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Nace una estrella
Quizás no se trate de una simple casualidad que Bradley Cooper haya elegido para su debut en la dirección un proyecto que antes había sido considerado por Clint Eastwood, quien lo había dirigido en Francotirador. La puesta en escena de su versión de Nace una estrella se construye casi como una declaración de principios, una reivindicación del clasicismo y la necesidad –en tiempos marcados por el cinismo- de rescatar historias transitadas numerosas veces, en pos de hallar los elementos que las hacen actuales.
No Estrenos
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A fabrica de nada
El director opta acertadamente por la decisión formal de hibridar la ficción con el documental, lo cual se hace evidente en el tono empleado, que acerca su cine al de los hermanos Dardenne de Dos días, una noche (Deux jours, une nuit, 2014) y también con entrevistas a cámara en plano fijo donde algunos trabajadores den cuenta de su experiencia (mostrando así la inclusión de actores no formales en el elenco). Al incluir la figura del hombre que se sitúa a la vez como un intelectual que los ayudará a organizarse y también como una suerte de director de una película que los aliente a producir parlamentos interesantes sobre su vida y que los guie en los cuadros musicales, Pinho hace evidente el artificio que implica la intervención del cine sobre la realidad.
Festivales
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Toronto 2018 – Diario de festival (2)
Nuestro segundo enviado especial nos cuenta de su experiencia en Toronto, lo que se dice un debut. Como buen cinéfilo receloso decide apartarse de ciertos oropeles presivibles y bucear en las alternativas que ofrece el festival canadiense. Segundo diario torontés (no, el torrontés es otra cosa) de Perro Blanco a tierras del norte (curiosamente el torrontés es una especialidad del norte...argentino, en fin). Pasen y lean. Aprovechen que no todas las revistas pueden darse estos lujos.
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La casa de las flores
Se habló mucho últimamente de La Casa de las Flores. De la familia de la Mora, del papel protagónico de Verónica Castro haciendo de Virginia, del personaje de Paulina y su extraña manera de hablar, de que fue furor en México y otros varios países de habla hispana. Tal fue su éxito que algunos lo han comparado con La Casa de Papel, aún cuando los dos productos son exactamente opuestos. Si La Casa de Papel es una telenovela de las cinco de la tarde disfrazada de relato de robos cool y hasta con contenido político, La Casa de las flores es un producto sofisticado, genuinamente refinado desde lo visual, pero disfrazado de telenovela de las cinco de la tarde.
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El Potro: lo mejor del amor
Quizás todos estos sean los momentos donde la película alcanza los mayores grados de interés, donde observamos como decisión de Muñoz, algo que se sale de la enumeración de hechos de una vida. Y acá está, creo yo, el gran problema de El Potro, lo mejor del amor: su obsesiva necesidad de contarlo todo (pero de tanto abarcar termina apretando poco), de pasar de un tema al otro con una velocidad pasmosa. Ni más ni menos que un Biopic del cantante cuartetero que resume lo que a grandes rasgos sabemos de su vida: que tuvo una fama abrupta e imparable, que tenía una madre excéntrica, que fue novio de Marixa Balli, que llenó varios Luna Park, y finalmente que falleció en un choque de autos a una edad temprana
#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream
Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.
Entrevista a Ezequiel Fernández, autor de Esto es la guerra, pibe
Por razones quizás demasiado complejas de explicar y demasiado dadas a especulaciones, el cine argentino nunca abordó demasiado la temática de la guerra de Malvinas. Cuando lo hizo, además, rara vez lo realizó con profundidad o siquiera buenas ideas. El libro de Ezequiel Fernández, Esto es la guerra, pibe es una forma de abordar esta temática preguntándose tanto por las características del cine bélico como el motivo por el cual el cine argentino nunca pudo abordar demasiado bien esta guerra histórica, ubicándola además en la lógica de un género con reglas propias. En esta entrevista hablamos con el autor, tanto de su libro como de esta problemática.
Algunas observaciones sobre la crítica ideológica
En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público. Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.
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The Devil and Father Amorth
El documental The Devil and Father Amorth viene a redondear un ciclo creativo en un espíritu de justa reivindicación. William Friedkin lo dirige con apenas un par de cámaras digitales y un aliento de veterano deconstructor de sus juguetes ópticos, cual Orson Welles de F for Fake. Vuelve así a propinarle un cachetazo al Hollywood millenial que lo excluye y lo considera un paria irreparable.
¡Te atrapé!
He hablado en más de una oportunidad (soy casi un especialista) sobre los problemas y el doble filo de las películas basadas en historias reales. Pues bien, ¡Te atrapé! elude todas estas trampas sin derramar una gota de sudor. Históricamente, Hollywood ha buscado inspiración en relatos ya creados, desde cuentos infantiles hasta tragedias reales. Es motivo de celebración que en esta ocasión se haya colado esta historia aparentemente absurda y chata, al menos en primera instancia, que no necesita ninguna clase de validación. Un aliciente para la tendencia de historias reales que tiranizan al cine con su dosis de importancia. Aquí no la hay.
#DossierChauAutores (8): Los primeros años
A todos estos cortos que podrían ir de 1895 a 1910 (fecha de todos modos aproximada, ya que hay cortos de cine hechos algunos años antes y otros de estas características hechos un tiempo después) me gusta agruparlos cariñosamente en un período al que denomino balbuceante, en tanto y en cuanto era un cine que estaba recién encontrando sus primeras formas de expresión y lenguaje, probando a cada momento nuevas técnicas y nuevas maneras de experimentar con la imagen. Con esto no quiero decir que haya en este cine algo necesariamente inferior a lo que va a venir después. Si vamos al caso, a veces cosas dichas con balbuceos pueden suscitar más interés y encerrar más inteligencia que algo expresado en un lenguaje ya perfectamente determinado y establecido.
Palabra y utopía
Tal vez haya habido hasta aquí muy pocos cineastas verdaderamente preocupados por la historia. Uno de ellos es, sin lugar a dudas, el portugués Manuel de Oliveira. Aun sin saber nada de él, aun sin haber visto ninguno de sus más de sesenta films, Palabra y utopía nos lo demuestra, claramente. Pero ¿por qué la historia permea íntegramente el film de Oliveira? ¿Qué podemos ver en él? Y lo más importante: ¿cuáles son las elecciones formales que nos permiten acceder a esta preocupación del director? Porque aun cuando el film recorra más de medio siglo de la vida activa del sacerdote jesuita Antonio Vieira, aquello que lo estructura, en términos narrativos, excede una gesta individual y nos sitúa en el contradiscurso de la justificación de la conquista. Y también un tanto más allá de esto.
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Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)
Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.
Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre
Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.
El cine del siglo XXI (5): ¿Qué hay de nuevo, viejo?
Fue y sigue siendo un fenómeno raro y feliz el NCA y su nacimiento no tuvo poco de épico. Se inició en un momento industrialmente paupérrimo: años en los que se hacían menos de diez películas argentinas al año y en que muchos de esos largometrajes no rozaban ni lo decoroso. Era un cine nacional que se repartía entre la “comedia picaresca infantil” -suerte de aberración en la que se mezclaban planos de culos de chicas en bikini, humor de cuarta y una impericia increíble para filmar hasta el más rudimentario de los diálogos- y películas más “serias” cuya estética y contenido eran más que nada los de un cine artificial, “for export”, donde los estereotipos más gastados del porteño estaban a la orden del día.
Curso Análisis de Film
Presentación del curso Muchas veces se ha dicho que lo más importante del arte es su forma. Sin embargo, pocas veces somos perfectamente conscientes de los recursos formales que un artista utiliza para narrar una película....
