Las películas y la alfombra A lo largo de la historia de la revista pergeñamos no uno, sino varios sueños. Con el armado de Comunidad Cinéfila Perro Blanco nos planteamos un universo paralelo en el que pudiéramos escribir sobre cine sin quedar pegados al sistema de novedades, como bien les comentamos en el editorial anterior
En Una casa sin cortinas el recorrido nos lleva por otra clase de fantasmagorías, distintas a las de los documentales apócrifos o sobre hechos delirantes. En este caso el delirio es bien palpable. El inicio, en este sentido, no puede ser más categórico: estamos a mediados de los 80s. María Estela Martinez de Perón -dejando en el olvido al nombre Isabel- regresa al país luego de varios años de ausencia y visita la tumba de su difunto esposo en medio de un pandemonium de empujones, piñas, aprietes, patadas.
Entre las muchas pérdidas que nos supuso la experiencia de la pandemia (vivida de distinto modo en distintas latitudes a gracias a distintas políticas para enfrentarla), la del encierro trastocó, en mayor o menor medida, buena parte de la experiencia que podíamos establecer con el cine como espectadores. Por un lado potenció el consumo on-line ya sea por plataformas o por otros medios más o menos legales, a su vez envileció los mecanismos de distribución y exhibición del cine tal cual y como lo conocimos. Pero en el medio de la transición del encierro a las salas uno de los que más perdió fue el lector, que quedó entregado a la desesperación por la agenda de novedades. En ese camino caímos casi todas las revistas de cine, llevados por la imperiosa necesidad de estar encima de ciertas novedades constantes provenientes de festivales, de salas comerciales o de circulación via streaming. En el medio el espectador y el lector de críticas perdió algo de contacto con el cine que no ingresaba en esa agenda.
Resultaba tentador ver qué podía dar toda esa mescolanza de ambiciones, discursos y estéticas. Y encima la serie parece consciente de eso y agrega algo más: una cantidad inmensa de tramas y subtramas, con sus respectivos tópicos: está el drama familiar y matrimonial, el relato romántico, el thriller judicial y político, incluso el cuento místico lindante con el cine de superhéroes. Por eso, los primeros cuatro capítulos son relativamente interesantes, aunque no tanto por la mescolanza, sino porque la serie parece todavía no tener claro qué contar y a quién.
FK: Hay muchas ideas en este James Gunn. Bastantes más que en las dos entregas de Guardianes de la Galaxia, que se sentían como artefactos pop pero muy cuidados y prestidigitados. En este caso parece haberse invertido el juego: El escuadrón suicida se parece mucho a lo que Gunn hubiera hecho en su primer salto al mainstream, antes de ser domado por las estrategias de Marvel-Disney. Lo curioso es que este costado pulp que le sale por los poros lo hace en otra major, como Warner, que demuestra que ya no tiene nada que perder y suma monstruosidades a su su DCU. Esta versión de SS está mas cerca de Mystery men y de Super (del propio Gunn). No es que se burle del género, pero claramente lo ha pasado por una licuadora de intensidades camp, explotation, grindhouse y cosha golda, como quien sabe que jamás va a contar con semejante presupuesto para semejante trasheada. Notablemente, el asunto tiene emoción, tiene ideas, tiene humor, pero no es un artefacto pop lustroso, sino una película popular de antaño, una clase B cara y un monstruo que puede lavarle la cara por completo al DCU si le dan pelota en serio a Gunn.
No se puede ir al cine. Es decir: si se puede, cómo no se va a poder ir? No, no se puede. Hace rato que hemos perdido una dinámica que antes nos proporcionaba el cine: lo inesperado. Ahora esa dinámica se ha convertido en una suerte de lotería de Babilonia en la que algunos afortunados reciben la suerte de estrenar, en donde otros postergan indefinidamente, en donde otros se aprovechan de su fuerza como tanques para imponer postergaciones o cancelaciones. El resultado? El marcado de estrenos en argentina se ha vuelto imprevisible pero en el peor sentido. Ya no nos sorprenden estrenos pequeños que llevar a mucho público en pocas salas ni películas mainstream infravaloradas que se cuelan en los jueves. No: todo el sistema de estrenos, de distribución y exhibición en Argentina se ha convertido en un sistema arbitrario, en donde nada puede planificarse (ni como espectadores ni como críticos).
Luego de días, semanas, meses y años de planificaciones, cambios, amplificaciones en los planes propuestos y reformulaciones varias (oh, maravillosa Argentina, tierra de la planificación imposible), nace la Comunidad Cinéfila Perro Blanco. Tal como te lo contamos en otras ocasiones, se trata de un proyecto hermoso, al que imaginamos muchas veces y que sólo con tu apoyo puede crecer y multiplicarse. Nuestra comunidad tiene origen en la revista, pero no se limita a ella. Por eso queremos contarte qué es lo que la hace distinta a otras. Pero para saber qué es, nada mejor que las preguntas de rigor.
