero que buscan o anhelan un cambio urgente en sus destinos- basa su mitología en la abundancia de una tierra donde el acceso a los espacios geográficos establece un principio de justicia en el que prima la igualdad de oportunidades. Sin embargo, la oportunidad, per se, no es un factor mágico que transforma el derrotero de quienes eligen conformar una sociedad mejor. El esfuerzo individual, como característica propulsora, es la esencia de la nueva vida, sin importar el destino -rural o urbano- y la procedencia de los aventureros.

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El guante dorado

El guante dorado se ambienta a inicios de los años 70s y narra la tragedia de Fritz Honka, un hombre de apariencia inofensiva, aunque de una fealdad notoria por sus deformaciones en el rostro. A Honka, también conocido por ser uno de los clientes habituales de un bar de Hamburgo -que lleva el nombre de la película- donde se concentraban alcohólicos sin familia, esquizofrénicos inofensivos y prostitutas ancianas, bebía unas cuantas copas y buscaba compañía sexual que satisfaga sus instintos más primitivos. La historia de Honka no pasaría de ser la de un marginal si no fuese porque la policía germana halló en su apartamento cadáveres cercenados de varias personas.

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In Fabric

In Fabric es la última película de Strickland, aquella del vestido rojo y maldito, que vuelve a las raíces del giallo para demostrar que el género nunca se fue…en todo caso apenas sufrió un desplazamiento, quedando a merced de mutaciones del terror clásico. Todo puede parecer una locura, pero Strickland lo hace tan creíble, incluso en su condición hiperbólica, que en ningún momento cae en la ridiculez. El humor agudo, las referencias al individualismo moderno y las interrelaciones humanas que se limitan al instante, dejan de lado cualquier mirada exclusiva sobre la prenda endiablada.

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La viuda

La viuda, que puede tener momentos inesperados que la empujan hacia los terrenos de la serie B o el telefilme ochentero americano, también, en menor medida, muestra un lado de sadismo estilizado que a trompadas avanza sin reparar en los defectos de sus personajes secundarios o subtramas de poca solidez. A pesar de las impericias que cada cierto rato salen a flote, Greta es una belleza menor que revaloriza el thriller, un género olvidado y degradado desde hace más de dos décadas.

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Polar

Abuso. Exceso. Desborde. Cualquiera de estos calificativos, que en otro contexto serían bienvenidos, enfatizan el principal y más notorio problema de Polar, la película que Netflix encargó a Jonas Åkerlund y donde Mads Mikkelsen más parece un invitado de otra fiesta que el eje articulador de una trama potente que conforme pasan los minutos se convierte en una pieza risible y hostigante.

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Greta

Greta, que puede tener momentos inesperados que la empujan hacia los terrenos de la serie B o el telefilme ochentero americano, también, en menor medida, muestra un lado de sadismo estilizado que a trompadas avanza sin reparar en los defectos de sus personajes secundarios o subtramas de poca solidez. A pesar de las impericias que cada cierto rato salen a flote, Greta es una belleza menor que revaloriza el thriller, un género olvidado y degradado desde hace más de dos décadas.

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Hellboy

El trabajo de Marshall se acerca a lo que pocos cineastas quisieran: el ruido apremiante y la mirada rocambolesca de Michael Bay y sus Transformers, por citar un ejemplo de trastorno cinematográfico. En lugar de que Marshall aproveche el conflicto del protagonista, afinando el pulso para dotarlo de perversidad o confusión, y explore una historia de múltiples dimensiones, termina convirtiéndolos -personaje e historia- en artificios planos, a partir de innumerables situaciones donde hasta los robots de Bay encajarían mucho mejor sin que nos cause estupor.

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The Spy Who Fell to Earth

una de las fortalezas de The Spy Who Fell to Earth es el pluralismo de opiniones, un abanico de juicios que el director hilvana de manera discreta, cuidando que el espectador no se pierda en el entramado de fechas y acontecimientos. Es por ese motivo queThe Spy Who Fell to Earth no pretende ser aleccionador, mucho menos se enmarca en un terreno de cuadrícula didáctica.

