Tomás Carretto

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Normal People

Hay en esta miniserie cierta similitud con la inolvidable “Un amour de jeunesse” (Un amor de juventud, 2011) la película francesa de Mia Hansen Love. Y es que Normal People sería algo así como la versión británica de aquella. Con su estilo poético, su estética celosa y su visión de mundo luminosa y melancólica. Connell y Marianne (los amantes de Sligo) podrían ser los Camille y Sullivan (la pareja inolvidable de UADJ) irlandeses. Como decía la propia Daisy Edgar Jones tomamos historias como Blue Valentine (2010) de Derek Cianfrance (otro film inolvidable) para inspirarnos a la hora de interpretarlas. Para mas, esa concentración absoluta de la ficción en prácticamente la pareja protagónica refuerza el efecto y nos deja como espectadores levitando en una suerte de autogoce: El einfühlung, dicen los alemanes que tienen la maestría de nominar cada cosa. Gustavo Noriega dice que Connell y Marianne son las mejores personas del mundo y tiene razón. Y eso en el medio de esta pandemia calamitosa vale más. Mucho más.

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Adiós a Anna Karina

“Modelo. Su modo de ser interior. Único, inimitable”. Decía Bresson en sus Notas sobre el cinematógrafo (1975). Quizás Anna Karina represente como nadie el espíritu de aquel aforismo bressoniano. Porque Karina no actuaba, era más (mucho mas) que eso, era verdaderamente un icono en pantalla. Un icono humano si cabe la expresión. Un icono pansexual como quizás ninguna otra salvo Marlene Dietrich. Al punto de ser admirada tanto por hombres como por también por mujeres que se identificaban con su rebeldía juvenil y sus maneras tan peculiares que siguen suscitando admiración aún al día de hoy). Creadora de un estilo y un dialecto propio. Único, inimitable. Un manifiesto político (en pantalla) de como el cine es imagen viva. Godard encontró en ella a su musa perfecta y al amor de su vida. Condensarla en un rostro es totalmente injusto y un lugar común.

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#DossierGray – Introducción

Entre los cineastas de su generación James Gray se diferencia claramente del resto por varias razones. Su mirada a corazón abierto parece desentonar con el patrón cínico y desangelado (no estoy haciendo una crítica aunque sí estableciendo una diferencia) de la mayoría de sus co-generacionales: Paul Thomas Anderson, Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Bryan Singer, Christopher McQuarrie, Andrew Dominik, Zack Snyder, Darren Aronofsky, Sam Mendes, David Mackenzie, J. J. Abrams, Nicolas Winding Refn, Martin McDonagh y siguen las firmas. Tampoco parece tener esa sensibilidad prefabricada de los Wes Anderson, los Kevin Smith, los Noah Baumbach. Pertenece a un tercer grupo todavía más reducido de directores donde el componente emocional y la pericia técnica van juntos

Ad Astra

#Polémica: Ad Astra (a favor)

El de James Gray es un cine de orfebre que no admite impostores. Y esa frase de mi amigo revela un poco ese afecto por el cine puro de Gray que encandila desde la propia premisa juguetona. Gray es un tipo que sabe dónde está el cine y lo lleva adelante con celo de artesano. Por eso volvemos a Bazín, quien seguramente se hubiera servido de los filmes de Gray para decir “esto es el cine” o Godard (otro que conocía los resortes bazinianos) cuando lo decía de Johnny Guitar. Si uno compara el film de Ray con los otros westerns de su época posiblemente encuentre esa búsqueda personal que Gray (y Ray haciendo uso del juego de palabras) hacían con respecto a los otros films de género

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Dry Martina

Si la calidad de una comedia se mide por su relación con el mundo al cual se referencia, por su reflexión inteligente, el cine de Sandoval nos propone una mirada que se escapa de lo convencional. Porque la comedia (decimos) es una visión de mundo por sí misma. Cuando funciona, subvierte esa realidad proponiendo un nuevo prisma. En otros géneros quizás pueden convivir la perfecta evasión y el más absoluto artificio. La comedia, en cambio, puede ser un escape pero ahí está el referente agitándose omnipresente. Sin referente real no hay comedia. La comedia oculta el dolor (por un rato) pero lo que verdaderamente trasciende es esa perspectiva que nos otorga. Esa mirada humana de nuestros propios demonios. “La comedia es tragedia más tiempo.” Ese tiempo que sirve para pensarnos y consolarnos.

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Amante doble

En Amante doble, Ozon hace nuevamente alarde de sus obsesiones y no se preocupa demasiado por los límites del verosímil. Claro que eso en sí mismo no lo convierte en un De Palma, Polanski, Zulawski, Cronenberg o en Verhoeven, directores a quienes pretende refrendar. Como amparado en los códigos de distintos géneros de los que va saltando eclécticamente de película en película sin conocer en profundidad sus cimientos, Ozon se extralimita en el uso de licencias. Un uso de la cita empujado más por la admiración cinéfila (en eso es casi un adolescente cebado) que por la aprehensión de sus claves.

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Amantes por un día

Finalmente el Bafici sirvió para decantar el demoradísimo estreno de Amantes por un día . Película que amenazó con estrenarse varias veces durante el 2017 (de hecho somos varios los redactores de esta revista que la tuvimos que sacar de nuestra lista de lo mejor del año simplemente porque el film de Garrel (ya visto) amagaba y nunca llegaba a estrenarse comercialmente). Anunciada en por lo menos un par de oportunidades finalmente vio la luz en el último Bafici que culminó hace unos días. La película además viene precedida de una retrospectiva del propio realizador en el mismo festival, que permitió poner en perspectiva una filmografía conocida y apreciada en círculos cinéfilos pero desconocida por el gran público

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Una mujer fantástica

Una mujer fantástica sigue el molde de un melodrama hecho y derecho (y pasan cosas terribles, lúgubres, conmovedoras) con enigmas propios del género pero donde la historia deja un poco de lado la artificiosidad cliché de lo queer y lo fem tan exacerbada por el manchego (de paso rompiendo a lo Rejtman las construcciones dramáticas o al menos atendiendo a jugar con las expectativas y traicionarlas) acotando la parodia y centrándose en los tiempos propios de los personajes, con un registro documental y empático de estos, pero centrándose en Marina, como centro del universo vital.

