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Soledad

Asi y todo, en su prolijidad casi qualité, la película de Agustina Macri (deberíamos permitirnos pensar a las películas sin establecer vínculos de parentesco, que lo único que hacen es cargar, si fuera el caso, una nube de resentimiento alrededor de la obra en cuestión) no deja de tener algunas ideas visuales aisladas, que aparecen cuando elige el detalle de la persona antes que el dato ilustrado del mito. Cuando se concentra en la adolescente tardía, en su cabeza despertada, en el movimiento vitalista de alguien que no tiene la más puta idea de qué hacer consigo y con su vida, la película avanza con prolijidad. Si, también con algo de asepsia, pero es prolija y hasta precisa. Pero esto es aleatorio.

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First Reformed

First Reformed anima temas y obsesiones del director, como quien siempre esta retornando: su reescritura del martirio de los evangelios, su amoralidad y distanciamiento en el enfoque narrativo, su profundo existencialismo y nihilismo, su desilusión estética y ética ante los pilares de la institucionalidad occidental, su frialdad calvinista y bressioniana. Ahí, en la casilla de los autores, la película depara escasas sorpresas.

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FIDBA 2018

Del 10 al 16 de septiembre tuvo lugar la 6ta edición del FIDBA, el Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, que incluye una programación compacta con diversas competencias (cinco en total) así como seminarios, conferencias y laboratorio de desarrollo de proyectos documentales. Sebastián Rosal se dio una vuelta y trata de explicar en dos películas algo que parece ser lo mismo pero que esconde una sutil aunque decisiva diferencia.

TV y Series

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La casa de las flores

Se habló mucho últimamente de La Casa de las Flores. De la familia de la Mora, del papel protagónico de Verónica Castro haciendo de Virginia, del personaje de Paulina y su extraña manera de hablar, de que fue furor en México y otros varios países de habla hispana. Tal fue su éxito que algunos lo han comparado con La Casa de Papel, aún cuando los dos productos son exactamente opuestos. Si La Casa de Papel es una telenovela de las cinco de la tarde disfrazada de relato de robos cool y hasta con contenido político, La Casa de las flores es un producto sofisticado, genuinamente refinado desde lo visual, pero disfrazado de telenovela de las cinco de la tarde.

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Soledad

Asi y todo, en su prolijidad casi qualité, la película de Agustina Macri (deberíamos permitirnos pensar a las películas sin establecer vínculos de parentesco, que lo único que hacen es cargar, si fuera el caso, una nube de resentimiento alrededor de la obra en cuestión) no deja de tener algunas ideas visuales aisladas, que aparecen cuando elige el detalle de la persona antes que el dato ilustrado del mito. Cuando se concentra en la adolescente tardía, en su cabeza despertada, en el movimiento vitalista de alguien que no tiene la más puta idea de qué hacer consigo y con su vida, la película avanza con prolijidad. Si, también con algo de asepsia, pero es prolija y hasta precisa. Pero esto es aleatorio.

#Diario cinéfilo – Ciclo cine de terror: Scream

Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.

Entrevista Gustavo Biazzi, director de Los Vagos

Conocido quizás, en primera instancia, por su trabajo como director de fotografía (aunque ya había debutado en el largometraje con un documental y también contaba con varios cortometrajes encima), Gustavo Biazzi pegó el salto a la ficción. A su vez ese salto lo (nos) llevó hacia atrás en el tiempo y hacia otras latitudes (menos porteñocéntricas, afortunadamente para el imaginario audiovisual del cine argentino). El resultado es una película suspendida en el tiempo, pero a su vez cerca de los personajes, a los que cuida y quiere. En un año difícil y raro para el cine argentino, películas como Los Vagos resultan indispensables. En Perro Blanco quisimos hablar con su director. Y nos dimos el gusto

Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

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The Devil and Father Amorth

El documental The Devil and Father Amorth viene a redondear un ciclo creativo en un espíritu de justa reivindicación. William Friedkin lo dirige con apenas un par de cámaras digitales y un aliento de veterano deconstructor de sus juguetes ópticos, cual Orson Welles de F for Fake. Vuelve así a propinarle un cachetazo al Hollywood millenial que lo excluye y lo considera un paria irreparable.

