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El espanto

El espanto tiene todo planteado para poder desplegar sobre esas bases un mundo particular y preciso, pero falla en todos los frentes. El problema es de recortes, de procedimientos, y de mirada. En primer lugar porque esa línea argumental alrededor del misterio del viejo Jorge nunca termina de desarrollarse, ni en su modo de curar el espanto ni en las menciones a los supuestos favores sexuales que el curandero exigiría a sus clientas como parte de pago, que quedan como poco más que habladurías maliciosas con las que explicar su aislamiento. Pero además porque en su forma la película se vuelve monótona y agota hasta el hartazgo el mismo recurso, que consiste en armar algo así como bloques temáticos por los que desfilan como cabezas parlantes todos y cada uno de los personajes, abordando los temas que hacen al infierno grande de su pueblo chico.

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Revenge

Revenge tiene un poco de ambos modos de entretenimiento. Si bien no se podría decir que es una película de autor (al menos por ahora; esto puede cambiar en el futuro revisoniando una obra que puede llegar a ser más vasta que lo que lo es actualmente), la película de Coralie Fargeat está lejos de ser una del montón. Mezcla de acción, thriller y gore, la película se divide en 3 actos bien marcados: el primero, donde la protagonista se presenta como una mujer-objeto cumpliendo con la apariencia, tareas y deseos del Hombre (como género, no especie) y que culmina con su violación y asesinato. El segundo acto es el iniciático –resurrección mediante- y el último es la caza y venganza.

Festivales

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#PostBafici – (15): As boas maneiras

El cuento de hadas que narra As boas maneiras se apoya sobre un sobreentendido y un conocimiento preciso del mito del hombre lobo, a partir del cual se apoya para construir derivaciones menos previsibles y tradicionales. En el coqueteo con los géneros populares, la película solo se vale de lo necesario. Y rodea a ese verosímil de una coraza urbana que, a primera vista, podría entenderse como deslegitimadora del verosímil del fantástico. Por eso es interesante no lo que la película respeta respecto de la iconografía y representación sino como se vale de ese verosímil para producir desplazamientos de sentido hacia territorios y entornos espaciales que difícilmente puedan tolerar esa convivencia (y que sin embargo la película hace posible, como si en alguna medida el mito se inyectara en un tiempo y un espacio refractario a estos).

TV y Series

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#Diálogos: Luis Miguel, La serie

Si alguna vez vieron esos programas estilo American Idol o Américas got talent habrán notado que cada tanto aparece algún tapado al que uno no le confía nada de nada, como le pasó a Susan Boyle hace algunos años. Bueno, en la larga lista de series que nos va tirando el mundo audiovisual apareció Luis Miguel, la serie (que hasta el nombre sonaba feo, ya que no se había preocupado por denominar a una biopic de otro modo que no fuera por el nombre y apellido de la figura...encima coronando el mismo nombre con la aclaración "la serie"). Naturalmente nos esperábamos lo peor y varios de nosotros nos sentamos a verla casi con el fin de burlaros de ella, como si en efecto entrara al escenario para hacer el ridículo. No solo nos tapó la boca, sino que demostró ser una de las grandes series del año, tocada por una varita mágica que logró una transversalidad de públicos que los productos audiovisuales latinoamericanos no siempre consiguen. Lo que viene lineas abajo es el resultado de un diálogo apasionado entre tres grandes entusiastas, que se sentaron a hablar sobre relaciones con el cine clásico (y no tanto), con el melodrama y las telenovelas, con las biopics y sobre muchas cosas más. Como siempre en Perro Blanco, las ideas son producto de la pasión. Y creemos que lo que van a leer vale el tiempo de lectura. Pasen, lean y vuelvan a la serie, que realmente es una de las sorpresas del año.

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El espanto

El espanto tiene todo planteado para poder desplegar sobre esas bases un mundo particular y preciso, pero falla en todos los frentes. El problema es de recortes, de procedimientos, y de mirada. En primer lugar porque esa línea argumental alrededor del misterio del viejo Jorge nunca termina de desarrollarse, ni en su modo de curar el espanto ni en las menciones a los supuestos favores sexuales que el curandero exigiría a sus clientas como parte de pago, que quedan como poco más que habladurías maliciosas con las que explicar su aislamiento. Pero además porque en su forma la película se vuelve monótona y agota hasta el hartazgo el mismo recurso, que consiste en armar algo así como bloques temáticos por los que desfilan como cabezas parlantes todos y cada uno de los personajes, abordando los temas que hacen al infierno grande de su pueblo chico.

#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream

Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.

Entrevista a Agustín Toscano, director de El motoarrebatador

Con un primer largometraje en soledad (luego de codirigir Los dueños), que a su vez resulta el segundo de su carrera, Agustín Toscano ha sabido construirse un espacio en el marco del cine argentino contemporáneo a pura construcción cinematográfica, desmontando lugares comunes que supieron vincularlo a una cierta forma del mal llamado "cine social". Al igual que su antecesora, la segunda película de Toscano es un hallazgo que evita las representaciones convencionales, la pornomiseria y la explotación del mundo del delito. Bien por el contrario, en el conjunto social que atraviesa El motoarrebatador podemos reconocer variantes, individualidades, matices, que en buena medida desarman cualquier intención de lectura que juegue a la demagogia. En ese trabajo minucioso de construir un mundo de personajes que sean tridimensionales, la película nunca renuncia a una solapada forma de ternura. Aquí su director se toma el trabajo de contarnos cuáles fueron sus decisiones y por qué trabaja en la manera que trabaja. El resultado no solo es interesantísimo sino que también nos permite entrar a una cabeza que puede hacer convivir a influencias notables y disímiles. Tómense su tiempo y lean esta entrevista. Después no digan que no les avisamos.

