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La misma sangre

La misma sangre, como si se tratara de una versión local de una de esas películas cerebrales de Francois Ozon, se sustenta sobre la operatoria de una mirada ajena y que no comprende la dinámica y la(s) interna(s) de una familia que no es la propia. Esa mirada convierte a un hecho fortuito (un accidente), una tensión previa e instalada (un matrimonio en proceso de separación) y un parentesco incuestionable (la relación de la hija con sus padres) en un problema criminal. Es decir: la extranjería de la mirada es la única capaz de construir un crimen y una mirada policial ahí donde no la hay.

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    Isn’t It Romantic

    Si algo tiene de noble Isn't it Romantic es justo eso: su capacidad de ver que la felicidad como norma no pertenece al terreno de la ficción ni de los artificios, sino a la tiranía de la vida cotidiana, vivida como una constante de presiones interminables. El problema, a su vez, redunda en que el personaje que Wilson encarna no asume el punto de vista de la película. Y en esa disociación estratégica radica algo o buena parte de la pérdida del encanto de lo narrado.

      Festivales

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      Berlin 2019

      Esto ya se está tornando una costumbre. Año a año los sufrientes asistentes al Festival Internacional de Cine de Berlín se quejan de lo horrible e intolerable que es la edición. Cuando leemos la cobertura, vemos que ella se restringe casi únicamente a la sección oficial competitiva. Y así… el trabajo a reglamento, la falta de ganas, energía o real placer cinéfilo (quizás eso quedó perdido por algún lado, junto con la juventud) hace que, una vez instalada la cantinela, ella se repita, sin que se haya hecho el menor esfuerzo por buscar, aunque sea un poquito, más allá del corralito virtual que importa la Competencia Oficial. La experiencia es acotada y desabrida, pero también cómoda

        TV y Series

         Recientes

        After Life

        Lo de After life es, en buena medida, una confirmación de la vocación constante de Gervais por romper todo, pero a la vez de construir desde los escombros que quedaron luego de la destrucción. En sí, el planteo inicial es toda una declaración de principios: “es como tener un súper poder”, dice en un momento Tony (el mismo Gervais), quien luego de perder a su esposa ha pasado de ser un tipo indudablemente amable y amigable a un cínico absoluto, que despliega crecientes dosis de maldad contra todo y todos los que lo rodean.

          • Cine Argentino
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          La misma sangre

          La misma sangre, como si se tratara de una versión local de una de esas películas cerebrales de Francois Ozon, se sustenta sobre la operatoria de una mirada ajena y que no comprende la dinámica y la(s) interna(s) de una familia que no es la propia. Esa mirada convierte a un hecho fortuito (un accidente), una tensión previa e instalada (un matrimonio en proceso de separación) y un parentesco incuestionable (la relación de la hija con sus padres) en un problema criminal. Es decir: la extranjería de la mirada es la única capaz de construir un crimen y una mirada policial ahí donde no la hay.

            Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

            María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

              • Ciclos
              • Crítica de la crítica

              Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Golpe al corazón

              La quinta película (y primera del segundo mes) que vimos y trabajamos fue la película maldita por excelencia en la carrera de un director. En este caso el director es Francis Coppola y su película maldita no es otra que la gran Golpe al corazón (1982). En nuestro segundo mes de cineclub el tema que se impone es el de los géneros (de todo tipo y forma). Pero nosotros nos sentamos a pensar por qué esta película se propuso ser un musical melancólico en una época en la que los musicales estaban muriendo.

                Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

                En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

                  • Diario cinéfilo
                  • Inactualidades

                  Una despedida a Nicolas Roeg, una vuelta a Venecia Rojo Shocking

                  Nicolas Roeg hizo varias películas estupendas al comienzo de su carrera: Performance (1970), que codirigió con Donald Cammell, un thriller delirante y lisérgico protagonizado por Mick Jagger (y con un insólito cameo de Jorge Luis Borges), la aventura mítica australiana Walkabout, y El hombre que cayó a la tierra (The man who fell to Earth, 1976), con David Bowie encarnando al alienígena protagónico (segundo rockstar convocado por Roeg, ya que para Contratiempo–Bad timing, de 1980- elegiría para el papel principal al cantante a Art Garfunkel). Después, su carrera se iría diluyendo en la medianía, con resultados más bien decepcionantes y varias producciones televisivas.

                    El último bolchevique

                    Estructurado a partir de una correspondencia imaginaria, la de Marker hacia el propio Medvedkin, punteado por fechas históricas más o menos reconocibles, 1917, 1922, 1930, 1945, y dividido por dos momentos, “El reino de las sombras” y “Las sombras del reino”, cuya dialéctica traspasa imaginativamente todo el film. El último bolchevique, por ponerlo en términos cinéticos, y no sólo literalmente, conmueve.

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                      • Volver al Futuro

                        La desaparición

                        Apoyado en un conjunto de actores notables, en la ausencia de música incidental y con el plano secuencia como principal estandarte formal, el cine rumano supo evitar desde entonces, gracias al antídoto de la aridez y a la ausencia de énfasis, la tentación del costumbrismo. Pero, nuevamente, si hay algo que destaca y que atraviesa este conjunto de películas es el clima ominoso, angustiado y angustiante, desesperanzado, de una Rumania que parece nunca terminar de sacarse de encima la sombra terrible de Ceausescu, el dictador que durante más de veinte años manejó con recelo extremo los destinos del país.

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                          Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Golpe al corazón

                          La quinta película (y primera del segundo mes) que vimos y trabajamos fue la película maldita por excelencia en la carrera de un director. En este caso el director es Francis Coppola y su película maldita no es otra que la gran Golpe al corazón (1982). En nuestro segundo mes de cineclub el tema que se impone es el de los géneros (de todo tipo y forma). Pero nosotros nos sentamos a pensar por qué esta película se propuso ser un musical melancólico en una época en la que los musicales estaban muriendo.

                            El detalle significante

                            ¿Qué es lo que señala Pagés con los zapatos de Otto Preminger? Algo muy habitual en el cine clásico y que escasea en la actualidad: el detalle significante. En el cine no existen los significados a priori. Todos los elementos de la puesta en escena van adquiriendo sentido en la medida que se relacionan con el contexto.

                              • Lost & Found
                              • Cero en conducta

                              Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

                              Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

                                Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

                                Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

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