Esta vez toca reunir a todos los responsables. Para pensar juntos, recapitular, proyectar y, si fuera necesario y posible, proponer. Por eso les propongo abrir el juego y a partir de ahí escucharlos. Voy a intentar recomponer una versión resumida de las ideas que fuimos argumentando desde la primer nota hasta la sexta entrega. Y a la luz a de esos planteos, les proponemos pensar algunas conclusiones, hipótesis a futuro y propuestas. Comencemos.
Hace casi dos décadas Vincent Gallo logró hacer mucho ruido con su segundo largometraje, acaso el mas libre de su breve filografía como director. The Brown Bunny es algo más que una película denostada y olvidada. Es algo mas que una película sobre una chupada de pija monumental hecha por Chloe Sevigny al mismo Gallo (entonces su pareja) en un plano sin cortes que logró que la película se convirtiera en una de las cosas mas odiadas que se hubieran proyectado en Cannes en toda su historia.
Con el paso de los años Tod Browning aquirió un prestigio que su propio tiempo le había quitado. Dueño de un talento visual y de una suma de ideas que anticiparon en varias décadas al terror corporal de tipos como David Cronenberg, el cine de Browning supo ser, a su manera, también dueño de una mirada trágica, desesperada. En este caso hablamos de una de sus películas de la etapa pre-Freaks (1932), en donde todavía gozaba de una serie de libertades que el Código Hays y la misma industria luego le vedaron.
“Conocida” -entre muchas comillas, dado que se trata de una película literalmente desconocida para la mayor parte de los cinéfilos- por el triste nombre de Loquilandia (sic), Hellzapoppin (síntesis de Hells are poping, es decir, los infiernos están emergiendo, estallando, brotando) es una de esas maravillas imprevisibles que suelen perderse en el anonimato de los tiempos.
Diez años antes de su terrorífica Los ojos sin rostro, Franju hizo una película aún mucho más siniestra, quizás en gran medida porque los horrores que refleja son reales. En tan solo 22 minutos, el realizador francés pone en juego una operatoria que años después se volvería habitual, pero no en 1949: mezclar la ingenuidad infantil con lo gore.
En el número 50 de Perro Blanco, en Mayo de 2021, exactamente el anterior a este, nos preguntábamos, hacia el cierre, un poco con la excusa de la nota de cierre sobre una cierta tendencia en el cine político argentino, por las posibilidades de que el cine político local lograra sobrevivir a su actual mansedumbre.
Se va a convertir en un lugar común entre los espectadores (pero también entre los críticos) esa posibilidad de evaluar la segunda temporada de Luis Miguel. La serie por debajo de la primera, que por lo pronto parecía insuperable. O al menos lo suficientemente sólida como para establecer una vara muy alta para la segunda temporada. Para bien y para mal, con sus pros y sus contras, creo que lo que sucedió en esta segunda salida fue un riesgo: no jugar hacia el lado más previsible, que era el de profundizar sobre el eje policial de la pérdida de la madre y de la pelea con el padre y los correspondientes fantasmas. Pero tampoco concentrar todo sobre Luis Miguel como eje, sino hacer de la serie un mecanismo más bien coral.
Al igual que Noche y Niebla, la película de Nemec parecería pensar que algo tan horroroso no se puede representar y hay que evadirlo, representar sus alrededores, porque su núcleo traumático parece ser insoportable e inefable. Por eso la película comienza cuando dos jóvenes se escapan de un tren de carga que los estaba transportando desde el campo de concentración al de exterminio. La película comienza en el movimiento más puro, en el de una corrida, el de un escape, en una lucha por la supervivencia atravesando arroyos y ramas
Angst es una de las películas preferidas de Gaspar Noé, lo cual ofrece cierta idea de lo que nos podemos llegar a encontrar al verla. Ante todo, se trata de una experiencia brutal: pocas veces en mi vida he visto una sinergia semejante entre los diversos elementos que configuran la puesta en escena de una película para conjurar un clima tan inquietante, tenso y desagradablemente incómodo.
Si hablamos de tintineos en la tripa, pocas películas como esta maravilla pergeñada por František Vláčil. Me atrevería a decir que es la película más medieval que vi en mi vida. Todo en Marketa es confuso, engañoso, sinuoso. El relato se diluye entre los dedos y casi invita a ser consumido como una ensoñación psicodélica donde la vida no vale nada, existir y sufrir son sinónimos y las castas sociales son infranqueables.
