Delay político de al menos una década o más. Es una constante del cine concienciado de Hollywood y sus satélites globales. Con denuncias así no podemos contar para grandes cambios sociales y culturales, cuando la ocasión lo amerita. A tal paso, la meca hará un filme sobre el populismo de Trump en diez años. De repente, Donald vuelve primero a la Casa Blanca.
La tragedia de un boliche como el de la masacre del Cromañón. Collective es el título de un documental rumano doblemente nominado al Oscar en la categoría de no ficción y en la casilla de película internacional. Narra el dramático caso del incendio de una discoteca y del pésimo manejo de la contingencia, a cargo del sector público.El partido de gobierno sufre dimisiones a consecuencia del suceso, cayendo derrotado en las elecciones inmediatas como producto del voto castigo.
Un grupo de periodistas hace seguimiento del hecho, para destapar las cloacas de la corrupción del estado.
Por ende, el filme se comunica con nosotros a pesar de las obvias diferencias de contexto.
Nomadland puede ser tranquilamente una road movie de Win Wenders de los ochenta, una Paris Texas con Frances McDormand, una Alicia en las Ciudades de la América vacía de los no lugares, referida por los sociólogos franceses Jean Baudrillard y Marc Augé. El relato es el mismo con la diferencias correspondientes de la agenda femenina contemporánea, visualizando el devenir de los sin techo de la pesadilla económica.
De las cincuenta películas que vi en Bafici, ninguna como la excéntrica Jesus Shows You the Way to the Highway, híbrido de una parodia de película de espías, de una secuela de Matrix con efectos deliberadamente anacrónicos y berretas, de un thriller conspirativo en stop motion con realidad virtual e inclusión de escenas pornográficas, seguidas por los tortazos de un Batman trucho en una cinta explotation de artes marciales.
Percibí una línea editorial, medio oficialista, en el último Mar de Plata, con películas y documentales del gusto del partido gobernante. Por el contrario, mi primera entrega del Diario del BAFICI se concentrará en tres filmes disonantes y de abierta respuesta ante el relato K. Así le respondo a la distancia a las viudas del marxismo cultural, entre Buenos Aires y Caracas. Descubro un filón crítico refrendado por la aguda curaduría del equipo comandado por Javier Porta Fouz.
En Judas and The Black Mesiah se conjugan las paradojas del nuevo cine de la cancelación.
Antropológicamente es un filme válido en su investigación histórica de campo, pero lastrado por una concepción binaria, donde el hombre blanco se encapsula en una imagen de corruptor del viejo esclavo dócil de la cabaña del Tío Tom. Existen las polarizaciones entre razas y las luchas intestinas dentro de la propia cultura afroamericana, cuya división estricta se esboza desde el título.
El Cecil Hotel tiene vida propia y un documental, en plan Errol Morris, disecciona su historia de encanto y horror, en una serie de cuatro capítulos sobre el argumento, muy cinematográfico, de la desaparición de una dama asiática, para mayor orgullo de los herederos del lenguaje de Mélies con sus trucos y fantasías góticas del estatismo evaporado.
One Night in Miami… se inscribe, de hecho, en varias corrientes genéricas aludidas por Federico Karstulovich en su Podcast dedicado al tema: el revisionismo multicultural de un formato(en este caso del drama coral de cámara), la proyección global a través de una plataforma grandota y hegemónica(Amazon Prime), y la capitalización del mercado de cintas de un presupuesto medio, impulsadas por las condiciones económicas de la adversidad del confinamiento.
Nomadland puede ser tranquilamente una road movie de Win Wenders de los ochenta, una Paris Texas con Frances McDormand, una Alicia en las Ciudades de la América vacía de los no lugares, referida por los sociólogos franceses Jean Baudrillard y Marc Augé. El relato es el mismo con la diferencias correspondientes de la agenda femenina contemporánea, visualizando el devenir de los sin techo de la pesadilla económica.
Entre el humo del cigarrillo y el olor a tapas de un clásico bar popular, surge uno de los filmes manifiesto de la década, El año del descubrimiento, donde se contrastan dialécticamente los hechos del quinto centenario de la llegada de Colón a América, la inauguración de las Olimpiadas de Barcelona, la celebración de la Expo Universal de Sevilla y el evento silenciado, por la media, de las protestas en Cartagena, producto de la reconversión industrial.
