Autor: Raúl Ortiz Mory

El ángel de la muerte se desarrolla en dos tiempos muy bien definidos. El primero de ellos ahonda en las angustias emocionales y económicas de Amy, mientras que el segundo recorre los sucesos que van a parar con el apresamiento del asesino. Em este sentido, lo mejor de El ángel de la muerte se posa en la dupla protagónica integrada por Adams y Redmayne. El peso de la construcción en el personaje de la actriz es vital para instaurar líneas que delimitan subtemas como la relación madre hija, los derechos laborales, la solidaridad con el prójimo y la impotencia de las autoridades

La primera vez que vi una adaptación cinematográfica de Cyrano de Bergerac fue en el colegio. La maestra de Literatura -un oasis rebosante de conocimiento en medio de la árida e irregular enseñanza del colegio parroquial por el que pasé durante cinco años- nos llevó a la sala de proyecciones con un esforzado discurso donde advertía que pongamos atención a los parlamentos de los personajes. Sobre todo a los textos del protagonista. Conforme pasaron los minutos y la película tomó intensidad mis ganas por seguir escuchando al narigón encarnado por Gerard Depardieu fueron aumentando. 

La tarea de retratar a Marilyn Monroe es muy complicada. Los que la conocieron tienen diversas versiones para sus múltiples facetas. Debbie Reynolds, Jack Lemmon, Clark Gable, Marlon Brando, Arthur Miller, John Huston, Richard Avedon, Truman Capote y una larga lista de personajes cuentan que más allá de su química natural con las cámaras, la actriz siempre estuvo envuelta en un manto de interrogantes. Una desubicación en el espacio y en el tiempo que solo se interrumpía cuando los flashes le apuntaban y su figura magnética refulgía como la estela de un cometa fuera de órbita.

The Humans se basa en la obra teatral homónima de Stephen Karam -finalista del Pulitzer y ganadora de un premio Tony- que el mismo dramaturgo ha llevado al cine. La ópera prima cinematográfica del director de origen libanés es un reconfortante ejercicio de interacciones que transcurre en un agobiante espacio cerrado. Ese mismo ambiente logra que el espectador transite, cual montaña rusa,  por momentos de simpatía y rechazo hacia sus personajes

Si lo que han querido los hermanos Russo, directores de la pieza en cuestión, es usar el prototipo de las actuales referencias para extender las posibilidades argumentales y narrativas solo queda decir que han fracasado. Y si la intención no fue esa y, en cambio, el objetivo estaba orientado a descubrir la pólvora solo queda decir que también han fracasado.

En un taller de artesanía Nick Cave ha encontrado la oportunidad de volver, una vez más, a ser otro. Va enfundado en ropa blanca de alfarero, moldea arcilla y da pinceladas de color a las pequeñas esculturas de yeso que fabrica últimamente. El príncipe de las tinieblas alterna sus días de mayor experimentación musical con actividades manuales y milenarias que lo sumergen en un claro estado de meditación. 

Cuando se estrenó Garganta profunda, hace 50 años, no solo se dio inicio a una mirada particular del placer femenino. La cinta protagonizada por Linda Lovelace también abrió el debate sobre el control al que deberían someterse los medios de comunicación, la responsabilidad civil de los grupos políticos conservadores, el perjuicio que podía padecer el inocente y vulnerable espectador y, sobre todo, el nacimiento de una “diabólica” industria que, a la fecha, factura miles de millones de dólares al año. 

Sin guion. James McAvoy afrontó el rodaje de My Son sin saber qué pasaba en cada escena que protagonizó. Este experimento, no tan novedoso como los productores quieren hacernos creer, se sustentó en la premisa de desarrollar una veracidad espontánea que le permitió al actor descubrir cada giro de la historia al mismo tiempo que lo hace el propio espectador cuando aprecia la película acabada. Sin embargo, la ruta emocional que sigue el intérprete no es siquiera una aproximación a la más mínima angustia que pudo haber alcanzado My Son si no hubiese caído en las mismas fórmulas que plantean otras piezas de argumentos similares. ¿Para qué recurrir a una estrategia de “actuación natural” si el resultado es tan previsible y anodino?

Empecemos por la conclusión: la última película de Steven Soderbergh asume grandes riesgos y logra irregulares resultados. Sin embargo, lo que deja un sabor agridulce son las posibilidades diluidas de convertirse en una estampa contemporánea al no profundizar en su premisa inicial: la relación entre el ser humano y la ciber-realidad, o mejor dicho en la subyugación que ejerce la segunda sobre la primera, sobre todo, en un contexto socio psicológico marcado por la pandemia.

La tragedia de Macbeth, la nueva versión cinematográfica de la pieza teatral, dirigida por Joel Coen, no envidia nada a las tres anteriores. Sin embargo, les debe mucho y, a la vez, toma un camino donde se distingue por su mesura discursiva, simetría visual y elegancia artística. El debut en dirección de Joel sin su hermano Ethan está filmado en un blanco y negro imponente donde el minimalismo de sus imágenes contrastan con la fuerza contenida que ponen Denzel Washington, como el rey traidor, y Frances McDormand, en el rol de Lady Macbeth.

Desarrollada en un arco temporal de siete días, Being The Ricardos está narrada a modo de falso documental en el que se describe a fuego lento y minucioso el panorama de la televisión estadounidense y el rol que ejercieron los guionistas, broadcasters y auspiciadores. Todo con fulminantes líneas de cinismo donde el epígrafe perfecto podría equivaler a la manida frase “el espectáculo debe continuar” o “el guion lo aguanta todo”. Sorkin también aprovecha la oportunidad para cargar contra algunos temas específicos: la “cacería de brujas” del exsenador Joseph Mc Carthy y su infame comisión anticomunista, el papel secundario de la mujer en la vida social y artística de aquel tiempo, la construcción del mito popular y su deuda con la opinión pública.

La vulnerabilidad del hombre frente a la escalada tecnológica que condiciona su vida, hasta el punto de evitar el dolor que causa una muerte inminente o la manipulación de los deseos básicos. Desde esta premisa, Benjamin Cleary, director irlandés conocido por su laureado cortometraje Stutterer, expone un drama familiar ambientado en un contexto de ciencia ficción donde un hombre que padece de una enfermedad terminal asume el riesgo de ser clonado, sin que su familia lo sepa, a fin de que sus seres queridos sigan una vida armoniosa.

Ese momento en que se termina de ver una película y se siente como un disfrute de emociones donde todo encaja: nada sobra, nada falta. ¿Obra maestra? Con lo fácil que es ahora catalogar así a cualquier película que rema en el sentido -o se hace a la medida- de las corrientes reivindicativas. No, no se trata de eso. Tiene que ver con calzar a la medida de lo que se puede y quiere ofrecer, dándolo todo y asumiendo riesgos. Eso es The Harder They Fall.

¿Acaso aquel artefacto sin alma, parido el año pasado bajo el nombre de Stardust, le hizo justicia a David Bowie, el rockstar más vanguardista de la industria musical? ¿O Bohemian Rhapsody hiló fino al retratar la excéntrica personalidad de Freddy Mercury sin que pareciera un fantoche sobreactuado (y oscarizado)? ¿Fue el olvidable biopic interpretado por Zoe Saldaña una manera fiel de construir la compleja figura de Nina Simone?