The Man Who Killed Hitler And Then The Bigfoot Perro Blanco Port

The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot

La premisa de The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot puede sonar disparatada, ridícula e inverosímil. Sin embargo, el primer largometraje de Robert D. Krzykowski va más allá de ser una pieza que quiera enganchar por su título y su argumento. The Man Who Killed…es un rótulo largo que explica gran parte de lo que pasa en la película -por ello no existe remordimiento al enumerar algunos hechos en los primeros párrafos-, sin embargo, nada de lo que asoma en evidencia es consecuente a la intención de la película.

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Creed II: Defendiendo el legado

Creed II: defendiendo el legado (2019) sigue la estela de la séptima entrega, Creed (2015)y vuelva a poner a Stallone en medio de la trama como elemento de observación de una realidad boxística muy distinta y distante de la que vivió cuarenta años antes. En la última película, dirigida por Steven Caple Jr., se evidencia casi entrada la segunda década del nuevo milenio que, al boxeo, como esencia deportiva, le queda poca alma -algo que también pasa en la vida real

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The Miseducation of Cameron Post

En primera instancia, TMOCP es una película que pone el foco sobre el cuestionamiento de la identidad sexual al interior de una sociedad regida por normas que en teoría forman mejores ciudadanos, sin afectar las libertades de los semejantes. La mirada inicial de este planteamiento podría parecer bastante cándida si revisamos la película en un sentido reivindicador. Esa dimensión moral candorosa se acaba cuando el cuestionamiento social desdobla la mirada general hacia las subtramas potenciadas por el elemento religioso.

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Galveston

Galveston, la película, es sórdida y hermosa; tanto como el libro, aunque aprovecha otras características que redescubren una lectura más sintética y potente comparada con la obra original. No obstante, sigue siendo hermosa. Básicamente, gracias a la exploración espiritual y psicológica de sus dos personajes centrales. Roy (Ben Foster) y Raquel (Elle Fanning) vagabundean por un universo donde todo se pone en contra de ellos: la familia, la salud, los amigos, el sexo, el trabajo; aunque, al final, todo parece una broma si se compara al estado de soledad que los consume.

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#DossierTerrorPP (6): Terror japonés clásico e influencias en el J-Horror

La puesta en escena del cine de terror japonés de los 60 se distinguió porque algunos componentes como el decorado, la fotografía, la música y el montaje transmitían una aparente calma que no era perturbada por elementos sorpresivos que radicalizaran el planteamiento a nivel narrativo o argumental. Es decir, el drama mutando hacia el terror de forma pausada, sin golpes de efecto apresurados o desbordantes. La sensación de realidad que tiene este cine potencia la cercanía e implica una relación solidaria con un espectador

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La esposa

Psicólogos y especialistas en terapias de pareja señalan que las relaciones afectivas en la tercera edad podrían guardar un halo de renacimiento para aquellos que buscan seguridad emocional o un distendido transcurrir durante la última parte de sus vidas. En los primeros minutos de La esposa todo parece ir de acuerdo con los manuales de psicoanálisis de los nuevos discípulos de Freud y Jung: una pareja de ancianos comparte, entusiasmada, una gran noticia al punto que los hace saltar en la cama como niños.

La Casa Junto Al Mar

La casa junto al mar

Guédiguian dibuja retratos de personajes desencantados que ven cómo el mundo cambia rápidamente ante sus ojos sin chance para influir hasta en temas cotidianos, cuando en otra época ellos eran los agentes del cambio, los luchadores que abrieron la puerta a las nuevas voces. El director critica, sutilmente y con humor, los efectos de la sociedad de consumo en la generación que vio germinar las revueltas estudiantiles de 1968. Además remarca, a partir de hitos puntuales, el proceso de deslegitimación que ha borrado del panorama actual a este grupo de veteranos. Sin embargo, el realizador no fuerza una postura política para que La casa junto al mar parezca un panfleto donde la queja y la denuncia funcionen como un resentimiento accesorio.

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The Crescent

The Crescent no es una película de horror en el sentido formal del término. Sigue la tendencia de las buenas propuestas que en los últimos años se han desmarcado de lo explícito y evidente para turnar varios géneros en una sola pieza. Por más que la primera mitad del filme abusa de una exploración psicoespiritual que redunda en aspectos afectivos, no cae en la fórmula complaciente de las películas que asaltan las carteleras.

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