Hemos tenido que sufrir para terminar de ver Cielo de Medianoche, una suerte de melodrama sci fi de Netflix, al borde de un precipicio de citas y autoplagios mal digeridos, cual potaje de La Cosa, 2001 -con inclusiones progres de mujeres empoderadas y minorías-, soledades oníricas de Solaris, ciencia ficción costumbrista y condescendiente de autoayuda que conecta con Gravedad, misiones imposibles con defectos especiales en el Polo Norte y más de la pornografía sentimental de la distopía americana, tras un apocalipsis culposo y pseudobíblico. Una delicia de influencias.
De Red Post on Escher Street valoré reencontrarme con un cine lúdico y libre, en las antípodas de las rigidices conceptuales del programa solemne de toda la competencia, plagada de una oferta dispar en su melodramatismo altermundista e hiperrealista, pasando de una distante tercera persona a un egocentrismo de voz de dios, cuyos exponentes se toman demasiado en serio su lugar enunciativo de falsa modestia y humildad.
Por su nombre, los Festivales deberían ser una celebración de la diversidad. Pero Mar del Plata, a pesar de su buenismo efusivo, replica la sensación de “familiaridad” que se percibe en casi todos los certámenes del continente, por defecto. Ojo que lo digo como una autocrítica, no me siento al margen de lo planteado hasta aquí.
Si exceptuamos los créditos iniciales, el performance del villano y la calidad del diseño de producción, Unhinghed desemboca en una ruta predecible y funcional a los intereses de los programadores de chucherías progresistas.En tal sentido, la película abandona cualquier desvío secreto o imprevisto, para comprar el ticket del clásico viaje de la heroína accidental de nuestros días. El espectador solo espera por ver consumado el final donde la mujer termine de castigar y de darle la cucharada de su propia medicina al Michael Myers del escenario de asedio frenético.
Este dossier, como podrán comprobar e irán comprobando, está plagado de notas pesimistas sobre aquello que nos depara la corrección política. No obstante, frente a semejante panorama, también me interesó pensar qué posibilidades de resistencia, qué antídotos puede ofrecer el cine presente. Por eso, si la corrección política es veneno para la libertad, bienvenido sea el antídoto que nos permita recuperar el pensamiento y la sensibilidad de la inteligencia y el sentido del humor. Desde este punto me interesa pensar qué cosa tiene para decir cierto cine afroamericano contra los lugares comunes desatados en los últimos tiempos del black lives matter (pero incluso un poco antes también). Un antídoto contra la corrección política del último cine afroamericano, puede encontrarse en el humor negro de Rapera a los 40, un filme que desde el afiche y el título original busca deslastrase de ciertos estereotipos que pueblan al subgénero del blaxpoitation progresista.
A lo largo de los últimos tiempos hemos ido constatando, con cierta naturalidad, que comenzaron a multiplicarse las películas contra las redes sociales. Hace algunos días, Sergio Monsalve escribía indignado las siguientes palabras en el muro de una de sus redes a modo de descarga parcial a partir del estreno en Netflix de El dilema de las redes sociales. Como sus palabras resonaban en torno a otros documentales que trabajaban con problemas similares le propusimos a Sergio desarrollar su idea. Lo que sigue es el resultado lúcido, libre y apasionado de un pensamiento crítico contra los lugares comunes.
Tras el desenlace de Watchmen, HBO siguió explotando el filón con la propuesta de Lovecraft Country, bajo la supervisión creativa de Jordan Pelle y J.J. Abrahams. La fusión de ambas marcas registradas, con vocación autoral, generó una serie prototípica del momento actual en el mainstream de Norteamérica, ceñido al patrón del nuevo Oscar, la publicidad del Black Lives en la NBA y el clásico espíritu militante de un Spike Lee, dividido entre el pacifismo de Martin Luther King y el belicismo de guerrilla de Las Panteras Negras. En el medio de todo, el fantástico quiere colarse a la fiesta de Lovecraft Country para buscarse legitimidad cultural como traductor de las luchas contra la segregación y la mentalidad confederada de los estados del sur. Poniendo el tema en el contexto electoral, el populismo chic de la serie gratifica a los votantes progresistas del partido demócrata, en abierta oposición a los defensores de Trump.
Cuties puede ser la última víctima de una guerra civil digital denunciada por los especialistas y expertos en redes sociales. Lectores impacientes y fáciles de manipular exigen su cancelación, sin haberla visto. Portales amarillistas avivan el fuego de la censura, con fines estrictamente políticos, en el marco de las próximas elecciones norteamericanas. Desconfíe usted de todo y busque formarse una opinión propia en un tema tan delicado, sujeto a la adulteración y el alarmismo sensacionalista. Antes de estrenarse el filme, grupos radicales incitaron su condena desde plataformas opacas como “Hazte Oír”, una de las múltiples cuentas instigadoras del odio contra la cinta, a propósito de su publicidad y de su afiche.
