Estrenos

 Recientes

Parasite

Nueva lección que nos trajo Parasite: el mejor Bong, me atrevería a decir, es un Bong “de cámara”. Los efectos le pueden garpar, ya demostró que tiene pulso para controlar una superproducción, pero lo más original, lo más perturbador, lo más insidioso del cine de Bong Jong-ho suele venir en empaque pequeño: pocos personajes, tramas familiares, sótanos, perros, menudencias de la vida moderna que se ve percudida por lo más oscuro, lo más bajo, lo más nimio. Ahí está la cosa. Bong lo sabe y por eso en su regreso al prestigio (Cannes mediante) y, sobre todo, al cine, vuelve a ponernos frente a lo terrible que se esconde en un par de casas nomás. O, más precisamente, en el choque entre dos familias.

No Estrenos

 Recientes

Lucy in the Sky

El vacío del espacio se vuelve locura terrenal, porque la tierra está vacía de contenido para aquella persona que la observo desde un punto de vista que nadie lo hizo. Pertenecen a un club. Son unos pocos privilegiados, al mismo tiempo que unos pocos condenados. La tortura es tal que se ponen a observar una y otra vez la misión fallida de Challenger en la televisión. La sensación es de ambigüedad constante entre la grandeza inentendible y una locura irrefrenable.Para nosotros la sensación también es ambigua. Porque Lucy in the Sky no es para nada una película cómoda para los fanáticos de la categorización rapida de rottentomatoes. Es probable, de hecho, que viendo la película de Noah Hawley dentro de la misma escena haya diálogos que nos cautiven y la línea siguiente a esa todo se caiga por la borda cayendo en el melodrama más telenovelesco, para luego en otra línea volver a una simpleza poética, de nuevo, cautivante.

Festivales

 Recientes

#PostMarDelPlata2019 – (10): Liberté

En su última provocación, Serra se instala en el bosque y en la noche y vuelve a su amado siglo XVIII para seguir a un grupo de libertinos entregados a sus apetitos sexuales, corte sin rey a la cabeza, nobles de una aristocracia encendida y pavorosa, fantasmal. Sodomía, masoquismo, lluvias doradas y baños de esperma desfilan, sin agotar la lista. Barroca y arbitraria, confusa adrede, el deseo es un conejo inasible que circula ligero y azorado, aquí y allá. Canto a la noche improductiva, hay algo de desesperación en la urgencia de cada coito, en los latigazos, en el humor corrosivo que cada tanto asoma entre los pantalones caídos y las faldas alzadas –el recordatorio de que el sexo, en cualquiera de sus formas, puede adquirir una connotación metafísica porque antes supo sumergirse en el fangal del ridículo.

TV y Series

 Recientes

Fosse/Verdon

Fosse / Verdon es una biopic, si, pero no de las obvias. Es un reconocimiento a dos artistas únicos. Y en esa representación se puede leer una lectura contemporánea de las secuelas de ese Hollywood que se autodenominaba progresista, pero seguía las pautas del Hollywood más conservador. Y asi como en la superficie se postulan revoluciones, mucho de eso que observamos con espanto no cambió. Pero la serie no es sobre una agenda contemporénea. Es, fundamentalmente, la historia de un amor clásico que trasciende la política, la denuncia y a los personajes mismos. Vale la pena recordarlo y conocerlo, evitando ciertos clisés y explotando dignamente lugares comunes del género.

  • Cine Argentino
  • Entrevistas

El robo del siglo

Lo cierto es que donde mejor funciona El robo del siglo es en su aspecto más “profesional”, en cómo retrata el laburo de un grupo de tipos que detectan una oportunidad única, con un plan que se va construyendo progresivamente y revelándose ante los ojos de los espectadores a medida que avanza la trama. Es por esta vía que el film va desplegando con mayor efectividad sus distintas superficies, que incluyen dosis puntuales de comedia, la tensión mientras se van ejecutando las distintas fases del robo y el juego con el artificio dentro del artificio, la puesta en escena/engaño del hecho real aplicada a la materialidad cinematográfica. Lo contrario sucede cuando la película quiere construir un marco afectivo y moral que justifique a los protagonistas: tanto las líneas de diálogo que enuncia el cerebro detrás del golpe que interpreta Diego Peretti, explicando la necesidad de un equilibrio cuasi justiciero; como las escenas del profesional del robo que encarna Guillermo Francella con su hija, queriendo mostrar que la quiere a pesar de mentirle, lucen cuando menos forzadas y hasta culposas.

Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

  • Podcast
  • Crítica de la crítica

Por qué el cine de superhéroes es un éxito hoy y no lo fue antes? (parte III): perspectivas de futuro

Terminamos con nuestro podcast sobre el cine de superhéroes. Si el primero fue un período poco visitado (el cine de superhéroes entre 1992 y 2008) y el segundo segmento nos traía al nacimiento de lo que hoy por hoy se ha instalado como canon desde 2012, en esta salida hablamos de las perspectivas del género para los próximos cinco a diez años, es decir, cuando esta era dorada del género cumpla la mayoría de edad. Sobre la primer parte pueden escuchar (y ver) lo que dijimos en este link y sobre la segunda, escuchar en este otro link.

Bajada de línea y subordinación al partido

Normalmente cuando escribimos sobre una película escribimos por y para el lector, por y para nosotros mismos o por el simple hecho de entregarnos a la película misma, que a los efectos prácticos jamás podrá enterarse de nuestros intereses. A veces no nos damos cuenta y nos excedemos en la autoreferencialidad. En otras ocasiones tanta entrega al lector puede agobiar. La declaratoria de amor u odio a la película nos deja en un territorio más neutral. Pero también hay críticas cuyo destinatario no es ni el lector, ni uno mismo ni la película en si, sino una suerte de nosotros inclusivo, ante el cual la crítica funcionaría como validación de pertenencia.

  • Diario cinéfilo
  • Inactualidades

Adiós a Anna Karina

“Modelo. Su modo de ser interior. Único, inimitable”. Decía Bresson en sus Notas sobre el cinematógrafo (1975). Quizás Anna Karina represente como nadie el espíritu de aquel aforismo bressoniano. Porque Karina no actuaba, era más (mucho mas) que eso, era verdaderamente un icono en pantalla. Un icono humano si cabe la expresión. Un icono pansexual como quizás ninguna otra salvo Marlene Dietrich. Al punto de ser admirada tanto por hombres como por también por mujeres que se identificaban con su rebeldía juvenil y sus maneras tan peculiares que siguen suscitando admiración aún al día de hoy). Creadora de un estilo y un dialecto propio. Único, inimitable. Un manifiesto político (en pantalla) de como el cine es imagen viva. Godard encontró en ella a su musa perfecta y al amor de su vida. Condensarla en un rostro es totalmente injusto y un lugar común.

Reporte desde Corea del Sur (IV): The Surrogate woman

Al final me ganó el autorismo y terminé por ver otra película dirigida por Im Kwon-taek. En este caso, The Surrogate woman (Sibaji, 1987), una especie de The Handmaid’s Tale ambientada en la dinastía Joseon: el heredero de una familia noble está teniendo problemas para concebir un hijo varón que pueda continuar con la tradición familiar y, a pesar de que todo parecería andar bien entre marido y mujer, la abuela (matriarca del clan) y el tío del joven noble deciden tomar una medida más drástica: no corresponde que una buena familia confuciana introduzca concubinas en su casa, pero lo que hacen muchas familias es traer una mujer sustituta en secreto, para que engendre un heredero sin que nadie se entere. Al hombre en cuestión no lo convence la idea (cree, por ejemplo, que su mujer todavía puede quedar embarazada, aunque llevan diez años de matrimonio), pero termina por imponerse el deber. El tío parte en busca de la mujer adecuada y es así como llega a la “Aldea Vulva”: un pueblito alojado en un valle montañoso que parece una concha, en el cual viven mujeres sustitutas disponibles, junto con sus hijas (que las familias que las contrataron no quisieron porque no eran varones). Es así que descubrimos que lo que al principio parecía un secreto y una vergüenza es, en realidad, una práctica bastante institucionalizada. Como, al parecer, lo era aún en la Corea de la década del ’80, cuando Im decidió filmar este melodrama de época que hablaba de forma bastante explícita de un tema que aún atravesaba (¿y atraviesa?) a su país: la condición de las mujeres.

