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La omisión

Se quiso ver a la película de Sebastián Schjaer como continuadora de una tradición del cine contemporáneo, que en el caso particular se concentra en el cine de los hermanos Dardenne. Pero a diferencia del cine de aquellos, en donde los dilemas éticos son un eje organizador, en La omisión no hay tal dilema sino una expectativa de dilema, una expectativa de respuesta. En este sentido estamos ante una película rabiosamente contemporánea: nada de lo que la protagonista (interpretada por Sofía Brito) haga nos brinda herramientas para saber quién es en el fondo, por qué hace lo que hace, por qué decide lo que decide. Sabemos que hay  una elección, pero no sabemos qué es lo que la sustenta. Por eso en esta película toda elección es menos una conciencia del mundo que rodea a la protagonista que la apertura hacia un nuevo enigma

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Calibre

¿Dónde está la falla? Al igual que en las series, si le quitamos el argumento (o primera historia), no queda nada. Los recursos formales del debutante director son más bien limitados: sólo cuenta con la palabra, que en esta película no sirve para otra cosa que para relatar lo evidente, por lo tanto, es redundante. Y aquí viene el problema mayor: podríamos ver Calibre eliminando el 90% de los diálogos y no nos perderíamos de nada. El lenguaje formal, por lo tanto, se convierte en un accesorio, como si estuviéramos frente a una de esas viejas sitcom donde todo el entramado audiovisual quedara supeditado a lo que los personajes verbalizan.

Festivales

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#PostBafici – (15): As boas maneiras

El cuento de hadas que narra As boas maneiras se apoya sobre un sobreentendido y un conocimiento preciso del mito del hombre lobo, a partir del cual se apoya para construir derivaciones menos previsibles y tradicionales. En el coqueteo con los géneros populares, la película solo se vale de lo necesario. Y rodea a ese verosímil de una coraza urbana que, a primera vista, podría entenderse como deslegitimadora del verosímil del fantástico. Por eso es interesante no lo que la película respeta respecto de la iconografía y representación sino como se vale de ese verosímil para producir desplazamientos de sentido hacia territorios y entornos espaciales que difícilmente puedan tolerar esa convivencia (y que sin embargo la película hace posible, como si en alguna medida el mito se inyectara en un tiempo y un espacio refractario a estos).

TV y Series

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#Diálogos: 13 Reasons Why – Temporada 02

Dos de los mas arriesgados redactores de esta revista decidieron adentrarse, morbo de por medio, en la segunda temporada de una serie que con su primer temporada los había dejado bastante asqueados. Asi y todo los muchachos decidieron dar rienda suelta a su pérdida de tiempo y se dedicaron a bucear en la segunda temporada en cuestión. Lo notable es que cuanto más pensaban en la serie, más venía a la mente la tv argentina berreta. Indirectamente, 13 Reasons Why S02 los llevó de vuelta a estas pampas. Cosas que pasan cuando el lenguaje del morbo y el explotation es igual en cualquier punto del orbe.

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La omisión

Se quiso ver a la película de Sebastián Schjaer como continuadora de una tradición del cine contemporáneo, que en el caso particular se concentra en el cine de los hermanos Dardenne. Pero a diferencia del cine de aquellos, en donde los dilemas éticos son un eje organizador, en La omisión no hay tal dilema sino una expectativa de dilema, una expectativa de respuesta. En este sentido estamos ante una película rabiosamente contemporánea: nada de lo que la protagonista (interpretada por Sofía Brito) haga nos brinda herramientas para saber quién es en el fondo, por qué hace lo que hace, por qué decide lo que decide. Sabemos que hay  una elección, pero no sabemos qué es lo que la sustenta. Por eso en esta película toda elección es menos una conciencia del mundo que rodea a la protagonista que la apertura hacia un nuevo enigma

#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream

Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.

Entrevista a José Celestino Campusano, director de El azote

A lo largo de 12 años, José Celestino Campusano ha construido una carrera cinematográfica prolífica, notable, con temática propia, identidad, preocupación social. Ha construido un cine con estilo, un cine de autor que se diferencia de cualquier otro director argentino. Campusano acaba de estrenar El azote, su penúltima producción íntegramente rodada en Bariloche y en la que su protagonista, Carlos, alias El murciélago -interpretado por Kiran Sharbis- es un asistente social que debe luchar paralelamente con los conflictos cotidianos de chicos con problemas de adicciones, marginalidad y violencia, y a la vez asumir los compromisos de su vida privada con su entorno familiar.