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Las horas mas oscuras

El tiempo -la anécdota del reloj descompuesto también aparece en la película- como decimos es uno de los temas principales de Darkest Hour. No solo por los intertítulos gigantes alla Gordard y sin apelar al enchastre que se hizo Nolan con los saltos temporales aquí y allá. Sino a los efectos de cómo se configura la película, de su trama. Como aquella película de Roger Donaldson, 13 días, sobre Kennedy y la crisis de los misiles en Cuba, con la que comparte una estructura similar. Joe Wright es un narrador preciso, prolijo, versado y cualquier limitación autoimpuesta es un regocijo para él.

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The square

The Square es una de esas pequeñas grandes aberraciones que le suceden al cine de vez en cuando (un de vez en cuando cada vez mas repetido). No por su calidad media ni por su mediocridad absurdamente recompensada (Palma de Oro en Cannes 2017, Nominación al Oscar como mejor película extranjera 2018) sino por lo que su calamidad implica como concepto. Ostlund pertenece a una corriente de realizadores que no viene del cine y que lo han tomado por asalto. Como Cohn y Duprat cuyas películas tienen muchísimos puntos en común a las de Ostlund.

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Tiempo de balances (5), por Tomás Carretto

Decíamos que se va imponiendo un panorama del cine cada vez mas complejo. Con un futuro cinematográfico cada vez mas incierto y que no sabemos si va a seguir pasando por las salas, espacio reservado para las películas animadas o de superhéroes y los films b de terror. El cine hoy se consume en las pantallas de las computadoras, aunque una mayoría prefiera las ficciones anodinas de series cuyo único propósito es fidelizar espectadores la mayor cantidad posible de tiempo frente a la pantalla, en lugar de dejar un recuerdo memorable. Así como vienen se van, se esfuman de la conciencia y se pasa sin solución de continuidad a la próxima golosina en formato serializado

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Song to song

Song to Song, una película que se integra a la anterior, Knight of Cups, concebidas alrededor de una misma idea, y que funcionan como un tándem que busca confluir el punto de vista de sus personajes para amplificar su voz. El mundo de Hollywood y sus seres torturados por las carencias afectivas y morales de un ambiente atravesado por la superficialidad y el distanciamiento.

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Volver a empezar

En Volver a empezar el asunto es otro, ya que está bastante lejos de las extraordinarias El porvenir  y Elle: abuso y seducción. Ni siquiera tiene el atractivo de los contrapuntos actorales con Depardieu, como sucede en la más modesta El valle del amor…pero ¡es la cuarta película de Huppert que se estrena en 9 meses!

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#DiarioCinéfilo: El cine de James Gray (parte 3)

Se cumplen 10 años del estreno de una de las películas más emblemáticas de la década pasada. Su título es un verdadero homenaje –que se cristaliza en la película- al cine B de la década del 40 y el 50 (Raoul Walsh (They drive by night, 1940), Nicholas Ray (They live by night, 1948), y el Joseph H.Lewis de Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955)). Pero los homenajes no terminan allí, hay también mucho del cine setentista de Frienkin, Lumet, Siegel y esencialmente el Scorsese de Calles Salvajes.

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The Lost City of Z

El libro en el que se basa la película escrito por un periodista de The New Yorker, David Grann, decide “imprimir la leyenda”. Gray  entonces decide llevar esta apasionante “historia real” hacia sus propias fronteras. Por su enorme conciencia y entendimiento de los resortes clasicistas sobrevive a los diálogos literarios de un libro de non-fiction espectacularizado hasta el paroxismo y homónimo de la película, que “novela” la historia de vida de Fawcett. Pero a su vez jamás abandona sus constantes autorales (la búsqueda del perdón o prestigio social de sus desclasados, el poder de la familia, la violencia que subyace en todo momento y desencadena lo trágico, el problema del linaje,  la ilusión y el amor –filial aquí- como motor).

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#Diario cinéfilo – El cine de James Gray

Así como el cine moderno puso en crisis toda la edificación clásica funcionando como primera advertencia, esta nueva advertencia de algún modo proponía el carácter irreconciliable entre ambos cines. El cine clásico y el cine moderno no podían convivir. Aún mas, uno era la superación del otro y como si se tratase de un estilo arquitectónico de un edificio a construir, no se podía volver atrás. Una película como la de Gray, que se había propuesto aunar el film de calidad con el gran público, tomando como referentes al cine de Visconti y Renoir, era rechazada de plano.

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Personal shopper

Personal Shopper no es un film de horror. Ni siquiera un thriller. Es un film de estilo. Mas cerca –pienso- de Algunas chicas (Santiago Palavecino, 2016) que de el cine de Kiyoshi Kurosawa (aunque es una referencia ineludible). Una película ensayo sobre ciertas ideas de cine que en algunos puntos funciona como continuidad de El otro lado del éxito (Clouds of Sils Maria, 2014) y de otros híbridos en la carrera de Assayas como Irma Vep (1996) y Demonlover (2002). De hecho como en la anterior película de Assayas, Maureen (Kristen Stewart) es aquí -otra vez- la asistente personal de una de esas estrellas que podríamos citar en el párrafo de arriba

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