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  • Volver al Futuro

#DossierGray: Película por película

Finalmente nos dedicamos a reseñar cada uno de los largometrajes del indispensable cine de James Gray. Llegamos al final del camino y queríamos tomarnos el tiempo de pensar a todas sus películas juntas. Pero cuidado: esta entrada es extensa. Esperamos que lo disfruten tanto como nosotros disfrutamos escribirlo.

Cartero

Cartero procede, entonces, gracias a un estudio meticuloso de las obsesiones narrativas del NCA. Películas que mostraban al argentino de clase media, luchando el día a día, calladito sin levantar el rostro hasta que en algún momento explotaba todo, en un climax, a veces, un poco inverosímil, pero que simbolizaba un cambio de rumbo doble: el final de una época pero también un cambio en el modo de narrar. Y los críticos y cinéfilos aplaudíamos entonces, enceguecidos, por la novedad del recurso. Pero los últimos 5 minutos de Cartero no solamente son inverosímiles y abruptos, sino que además pecan de una cursilería ridícula y manipuladora, efectista, incluso para un film que apela a cierta nostalgia a la vez que critica valores y costumbres perdidas. Incluso, hay que atribuir que el film tiene buen ritmo y momentos atrapantes, y podría haber continuado tranquilamente durante media hora más, exprimiendo un poco más el comportamiento del protagonista con su obsesión. Era preferible eso antes que justificarlo de la forma más naif posible. Un giro narrativo forzado e innecesario, que demuestra la ausencia de una idea o concepto más allá del retrato formal o reconstrucción llena de matices de una época.

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El problema de la propaganda en el cine político argentino (I)

Nos gustaría comenzar a garabatear algunas ideas clave para pensar algunos problemas que se repiten en el cine argentino contemporáneo una y otra vez. Más específicamente en el cine político argentino contemporáneo. O al menos de 1983 a la fecha. El cine político argentino está obsesionado con un pasado selectivo. O con un presente selectivo. Construye discontinuidades históricas en vez de procesos en continuidad. Hace saltos selectivos lo suficientemente graves como para que la historia quede en suspenso y pueda ser fácilmente manipulada. Solo los procesos históricos, con sus idas y vueltas, con sus tiras y aflojes pueden dar cuenta de la situación cabal que una crítica política quiere efectuar. Por eso el cine político solo puede ser político en tanto respete esos parámetros. Si no lo hace y su horizonte está contra aquel que asume algún poder constituido entonces es cine de resistencia. Si por el contrario el discurso es desde el interior del poder constituido, es propaganda lisa y llana.Habría que preguntarse, entonces, frente a estas características, que rol asumió el cine argentino en los 37 años de democracia. Acá podrán leer la primer parte de varias entregas en un intento por responderse esa pregunta: en qué se convirtió en cine político argentino a lo largo de estos casi 40 años?

Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Trouble Every Day

La décima cuarta película que vimos y trabajamos fue una película notable, que tuvo, increíblemente, estreno local sin demasiada suerte. Por motivos que desconocemos la elección del título de estreno, Sangre Canibal, tampoco ayudó demasiado. Sea como fuere, su directora Claire Denis merece nuestro detenimiento en su rica obra. Y Trouble Every Day es una obra maestra que no podíamos dejar afuera.

  • Lost & Found
  • Cero en conducta

The witchfinder general (Michael Reeves, 1968)

A lo largo de la década del 60 pocos actores hubo que trabajaran de manera tan incansable para redefinir las reglas y posibilidades de un género. Uno de ellos fue Vincent Price, quien no conforme con construir una carrera que redefiniera los arquetipos del terror post-clásico, también participó en los cambios de estilo y forma. En esta dirección de cosas The witchfinder general es una perfecta película de transición. Y es que ahí en donde el terror empezaba a desarrollar un veloz proceso de modernización (recordemos que en 1968 fueron concebidas tanto El bebé de Rosemary como La noche de los muertos vivos) otras películas ejecutaban silenciosas transiciones, en mayor medida en manos de artesanos competentes.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

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