Una mujer de la provincia sale del baño recurrentemente, en un flash retórico. Le vemos ensangrentada al final de un pasillo. La imagen pertenece a la galería de filtros del cine de terror. La fotografía, el ritmo y la actuación imprimen una caracterización melodramática, con pretensiones de denuncia. Solo falta el voicer over de Lanata para semejar el set de una acción recreada del programa PPT. Así empieza la morbosa y fallida Crímenes de Familia, distribuida por Netflix, donde Argentina es la nueva víctima de los bajísimos estándares de producción de la plataforma de streaming, para su mercado de LATAM.
7500 traiciona todas las opciones anteriores, al describir precisamente la progresiva pérdida de control de un piloto, de una cabina, de un espacio audiovisual que no solo figura el miedo de occidente con el asunto islámico, sino que retrata el destino de nuestra vida encapsulada, a merced de un ataque viral violento, como el de unos reclutas musulmanes adiestrados para secuestrar, matar y estrellar el avión en el que transcurre la historia.
Ha tomado por sorpresa, a propios y extraños, el hondo calado humano de Mucho Mucho Amor, un filme que escapa del traje cosido a la medida del estilo internacional, para abrir nuevas capas de sentido en la comprensión de un personaje prototípico de la historia espiritual del continente.
Una modesta entrevista guía la puesta en escena. Las directoras conversan con la protagonista en la cotidianidad casera. El encuadre siempre registra el primer plano y la voz de la protagonista. Eventualmente, la fotografía comparte el contraplano de las reacciones de las interlocutoras. Pero la base del contenido se construye con un testimonio grabado en video. La austeridad de recursos y materiales de archivo armonizan con el legado minimalista del personaje, Chavela Vargas, la indómita cantante que logra ascender en el mundo musical de México, en un país esencialmente machista, hipócrita y puritano.
Desde la productora “Fábula”, los hermanos Larraín conducen el equipo de producción de Nadie sabe que estoy aquí, film coronado en Tribeca, distribuido por Netflix. Protagoniza el gigante de buen corazón, Jorge García, una presencia mítica de la televisión fantástica, gracias a su papel en Lost. El actor interpreta uno de los sugerentes metamensajes con los que carga la película, a saber, el de un arquetípico artista separado de la sociedad, por voluntad propia tras sufrir un trauma juvenil.
Pero volvamos a Lee y a 5 sangres. Encuentro aquí a un Spike Lee vital y a la vez, crepuscular. Un director que desea contar la guerra de Vietnam, a su manera revisionista y crítica. Si me preguntan, nada diferente a los procedimientos que asumieron sus colegas como Clint Eastwood, Stanley Kubrick, Brian De Palma, Oliver Stone y Francis Coppola al momento de reconstruir el infierno bélico.En esta caso el cineasta aporta su lectura racial del síndrome de Vietnam y del cine del rearme moral, tras la derrota en suelo asiático, replanteando esquemas y fórmulas, desde el lugar expositivo de los veteranos negros. Un punto de partida interesante en la evolución de la tendencia audiovisual. El planteo es válido, legítimo y coherente con la óptica del autor. Pero la principal falla del filme radica en su doble complacencia, primero con el canon de alargar la narrativa innecesariamente para cumplir con la cuota de enganche de Netflix, y segundo con el inevitable maniqueísmo del director, al conformarse con entonar un réquiem marxista por las banderas de sus padres de la revolución de los derechos civiles, de cara a los fantasmas de la era Trump.
La odisea del protagonista de Ya no estoy Aquí es acaso la de la mutación de las estéticas del arte audiovisual azteca en el siglo XXI, pasando de las asimilaciones mainstream de los tres amigos(Iñárritu, Cuarón y Del Toro), a las expresiones descarnadas del realismo poético y abstracto de los aliados de Carlos Reygadas(Amat Escalante y Michel Franco). De hecho, el filme engloba la estilización de la miseria en Amores Perros y Roma, así como el despojamiento de la observación documental perfilado quirúrgicamente por Después de Lucía y Heli, con todo y sus estallidos inesperados de violencia.
