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Sueño Florianópolis
Hay algo en el tono, en el ritmo y en los breves silencios en el decir de Ana Katz que impregna toda su obra como directora de cine. Un pequeño delay antes de cada afirmación, un momento que se toma para pensar realmente cada respuesta, evidencian una actitud vital siempre dispuesta al asombro, al descubrimiento; una renuncia consciente a todo tipo de preconceptos (propios o ajenos). Ese desprejuicio humanista, esa predisposición a la más absoluta libertad de pensamiento nos habla de una artista inteligente y sensible.
No Estrenos
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Bandersnatch y Charlie Brooker
Charlie Brooker toma la posta dejada por Serling y recrea en Black mirror el lema inicial que se repetía al inicio de The twilight zone: Todo es posible en el reinado de la mente, todo es posible en la Dimensión desconocida. Brooker encontró la punta del ovillo. Los mundos narrados en Black mirror son como el nuestro pero en general tienen un poco más de tecnología. Un plus que parece un avance, pero que en realidad se vuelve contra los personajes para destruirlos.
Festivales
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#PostMarDelPlata2018 – (2): Vendrán lluvias suaves
Uno de los aspectos mas interesantes de la película de Fund es el modo en el que logra articular los dos registros, habilitando de esta manera una doble lectura. O la versión bucólica y figurativa de un grupo de niños aprovechando la hora de la siesta. O la versión en clave terrorífica, en donde un pueblo ha sido afectado por una clase de ataque que mantiene a los adultos en estado de sueño y en donde los niños deben sobrevivir sin la presencia de los primeros. De ahí que esta combinatoria saque lo mejor de cada uno de esos mundos.
TV y Series
Recientes
El proyecto Williamson
Sin vigilancia y sin castigo reina el caos, reza leviathanicamente el aire que rodea el pequeño poblado de pesadilla en donde suceden los hechos que atraviesan la trama central de El proyecto Williamson, que si bien circunscribe los hechos a un pueblo, a una localidad en particular en realidad hace extensiva la pesadilla a otros estados y otras localidades americanas. En definitiva ese pueblito que acusa, que mira y que encierra a sus ciudadanos está en uno y muchos lados a la vez.
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Sueño Florianópolis
Hay algo en el tono, en el ritmo y en los breves silencios en el decir de Ana Katz que impregna toda su obra como directora de cine. Un pequeño delay antes de cada afirmación, un momento que se toma para pensar realmente cada respuesta, evidencian una actitud vital siempre dispuesta al asombro, al descubrimiento; una renuncia consciente a todo tipo de preconceptos (propios o ajenos). Ese desprejuicio humanista, esa predisposición a la más absoluta libertad de pensamiento nos habla de una artista inteligente y sensible.
#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream
Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.
Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida
María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.
Algunas observaciones sobre la crítica ideológica
En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público. Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.
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Una despedida a Nicolas Roeg, una vuelta a Venecia Rojo Shocking
Nicolas Roeg hizo varias películas estupendas al comienzo de su carrera: Performance (1970), que codirigió con Donald Cammell, un thriller delirante y lisérgico protagonizado por Mick Jagger (y con un insólito cameo de Jorge Luis Borges), la aventura mítica australiana Walkabout, y El hombre que cayó a la tierra (The man who fell to Earth, 1976), con David Bowie encarnando al alienígena protagónico (segundo rockstar convocado por Roeg, ya que para Contratiempo–Bad timing, de 1980- elegiría para el papel principal al cantante a Art Garfunkel). Después, su carrera se iría diluyendo en la medianía, con resultados más bien decepcionantes y varias producciones televisivas.
La desaparición
Apoyado en un conjunto de actores notables, en la ausencia de música incidental y con el plano secuencia como principal estandarte formal, el cine rumano supo evitar desde entonces, gracias al antídoto de la aridez y a la ausencia de énfasis, la tentación del costumbrismo. Pero, nuevamente, si hay algo que destaca y que atraviesa este conjunto de películas es el clima ominoso, angustiado y angustiante, desesperanzado, de una Rumania que parece nunca terminar de sacarse de encima la sombra terrible de Ceausescu, el dictador que durante más de veinte años manejó con recelo extremo los destinos del país.
#DossierTerrorPP – (13): ArTerror
Llegamos al final del camino? En parte si. O al menos por ahora. El punto ya no es todo lo que recorrimos, sino cómo los distintos afluentes fueron planteando alternativas distintas a las que quizás ya conocemos en torno al género. Pero ese no es el punto siquiera. El punto al que llegamos acá nos obliga a preguntarnos: qué puede estar pasando con el terror actualmente? Es posible que pasen muchas más cosas de las que vamos a plantear aquí. Pero no son las cosas sobre las que vayamos a hablar ahora. Lo que nos interesa es una vertiente en el género que se está haciendo cada vez más marcada, más pronunciada y que, inevitablemente, genera nuevos nichos de consumo, porque la novedad con esta última moda del terror es que el género parece quedar cada vez más atrás, cada vez más desdibujado.
También los enanos comenzaron pequeños
Aquello que está encerrado en y entre los planos de También los enanos comenzaron pequeños, lo que se nos revela desde el absurdo de una situación extraordinaria filmada casi cuatro décadas atrás, es el tema, la obsesión fundante de Werner Herzog desde siempre: los ilimitados límites de nuestra (humana) razón civilizatoria ante la permeabilidad fronteriza de la sinrazón (humana) de la natura.
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Algunas ideas en torno al cine de Claire Denis
Estos films transversales permiten dimensionar claramente el continuum histórico y temático de toda la obra de Denis: es como si ellos lo acentuaran y a la vez permitieran no clausurarlo en una seductora melancolía o en una furiosa denuncia, sino más bien expandirlo, arrastrando todo el peso de lo vivido en una suerte de rabiosa fuga hacia cualquier lugar. Pero si hay algún horizonte en el cine de Denis este no es, ciertamente, uno redentor sino más bien la constatación de su imposibilidad para serlo, sólo utilizado didácticamente para ejemplificar la división del mundo entre negros y blancos por el padre de una pequeña niña cuya cotidianeidad es vivir precisamente en ambos, o funcionando por unos instantes como una ruta a transitar sin ningún destino, o señalando inequívocamente la línea de una finitud propia y ajena.
Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)
Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.
Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre
Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.
Curso abierto Wes Anderson. Clase 4. Rushmore, Los Excéntricos Tenenbaum, Moonrise Kingdom
Seguimos con el curso abierto de Wes Anderson. Este es el cuarto posteo. Habiendo sido el primero primero este, el segundo este y el tercero este. Aquí nos ocupamos de tres películas y sus musicalizaciones. Posteo feliz que será el previo a un próximo posteo, llamado paradójica y tristemente "Muerte".