George Romero tiene varias películas que son imprescindibles. Y la gran mayoría está por fuera del mundo de la hexalogía de los zombies, que terminó desvirtuando su obra mas conocida, La noche de los muertos vivos (1968). Por eso hablar de Romero y olvidarse de Monkey Shines (1986), The Crazies (1973), Martin (1976), incluso de Creepshow (1982) es particularmente injusto, ya que deja afuera a obras ostensiblemente mejores a las cinco películas continuadoras de la saga. Pero el mayor olvido de todos le sucedió a otra de sus mejores películas, acaso la que a primera vista más nos aleja del mundo de Romero.
Ya estamos armando varias cosas nuevas y planificando otras. Entre las muchas cosas que nos dan ánimos a seguir escribiendo y viendo cosas está el inminente estreno (no en Argentina, olvídenlo por el momento) de Benedetta, el último largometraje de Paul Verhoeven, uno de nuestros directores contemporáneos preferidos. Eso también nos permite adelantar el nombre del libro colectivo que también publicaremos este año: El holandés errante: el cine de Paul Verhoeven. Pero por lo pronto es lo único que les contaremos al respecto. Otra parte tiene que ver con un dossier especial que le dedicaremos a un director que acaba de fallecer y que muchos en la revista admirábamos con fervor. Hablamos del gran Monte Hellman, dueño de una obra secreta, acaso opacada por muchos de sus compañeros generacionales. Sobre algunos de esos directores olvidados de los 70s también estamos escribiendo. Asi que el especial MH funcionará como presentación de ese material por venir.
Vamos a citarnos a nosotros mismos. En virtud de que el cine y la televisión nos importa bastante más que las entregas de premios, pero que el domingo 25 es un día en el que la ceremonia de los Oscar se impone, retomaremos lo pensado. Por eso les proponemos los links de las películas nominadas en las diversas categorías que tuvieron su cobertura en nuestras páginas. Son 29 las películas reseñadas por 14 redactores con las correspondientes categorías citadas debajo. Decidimos no ordenárselas por categoría, para evitar duplicaciones y confusiones.
En el ajedrez, asi como en otros juegos de estrategia, quien desespera, pierde. Por eso mismo elegimos no desesperarnos, aunque las ganas se nos salgan de las entrañas. Elegimos no desesperar y planificar. Por eso nos dimos cuenta que, con el retorno del cine a las salas, estaba retornando a nosotros la desesperación: cubrir todo, lo máximo posible, sin dejar material sin ver. Y a decir verdad se trata de una acción que no nos hace justicia como cinéfilos ni les hace justicia a las películas ni a las series. Es posible, pensando retrospectivamente, que la cuarentena nos haya malacostumbrado a esta avidez por ver cosas, casi por sacárselas de encima.
Finalmente llegó el Snyder Cut. Y todos nos reíamos con ganas esperando que fuera más de lo mismo, ostensiblemente solemne y que eche por la borda los pocos logros que venía consiguiendo DC. En mi caso personal, sin decir que me guste, debo decir que me sorprendió gratamente. No porque me parezca bueno lo que hace ZS, sino porque me parece que efectivamente tenía una idea que Wheddon hizo pelota no adrede quizás, pero si porque detrás tenía un estudio presionando para que Warner entregara una película a lo Marvel. Y el resultado fue este: una película larga, a veces un poco tediosa, pero por lo pronto una película hecha y derecha con personajes que al menos tienen crecimiento y experimentan alguna clase de emoción.
Garrel ya es como esos pintores que sacan siempre el mismo cuadro sin esfuerzo, que someten un motivo a infinitas variaciones en la creencia de que el arte no supone invención ni originalidad sino un trabajo de orfebre con un conjunto de reglas dentro de un territorio trazado previamente. ¿De qué trata La sal de las lágrimas? De lo mismo que casi todas las películas que vinieron después de Inocencia salvaje, de una insatisfacción afectiva que conduce a buscar el amor en tantos lugares como se pueda, ya sea en parejas estables, compañeras ocasionales, amantes regulares o, eventualmente, un oficio. Esas búsquedas dibujan mayormente triángulos con vértices en constante movimiento: el infiel inveterado puede ser en el futuro él mismo el engañado y consumido por los celos.
Otra vez más una película de superhéroes nos encuentra unidos o divididos. Lo bueno es que en este caso los señores Balbuena & Karstulovich ampliaron un poco más el espectro que suele determinar la recepción de estos tanques que abren la disyuntiva entre la destrucción inmediata o la glorificación sin motivos. En esa grieta absurda se lanzan los dos críticos a discutir. Y el resultado termina siendo el que van a leer: una defensa de los errores, un ataque a las presuntas virtudes y, en ningún momento, el cinismo de “es tan mala que es buena” o cosas semejantes. Pasen y lean.
