Estrenos

 Recientes

Green Book: una amistad sin fronteras

En la película más conservadora y menos escatológica de Peter Farrelly, el director esteriliza su obra, para filmar una potable historia de encuentro y desencuentro entre un chofer italioamericano y un sofisticado pianista negro, como si el argumento de Conduciendo a Miss Daisy sufriese un proceso de inversión de roles en el ánimo de complacer el gusto del último progresismo adocenado.

No Estrenos

 Recientes

Bad times at the El Royale

Después de pasar por el terror y el sci-fi, Goddard apuesta en su segunda película, Bad Times at the El Royale (en adelante BTATER), por el neo-noir de corte Tarantinesco, aunque en un modo mucho más convencional que aquel que definió su película de terror con Joss Whedon. Goddard vuelve a recorrer situaciones y personajes arquetípicos pero esta vez sin ánimo meta, más bien explorando el género como quien recorre los pasillos de un hotel buscando el camino, volviendo sobre los propios pasos, en una película que se siente de transición entre su carrera hasta ahora y el futuro.

Festivales

 Recientes

Rotterdam 2019 – Diario de festival (3)

Me cuesta tomar coraje para hacer públicas estas intuiciones (a esta altura, y en este estado, hablar de ideas sería un poco pretencioso). Pero mi calidad de semi-novel y un poco outsider en estas lides me otorga algo de impunidad, que aquí voy a aprovechar. Para ir a los bifes: creo que, en gran medida, hay un endiosamiento de la figura de Jean-Luc Godard en lo que hace a sus últimas realizaciones (muy conscientemente no utilizo el término películas) que nace más del snobismo o del temor de quedarse fuera de lo que parece una indiscutible unanimidad, que del cabal disfrute, placer o, al menos, comprensión de sus obras.

TV y Series

 Recientes

El proyecto Williamson

Sin vigilancia y sin castigo reina el caos, reza leviathanicamente el aire que rodea el pequeño poblado de pesadilla en donde suceden los hechos que atraviesan la trama central de El proyecto Williamson, que si bien circunscribe los hechos a un pueblo, a una localidad en particular en realidad hace extensiva la pesadilla a otros estados y otras localidades americanas. En definitiva ese pueblito que acusa, que mira y que encierra a sus ciudadanos está en uno y muchos lados a la vez.

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Sueño Florianópolis

Hay algo en el tono, en el ritmo y en los breves silencios en el decir de Ana Katz que impregna toda su obra como directora de cine. Un pequeño delay antes de cada afirmación, un momento que se toma para pensar realmente cada respuesta, evidencian una actitud vital siempre dispuesta al asombro, al descubrimiento; una renuncia consciente a todo tipo de preconceptos (propios o ajenos). Ese desprejuicio humanista, esa predisposición a la más absoluta libertad de pensamiento nos habla de una artista inteligente y sensible.

Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Coherence

La segunda película que vimos y trabajamos no es otra que la opera prima de Jame War Bykrit. Se trata de la super indie y casi desconocida Coherence. Esta película de 2013 vuelve, para nuestra proyección del martes 12/2, a los problemas del espacio, eje temático del mes. Durante su proyección vimos cómo la peliícula lograba salir por medio de un atajo grandioso frente a la idea del fuera de campo. Y es que ahí donde en la mayoría de los casos de películas de encierro (en este en particular un grupo de amigos debe afrontar las consecuencias de la apertura de un vortex espaciotenporal hacia diferentes multiversos gracias a la acción del pasaje de un cometa) se concentra en el peligro de lo invisible (el fuera de campo) frente a la tranquilidad de lo visible (la información en campo), Coherence le da media vuelta de tuerca más

Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

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Una despedida a Nicolas Roeg, una vuelta a Venecia Rojo Shocking

Nicolas Roeg hizo varias películas estupendas al comienzo de su carrera: Performance (1970), que codirigió con Donald Cammell, un thriller delirante y lisérgico protagonizado por Mick Jagger (y con un insólito cameo de Jorge Luis Borges), la aventura mítica australiana Walkabout, y El hombre que cayó a la tierra (The man who fell to Earth, 1976), con David Bowie encarnando al alienígena protagónico (segundo rockstar convocado por Roeg, ya que para Contratiempo–Bad timing, de 1980- elegiría para el papel principal al cantante a Art Garfunkel). Después, su carrera se iría diluyendo en la medianía, con resultados más bien decepcionantes y varias producciones televisivas.

La desaparición

Apoyado en un conjunto de actores notables, en la ausencia de música incidental y con el plano secuencia como principal estandarte formal, el cine rumano supo evitar desde entonces, gracias al antídoto de la aridez y a la ausencia de énfasis, la tentación del costumbrismo. Pero, nuevamente, si hay algo que destaca y que atraviesa este conjunto de películas es el clima ominoso, angustiado y angustiante, desesperanzado, de una Rumania que parece nunca terminar de sacarse de encima la sombra terrible de Ceausescu, el dictador que durante más de veinte años manejó con recelo extremo los destinos del país.

El último bolchevique

Estructurado a partir de una correspondencia imaginaria, la de Marker hacia el propio Medvedkin, punteado por fechas históricas más o menos reconocibles, 1917, 1922, 1930, 1945, y dividido por dos momentos, “El reino de las sombras” y “Las sombras del reino”, cuya dialéctica traspasa imaginativamente todo el film. El último bolchevique, por ponerlo en términos cinéticos, y no sólo literalmente, conmueve.

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Algunas ideas en torno al cine de Claire Denis

Estos films transversales permiten dimensionar claramente el continuum histórico y temático de toda la obra de Denis: es como si ellos lo acentuaran y a la vez permitieran no clausurarlo en una seductora melancolía o en una furiosa denuncia, sino más bien expandirlo, arrastrando todo el peso de lo vivido en una suerte de rabiosa fuga hacia cualquier lugar. Pero si hay algún horizonte en el cine de Denis este no es, ciertamente, uno redentor sino más bien la constatación de su imposibilidad para serlo, sólo utilizado didácticamente para ejemplificar la división del mundo entre negros y blancos por el padre de una pequeña niña cuya cotidianeidad es vivir precisamente en ambos, o funcionando por unos instantes como una ruta a transitar sin ningún destino, o señalando inequívocamente la línea de una finitud propia y ajena.

Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Coherence

La segunda película que vimos y trabajamos no es otra que la opera prima de Jame War Bykrit. Se trata de la super indie y casi desconocida Coherence. Esta película de 2013 vuelve, para nuestra proyección del martes 12/2, a los problemas del espacio, eje temático del mes. Durante su proyección vimos cómo la peliícula lograba salir por medio de un atajo grandioso frente a la idea del fuera de campo. Y es que ahí donde en la mayoría de los casos de películas de encierro (en este en particular un grupo de amigos debe afrontar las consecuencias de la apertura de un vortex espaciotenporal hacia diferentes multiversos gracias a la acción del pasaje de un cometa) se concentra en el peligro de lo invisible (el fuera de campo) frente a la tranquilidad de lo visible (la información en campo), Coherence le da media vuelta de tuerca más

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