Crítica de la crítica (2): Respuesta al texto sobre Francotirador, de Roger Koza

La historia es mas o menos larga y mas o menos feliz. Hace un par de años, con motivo del estreno tardío de Francotirador (Clint Eastwood, 2014) tuvimos un intercambio de opiniones en el blog del colega Roger Koza. En este link  van a poder leer el intercambio original. Por una de esas cosas que suceden con la tecnología, ese año y en esa semana de intercambios murió mi computadora y con ella mi extensa respuesta a Roger. Pasados los años y con computadora nueva, haciendo limpieza de archivos, encontré la respuesta que nunca llegué a enviarle. Y si bien la película ya está fuera de cartel creo que el peso de lo que discutimos sigue teniendo cierta vigencia (incluso a la luz del estreno de películas como Dunkerque este año y de la publicación del dossier bélico que llevamos a cabo en julio de este año). Lo que les dejo aquí abajo son las capturas de pantalla de aquella discusión, derivada del texto del link. Y la que está debajo de estas capturas es mi respuesta...casi 23 meses después. Naturalmente, como hacemos en esta sección, invitamos a Roger Koza, su autor, a responder.

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Claude Lanzmann (1925-2018)

En todo caso, lo que sí me parecería un error grande es el seguir pensando al cine de Lanzmann como un modelo único e infalible para abordar un tema y a Shoah como su representación más perfecta. Es verdad que el propio Lanzmann contribuyó a eso, furioso cada vez que alguien osaba exhibir su película en otro orden que no era el que quería, convencido de que era prácticamente la única forma de representar el Holocausto. Pero creo francamente que caer en las demandas que tuvo Lanzmann respecto de cómo había que filmar ese hecho sería un error. Shoah no debe ser vista como una pieza de ingeniería que alcanzó un estado de máxima perfección. Detrás de su tremendo rigor, de su cuidadosa recolección de información y su aún más cuidadoso orden a la hora de exponerlo a lo largo de sus horas, hay también una desesperación y una furia que la lleva inevitablemente a ser discutible.

Viaje a los pueblos fumigados

En Viaje a los pueblos fumigados, como ya lo hiciera con sus documentales urgentes anteriores, no hay mayor toma de distancia o reflexión sobre cómo mostrar la urgencia que la traducción en desprolijidad formal (me atrevo a decir casi forzada, como si a mayor feísmo mejor efecto político). Pero lo que resulta curioso es que semejante desprolijidad supone también una idea sobre el mundo: que importa más lo que se dice, la sentencia que la retórica expresiva de la forma, como si esta última, en definitiva, fuera una suerte de vicio burgués. Y si hay algo que la forma puede expresar, precisamente, es la distancia reflexiva con respecto a la voz, a la sucesión monocorde de sentencias. Era precisamente en la forma en la que las películas mas logradas de Solanas solían asentar una idea distinta, como si en alguna medida, la forma expresara una saludable disidencia o una involuntaria distancia. 

#DossierChauAutores (1): Corazón de dragón

En Corazón de dragón no hay un director con una mirada distintiva, pero sí actores con rasgos de nobleza sutiles y a la vez potentes: no solo la voz de Connery, sino también Dennis Quaid (un caballero interpretado por un verdadero caballero), Pete Postlethwaite (uno de esos actores capaces de hacer de todo), David Thewlis (un villano tan sincero como desatado), Dina Meyer (una mujer de armas tomar) y Jason Isaacs (en uno de sus primeros roles detestables). Y hay honor, ese tipo de honor que nace y se alimenta de la artesanía, de la apreciación y el cuidado por los pequeños relatos, por los caminos que se recorren progresivamente, desde el cariño y la emoción.

Por siempre amigos

Nada más lejano de eso que Little Men (me niego a usar el horrible título de la distribución en latinoamérica) que no encaja en ninguna de esas definiciones o grupos (que no son erróneos, aclaramos), pero si pensamos en otras definiciones (como la de Ángel Farreta: “la genialidad es cuando el azar tiende a cero”) podríamos hacer justicia al referirnos a esta pequeña película, donde, como dijimos, todo paso está predicho por uno igual de firme, donde las omisiones son exactas y no se cuenta nada que adorne pero a la vez no falta nada imprescindible, donde los detalles se dejan descubrir en el momento oportuno, como si toda su arquitectura fuera obra de un clasicismo en clave menor.

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Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

El cine del siglo XXI (2): La década en movimiento

No se trata de que toda evaluación de una obra deba ser hecha cuando recién hayan pasado unos años. Al contrario, la crítica debe ser un ejercicio que tiene que ver con el riesgo, con las sensaciones inmediatas que nos despierta una obra contemporánea cuando la vemos. Por otro lado, muchas obras logran valorarse gracias a los malentendidos que provocaron antes. Pero siempre debemos ser conscientes de que el paso del tiempo es un factor clave que retransforma obras, que puede volver obsoletas aquellas cosas que antes eran consideradas magistrales y por el contrario puede terminar exaltando aquellos relatos que se pensaban descartables. Si hoy pensamos que el cine de antes es infinitamente mejor que el de ahora es también porque las películas malas de ese tiempo fueron olvidadas y porque las mejores películas lograron traspasar las épocas.

Curso Análisis de Film

  Presentación del curso Muchas veces se ha dicho que lo más importante del arte es su forma. Sin embargo, pocas veces somos perfectamente conscientes de los recursos formales que un artista utiliza para narrar una película....

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