Vuelve el cine. Eso es la novedad. Al menos vuelve a las salas, algo que nos fue quitado hace casi un año con la cuarentena de marzo de 2020. Ahora bien: vuelve todo a la normalidad? Es motivo de festejo? Si y no. Si, desde ya, porque el regreso a las salas y a la presencialidad nos retorna a la experiencia colectiva de ver cine en pantalla grande, junto a desconocidos, en el marco de la recuperación de la práctica inmersiva que supone ver una película a oscuras y frente a una pantalla grande. Ahora bien, nada ha pasado? No: el retorno a la salas es también un retorno empobrecido, porque ha afectado notablemente a los estrenos independientes y a las pequeñas salas, porque también la pandemia y la cuarentena (pero también la inacción de parte del INCAA a la hora de alentar nuevos espacios de exhibición) ha empequeñecido la oferta y el panorama de diversidad audiovisual. Pero todo esto se da en el marco de un verdadero agigantamiento de parte del sistema de plataformas, tanto industriales como del llamado cine arte (Netflix, Amazon Prime, Disney +, Apple +, HBO Paramount +, Flow, Mubi), algo que si bien podía preverse hace más de un año, no hizo más que acelerarse en el plazo de los últimos doce meses.
The Legend of Hell house vuelve sobre el tópico de las mansiones embrujadas. Lo hace con la seguridad de pasar por todos y cada uno de los lugares comunes, como para que no nos creamos demasiado lo que estamos viendo. El artificio en estado puro. Otra vez investigadores que deben constatar los hechos terribles sucedidos en la susodicha casa. Otra vez la racionalidad enfrentada a la irracionalidad. En el medio la guita, que como siempre activa los problemas con un poco más de fuerza. Sexo, locura, fantasías, simbolismos religiosos. Estamos ante una suerte de summa terrorífica, como si algo distinto tuviera que salir del celuloide para convencernos del final de una época.
Semana a semana la plataforma Disney + comenzó a subir los episodios de ese artefacto extraño que es WandaVision. Con todos los episodios emitidos a la fecha -y completando el diálogo abierto en febrero- se juntaron a hablar Gabriel y Luciano, dos de nuestros más conspicuos redactores. El resultado queda por acá.
Summerfield es el tercer largometraje de cinco que entregó el director. Quizás sea su mejor película, precisamente porque logra alejarse de las formas del telefilm, formato en el que se especializó desde finales de los cincuentas. Pero en este caso en particular el hombre logra salir del encierro tradicional de esa clase de rodajes que imponía ese viejo formato televisivo para adentrarse en aspectos netamente cinematográficos.
El plot es falsamente simple: Simon es un profesor que llega a la localidad de Summerfield y al poco tiempo de instalarse toma conciencia de que su predecesor ha desaparecido en circunstancias misteriosas. Solo con ese punto de partida la película aprieta todas las clavijas posibles del malestar y de la ambigüedad, para que durante casi 90 de los 95 minutos que dura nos la pasemos haciendo especulaciones
Vamos a citarnos a nosotros mismos. En virtud de que el cine y la televisión nos importa bastante más que las entregas de premios, pero que el domingo 28 es un día en el que la ceremonia de los Globos de Oro será atendida como previa a los Oscar se impone retomar lo pensado. Por eso les proponemos los links de las películas y series nominadas en las diversas categorías que tuvieron su cobertura en nuestras páginas. Son 27 las películas y series reseñadas con las correspondientes categorías citadas debajo. Decidimos no ordenárselas por categoría, para evitar duplicaciones y confusiones. Esperamos que les sirva para complementar la entrega que sucede el 28 de febrero. No, no nos importa demasiado quien gane o quien no a esta altura. Pero si nos interesa que lean lo que escribimos en su debido momento. Y si nos quieren contar sus opiniones mientras vean la ceremonia pueden taggearnos con #PBGG2021
Nada, casi nada se parece al cine de Andrej Zulawski. Su cine es extremo en ideas, en modos, en formas. No hay tonos medios en sus películas, que son artefactos extraterrestres que nos llegaron a la tierra vaya uno a saber con qué intermediario. En este orden de cosas On the silver globe es una de sus películas más arriesgadas y extraordinarias. Hijo de una época en la que del otro lado del muro se gestaban formas metafísicas y a la vez materialistas para la ciencia ficción, la historia que cuenta la película es simple. Pero es apenas un punto de partida.
Fin del Contenido
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