Ya no estoy aquí debe incluirse en el top de los estrenos de Netflix en el 2020. De manera sobria expone un dilema de la subcultura popular, evitando los atajos fáciles de la moralina, la demagogia y la corrección política.
El tiempo los haría íconos de MTV en la globalización de la estética pop, estelarizando algunos de los videos más emblemáticos de la señal, como (You Gotta )Fight four your right (to party), Sure Shot y Sabotage, siendo los últimos dos dirigidos por el aliado creativo del ensamble, un tal Spike Jonze, cuya colaboración se extiende hasta el día de hoy, cuando sale a la luz la película testamentaria del trío dadaísta. Beastie Boys Story debe ser leída también en clave de tributo a la partida física de Adam Yauch, una suerte de Lennon rapero con una genialidad realmente inclasificable por la cantidad de identidades que adoptó, como MC, compositor, militante y director de cine transfigurado en la imagen de Nathanial Hörnblowér, una parodia de un realizador de Suiza.
One Child Nation avizoró el impacto tóxico de la propaganda China en el tercer milenio, entre otras prácticas siniestras del partido comunista del gigante asiático. El documental narra en primera persona, como la profética Los rubios de Albertina Carri, el relato familiar de la directora al momento de concebir a su hija, trayendo de vuelta los fantasmas y demonios que la rodearon cuando creció en un país que condenaba judicialmente la procreación libre. Desde el seno de la revolución cultural, el estado decretó el nacimiento de un solo infante por cada matrimonio establecido, de modo de garantizar el supuesto balance institucional y la administración de recursos. Al cabo de los años, la quimera planteada terminó en el escándalo y el bochorno de reconocer su fracaso, al cambiarla de un tajo, de la noche a la mañana, sin pedir disculpas y menos indemnizar a las víctimas del modelo.
La cuarentena es un hotel Overlook para muchos. Los días transcurren como un absurdo día de la marmota donde das vueltas en círculos como Danny Torrance o los felinos enjaulados de Tiger King, una popular serie de las jornadas del confinamiento, amén de traducir los relatos salvajes de una especie decadente tras la rejas. En mi caso fue útil para pensar las derivas extranjeras, como si las películas me hubieran llevado a los territorios en donde el encierro se vive de forma distinta. Me pregunto si tendremos la misma suerte. Prometo extender la inquietud en una próxima entrega, dedicada a cómo se lleva el trance del Covid 19 en el infierno de Venezuela. Aprovecharé el pretexto del cine, como es costumbre, para narrar una peste nacional que se propaga con la fuerza del coronavirus.
Jennifer Kent se hizo popular por Babadook, una película imperfecta y con algunos memes argumentales que lograban enderezarse por su inventiva estética, inspirada en el gótico de los anticuentos de hadas de Tim Burton. Acaso para dar un vuelco a su carrera, la directora filma The Nightingale. Y lo hace con un realismo historicista que desplaza y deja en segundo plano la condescendencia con el arte hipster de su largometraje previo. El cambio de registro brinda, de nuevo, un planteo seductor en una lectura primaria, pero igual de lastrado por una escritura de un melodrama pretencioso de la corrección política, como si el Steve McQueen de 12 años de esclavitud hubiese poseído a la realizadora para rodar un telefilme binario contra la colonización de Australia. Asimismo el tema no es necesariamente el mismo problema del largometraje sádico y semipornográfico de aquel. El problema es que en el fondo tampoco està tan lejos.
La historia vuelve, como un bucle maldito, para cobrarse nuevas víctimas en la pantalla. La novela de Henry James, Otra vuelta de tuerca, ha sido objeto de innumerables adaptaciones en series, películas y cuentos de la cripta. Dicen que Alejandro Amenábar se inspiró en ella para filmar su pretenciosa y sobrevalorada cinta de espectros con Nicole Kidman, Los Otros, acaso un antecedente de lo que se insiste en vender con la etiqueta mentirosa de terror elevado. Un tropo que Perro Blanco ha mordido y despedazado en notas que recomendamos revisar. El tráiler de la reciente versión de Floria Sigimondi, del relato en cuestión, generó adhesiones instantáneas en la comunidad de Twitter. El ritmo del avance, unido al diseño de producción de la autora, fue un buen augurio para el inicio de temporada en el mundo efímero del pánico anglo. Sin embargo, la crítica respondió con tibieza e indiferencia ante el estreno del filme, seguramente porque el Oscar dejó a todos con la mirada fatigada y la paciencia al límite de cero, incluyéndome en el lote, por supuesto.
Fin del Contenido
Fin del Contenido