Estrenos

 Recientes

Halloween

La franquicia, según sus creadores, necesitaba de aire fresco para celebrar los 40 años de la película original en un remake absolutamente metalinguístico. Y si bien la película original de Carpenter ya funcionaba como un cúmulo de referencias al género subvertidas a finales de los setenta, el film de David Gordon Green propone un ejercicio de puesta en abismo, de inception de los personajes y los tropos explotados por la saga de Michael Myers en pleno delirio social, urbano y geopolítico del siglo XXI.

No Estrenos

 Recientes

American Animals

En definitiva, la obsesión por destacarse, por salvarse, la obsesión por no ser un bobo más dentro del sistema permite entrever más allá del contorno de American Animals una idea mucho más simple, que la vincula indirectamente con otra película sobre la amistad y el temor al mundo adulto real, que es Superbad, en la que los amigos, el grupo, el código común es lo que salva de la mediocridad, es lo que hace sentir a la gente parte de algo.

Festivales

 Recientes

Toronto 2018 – Diario de festival (2)

Nuestro segundo enviado especial nos cuenta de su experiencia en Toronto, lo que se dice un debut. Como buen cinéfilo receloso decide apartarse de ciertos oropeles presivibles y bucear en las alternativas que ofrece el festival canadiense. Segundo diario torontés (no, el torrontés es otra cosa) de Perro Blanco a tierras del norte (curiosamente el torrontés es una especialidad del norte...argentino, en fin). Pasen y lean. Aprovechen que no todas las revistas pueden darse estos lujos.

TV y Series

 Recientes

Altered Carbon

Que más le podemos pedir al cyberpunk a esta altura? Entre Blade Runner y Akira poco menos que está todo dicho. Curiosamente, el cyberpunk nació como una visión del futuro, pero es de los géneros que más se niega a soltar el pasado. Devino un género nostálgico, justo en el momento en donde el mundo real más se acerca a esa visión del futuro llena de corrupción corporativa, luces de neón y desigualdad social. Altered Carbon, una serie que pasó un poco sin pena ni gloria por la plataforma Netflix, acaso por estrenarse al mismo tiempo que The Cloverfield Paradox en el medio de un gimmick de marketing, ni siquiera se molesta en plantear una alternativa al diseño de arte a lo Blade Runner/Akira.

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Familia sumergida

En Familia sumergida lo fantasmal se hace tangible, lo extraño se vuelve habitual y lo que antes era cotidiano pasa a ser una entidad extraña. Y si el posicionamiento de Alché –que se apoya en buena medida en una actuación sobresaliente de Morán- se da desde lo subjetivo, esa subjetividad difusa (que en momentos puntuales se permite un corrimiento hacia la mirada del otro, como en la escena donde Marcela se larga a llorar frente a uno de sus hijos) habilita también una mirada sobre la institución familiar como una instancia que puede ser un refugio, pero también una prisión o un mecanismo de ocultamiento.

#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream

Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.

Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

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The Devil and Father Amorth

El documental The Devil and Father Amorth viene a redondear un ciclo creativo en un espíritu de justa reivindicación. William Friedkin lo dirige con apenas un par de cámaras digitales y un aliento de veterano deconstructor de sus juguetes ópticos, cual Orson Welles de F for Fake. Vuelve así a propinarle un cachetazo al Hollywood millenial que lo excluye y lo considera un paria irreparable.

La educación del rey

Santiago Esteves hace un poco y un poco en La educación del Rey, su ópera prima: por un lado se nutre de la vieja guardia del cine clásico de Hollywood, especialmente del western de los años 50, aquel menos heroico y revisionista que inspiró a Clint Eastwood para que creara los mejores exponentes contemporáneos de los últimos años, pero también encuentra un idioma propio, con los códigos de la región geográfica argentina que decide retratar.

#DossierTerrorPP – (1): Otro comienzo es posible

Pero frente a este origen canónico es que nos interesaba, en este dossier, disparar alternativas a la hora de pensar nacimientos laterales piensa en esos cortometrajes disrruptivos, en los que el humor parece ser, precisamente, aquello que desarma la tradición oficial del género. Y aquí parece ser central un aspecto: el terror pre-clásico alternativo a la tradición expresionista no solo no contaba con arquetipos definidos, sino que su tono, carente de solemnidad, se permitía pensar el humor como una vía desesperada para hacer tolerable la angustia, algo que conecta a este terror de los inicios con el grand-guignol del gore de Herschell Gordon Lewis: el terror podía permitirse una autonomía de estilo.

Palabra y utopía

Tal vez haya habido hasta aquí muy pocos cineastas verdaderamente preocupados por la historia. Uno de ellos es, sin lugar a dudas, el portugués Manuel de Oliveira. Aun sin saber nada de él, aun sin haber visto ninguno de sus más de sesenta films, Palabra y utopía nos lo demuestra, claramente. Pero ¿por qué la historia permea íntegramente el film de Oliveira? ¿Qué podemos ver en él? Y lo más importante: ¿cuáles son las elecciones formales que nos permiten acceder a esta preocupación del director? Porque aun cuando el film recorra más de medio siglo de la vida activa del sacerdote jesuita Antonio Vieira, aquello que lo estructura, en términos narrativos, excede una gesta individual y nos sitúa en el contradiscurso de la justificación de la conquista. Y también un tanto más allá de esto.

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Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

El cine del siglo XXI (5): ¿Qué hay de nuevo, viejo?

Fue y sigue siendo un fenómeno raro y feliz el NCA y su nacimiento no tuvo poco de épico. Se inició en un momento industrialmente paupérrimo: años en los que se hacían menos de diez películas argentinas al año y en que muchos de esos largometrajes no rozaban ni lo decoroso. Era un cine nacional que se repartía entre la “comedia picaresca infantil” -suerte de aberración en la que se mezclaban planos de culos de chicas en bikini, humor de cuarta y una impericia increíble para filmar hasta el más rudimentario de los diálogos- y películas más “serias” cuya estética y contenido eran más que nada los de un cine artificial, “for export”, donde los estereotipos más gastados del porteño estaban a la orden del día.

Curso Análisis de Film

  Presentación del curso Muchas veces se ha dicho que lo más importante del arte es su forma. Sin embargo, pocas veces somos perfectamente conscientes de los recursos formales que un artista utiliza para narrar una película....

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