Crítica de la crítica (2): Respuesta al texto sobre Francotirador, de Roger Koza

La historia es mas o menos larga y mas o menos feliz. Hace un par de años, con motivo del estreno tardío de Francotirador (Clint Eastwood, 2014) tuvimos un intercambio de opiniones en el blog del colega Roger Koza. En este link  van a poder leer el intercambio original. Por una de esas cosas que suceden con la tecnología, ese año y en esa semana de intercambios murió mi computadora y con ella mi extensa respuesta a Roger. Pasados los años y con computadora nueva, haciendo limpieza de archivos, encontré la respuesta que nunca llegué a enviarle. Y si bien la película ya está fuera de cartel creo que el peso de lo que discutimos sigue teniendo cierta vigencia (incluso a la luz del estreno de películas como Dunkerque este año y de la publicación del dossier bélico que llevamos a cabo en julio de este año). Lo que les dejo aquí abajo son las capturas de pantalla de aquella discusión, derivada del texto del link. Y la que está debajo de estas capturas es mi respuesta...casi 23 meses después. Naturalmente, como hacemos en esta sección, invitamos a Roger Koza, su autor, a responder.

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The Devil and Father Amorth

El documental The Devil and Father Amorth viene a redondear un ciclo creativo en un espíritu de justa reivindicación. William Friedkin lo dirige con apenas un par de cámaras digitales y un aliento de veterano deconstructor de sus juguetes ópticos, cual Orson Welles de F for Fake. Vuelve así a propinarle un cachetazo al Hollywood millenial que lo excluye y lo considera un paria irreparable.

Rescate en Entebbe

Rescate en Entebbe presenta, nuevamente, un problema endémico para el cine político contemporáneo: la equidistancia. Veamos: el líder de una organización terrorista es retratado casi como un chico confundido, por un lado; a su vez el primer ministro israelí es presentado como un tipo blando sin personalidad, por citar apenas dos ejemplos. Eso que podría parecer un posicionamiento "respetuoso" no es mas que una falsa ecuanimidad. El problema aquí es que no sabemos si estos acabados responden a una decisión de parte de Padilha (algo que sería extraño), si es fruto de su temor a ser señalado políticamente (algo que sería probable). O peor aún, si se trata de la vieja y querida pereza intelectual (lo que quizás termine siendo).

#DossierChauAutores (8): Los primeros años

A todos estos cortos que podrían ir de 1895 a 1910 (fecha de todos modos aproximada, ya que hay cortos de cine hechos algunos años antes y otros de estas características hechos un tiempo después) me gusta agruparlos cariñosamente en un período al que denomino balbuceante, en tanto y en cuanto era un cine que estaba recién encontrando sus primeras formas de expresión y lenguaje, probando a cada momento nuevas técnicas y nuevas maneras de experimentar con la imagen. Con esto no quiero decir que haya en este cine algo necesariamente inferior a lo que va a venir después. Si vamos al caso, a veces cosas dichas con balbuceos pueden suscitar más interés  y encerrar más inteligencia que algo expresado en un lenguaje ya perfectamente determinado y establecido.

Invasión

Por decirlo de una manera sencilla, en Invasión hay un grupo de resistentes, hay un líder burocrático y dueño de una moral dudosa que es Don Porfirio, y una suerte de resistente estrella interpretado de manera magistral y con una presencia cinematográfica infinita por Lautaro Murúa. Sabemos que varios de ellos están dispuestos a morir por la causa, sabemos que se enfrentan a una fuerza que es mayor a la de ellos, sabemos que hay complots y espías, y persecuciones. Y sin embargo hay algo que no sabemos: que es lo que quieren los invasores y quien es su líder.

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Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

El cine del siglo XXI (3): Concentrar o morir

Hollywood no tenía en los videoclubes una sección propia, no decían que vayas a buscar películas norteamericanas, lo norteamericano era sinónimo de lo cinematográfico. Hollywood logró de alguna manera eso, normalizar que su cine no necesite presentación del país. El logro no es menor si lo tomamos desde el punto de vista del marketing. Por ejemplo se sabe que uno de los mayores logros que puede tener la publicidad (si no el mayor) es que se logre identificar un objeto X con el nombre de un producto. Que llamemos a la gaseosa “Coca”, o “chicles” (derivado de la marca Chiclet’s) a la goma de mascar, o que por ejemplo en Estados Unidos se utilice muchas veces el término “Xeroxing”(por la marca de fotocopiadora Xerox) en vez de fotocopiar. Hollywood logró de alguna manera eso, normalizar que su cine no necesite presentación del país; que si hablamos de dramas, comedias románticas, o películas de terror hollywoodenses no necesitemos decir que son de Hollywood.

Curso Análisis de Film

  Presentación del curso Muchas veces se ha dicho que lo más importante del arte es su forma. Sin embargo, pocas veces somos perfectamente conscientes de los recursos formales que un artista utiliza para narrar una película....

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