¡Te atrapé!

He hablado en más de una oportunidad (soy casi un especialista) sobre los problemas y el doble filo de las películas basadas en historias reales. Pues bien, ¡Te atrapé! elude todas estas trampas sin derramar una gota de sudor. Históricamente, Hollywood ha buscado inspiración en relatos ya creados, desde cuentos infantiles hasta tragedias reales. Es motivo de celebración que en esta ocasión se haya colado esta historia aparentemente absurda y chata, al menos en primera instancia, que no necesita ninguna clase de validación. Un aliciente para la tendencia de historias reales que tiranizan al cine con su dosis de importancia. Aquí no la hay.

#DossierChauAutores (8): Los primeros años

A todos estos cortos que podrían ir de 1895 a 1910 (fecha de todos modos aproximada, ya que hay cortos de cine hechos algunos años antes y otros de estas características hechos un tiempo después) me gusta agruparlos cariñosamente en un período al que denomino balbuceante, en tanto y en cuanto era un cine que estaba recién encontrando sus primeras formas de expresión y lenguaje, probando a cada momento nuevas técnicas y nuevas maneras de experimentar con la imagen. Con esto no quiero decir que haya en este cine algo necesariamente inferior a lo que va a venir después. Si vamos al caso, a veces cosas dichas con balbuceos pueden suscitar más interés  y encerrar más inteligencia que algo expresado en un lenguaje ya perfectamente determinado y establecido.

Sauerbruch Hutton Arquitects

Un aliento clásico  atraviesa de punta a punta el último y definitivo film de Farocki, apoyado en unas imágenes tan tersas, tan pulcras y cristalinas como esas superficies que definen el estudio de Matthias Sauerbruch y Louise Hutton, dos de las estrellas que pululan en el universo arquitectónico europeo (por cierto, un cielo saturado de divos, algunos con fama bien ganada y otros no tanto: la arquitectura, el diseño y el mundo gourmet son las disciplinas más expuestas en las nuevas sociedades, las más mimadas, las más proclives al exhibicionismo para satisfacer una demanda constante y creciente. También, por qué no, una de las renovadas formas que lo snob asume para ejercer su canto de sirena).

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Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

Tal vez Kenji Mizoguchi sea el único director japonés capaz de comprender cabalmente el significado sacrificial de la mujer, su impronta avasalladora y su papel axial, en una cultura que aún oculta resabios de su filmografía, y comprender cegadoramente la sensación de felicidad y la noción libertaria, de lo que sea y de quienes sean, como caprichosos y fugaces instantes merodeando en los recovecos de una memoria disparada siempre hacia el pasado de un eterno retorno.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

Algunas ideas en torno a Buongiorno, notte

Buenos días, noche –la película que cuenta la historia del secuestro y la muerte de Aldo Moro desde el punto de vista de uno de sus captores (la mencionada Chiara)- y es ese mismo sentido de lo real lo que se irá abandonando progresivamente. Tal es así que lo empieza siendo una película seca que en un principio no pareciera pretender otra cosa más que reconstruir con toda la objetividad posible un hecho real en la historia de Italia termina transformándose en una obra de características oníricas donde lo alucinado y lo real no se terminan de distinguir, mientras los personajes que avanzan ciegos y seguros hacia un objetivo terminan por enloquecer, sin saber realmente lo que están haciendo.

Curso Análisis de Film

  Presentación del curso Muchas veces se ha dicho que lo más importante del arte es su forma. Sin embargo, pocas veces somos perfectamente conscientes de los recursos formales que un artista utiliza para narrar una película....

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