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Vox Lux: El precio de la fama

Vox Lux hace piruetas en el aire muchas veces, varias. Cuando funcionan, nos distraemos, como si fuéramos perritos valientes mirando los fuegos artificiales. Pero ese es el segundo de sus problemas: tampoco sabe ni tiene con qué sostener ese sistema de traición de las expectativas. Sencillamente porque su sistema narrativo parece riesgoso, pero lo único que hace es revelarse como un artefacto histérico: ni tradición ni ruptura pueden sustentarse . Lo único que queda es un movimiento en loop sobre el vacío mismo .

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     Recientes

    Free solo 

    Lo de Free solo es en buena medida un relato de crecimiento, en el que Honnold debe hacerse cargo no solo de sus miedos, de ese abismo que lo rodea cuando escala una montaña, sino también de lo que puede llegar a sentir por otras personas, y de cómo su presencia o potencial ausencia afecta a quienes lo rodean.

      Festivales

       Recientes

      Bafici 2019 – Diario de festival (6)

      ¿Qué hace esa copa ahí? ¿Por qué nos obligan a mirarla? ¿Cuáles fueron los caminos del capricho que llevaron a esa pequeña y recóndita copa a la superficie de una pantalla en el 21 edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente para que la viéramos ahí paradita, esperando la pobre a que alguien se terminara ese fondo? ¿Viene a decir algo? ¿Aporta siquiera una asociación de algo?

        TV y Series

         Recientes

        After Life

        Lo de After life es, en buena medida, una confirmación de la vocación constante de Gervais por romper todo, pero a la vez de construir desde los escombros que quedaron luego de la destrucción. En sí, el planteo inicial es toda una declaración de principios: “es como tener un súper poder”, dice en un momento Tony (el mismo Gervais), quien luego de perder a su esposa ha pasado de ser un tipo indudablemente amable y amigable a un cínico absoluto, que despliega crecientes dosis de maldad contra todo y todos los que lo rodean.

          • Cine Argentino
          • Entrevistas

          La misma sangre

          La misma sangre, como si se tratara de una versión local de una de esas películas cerebrales de Francois Ozon, se sustenta sobre la operatoria de una mirada ajena y que no comprende la dinámica y la(s) interna(s) de una familia que no es la propia. Esa mirada convierte a un hecho fortuito (un accidente), una tensión previa e instalada (un matrimonio en proceso de separación) y un parentesco incuestionable (la relación de la hija con sus padres) en un problema criminal. Es decir: la extranjería de la mirada es la única capaz de construir un crimen y una mirada policial ahí donde no la hay.

            Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

            María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

              • Ciclos
              • Crítica de la crítica

              Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Vestida para matar

              La novena película que vimos y trabajamos fue la imperecedera Vestida para matar. En nuestro tercer mes de cineclub el tema que se impone es el de los géneros (de todo tipo y forma). Pero en este caso lo tomamos desde otro lado: el género como autopercepción, el género como problema narrativo y las tensiones en el interior del mismo. Sumado a eso, qué sucede cuando los géneros son abordados desde la más plena de las parodias.

                Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

                En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

                  • Diario cinéfilo
                  • Inactualidades

                  Algunos problemitas de traducción

                  La traducción de un idioma a otro siempre es problemática y más aún si de eso depende la afluencia del público a las salas de cine. Más que traslación, siempre se ha hecho una adaptación del original a la idiosincrasia local y, la mayoría de las veces, es un invento liso y llano del distribuidor que tira un anzuelo para capturar espectadores incautos. En el arte de titular ha habido de todo, desde visionarios cargados de inspiración, mercachifles irrespetuosos y sanateros muy graciosos.

                    El último bolchevique

                    Estructurado a partir de una correspondencia imaginaria, la de Marker hacia el propio Medvedkin, punteado por fechas históricas más o menos reconocibles, 1917, 1922, 1930, 1945, y dividido por dos momentos, “El reino de las sombras” y “Las sombras del reino”, cuya dialéctica traspasa imaginativamente todo el film. El último bolchevique, por ponerlo en términos cinéticos, y no sólo literalmente, conmueve.

                      • Dossiers
                      • Volver al Futuro

                        Algunas ideas pendientes acerca de Glass

                        Una interpretación rapidita, con fritas, comenzaría y terminaría con las mismas dos preguntas que planteaban "X-Men" y "Los increíbles": 1) En este mundo que invita a festejar la diferencia y a la vez es alérgico a las jerarquías ¿tengo derecho a ser especial y a decirle mi verdad al mundo? Al extremo: ¿hasta dónde es aceptable la individualidad?; 2) ¿Qué mundo es mejor: el escenario de los enfrentamientos de estos destacados individuos, héroes y villanos, o la apacible utopía horizontal? Como sea que se respondan ambas preguntas, la emergencia de lo individual es inevitable, aun contra las peores circunstancias.

                          • Otros espacios
                          • Cursos

                          La economía eastwoodiana

                          Si hay algo fascinante del cine de Clint es esa engañosa y extraordinaria simplicidad. Todo ocurre en una superficie anecdótica, cotidiana, habitada por dramas modestos que no necesitan ser puntuados o apuntalados por algún inconsciente musical wagneriano. Conflictos personales que a simple vista no llegan a hacer olas en la trama de la vida de nadie más allá de la familia. Pero en este gesto tan despojado, casi chejoviano, está el proyecto de una forma muy personal y lograda de realismo basada una concepción profundamente humanista de la vida. Ese humanismo se manifiesta en La mula en varios frentes.

                            Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Vestida para matar

                            La novena película que vimos y trabajamos fue la imperecedera Vestida para matar. En nuestro tercer mes de cineclub el tema que se impone es el de los géneros (de todo tipo y forma). Pero en este caso lo tomamos desde otro lado: el género como autopercepción, el género como problema narrativo y las tensiones en el interior del mismo. Sumado a eso, qué sucede cuando los géneros son abordados desde la más plena de las parodias.

                              • Lost & Found
                              • Cero en conducta

                              Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

                              Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

                                Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

                                Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

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