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Rambo: Last Blood

La pregunta entonces es...para qué una quinta entrega 11 años después, con un actor de 73 años cargando encima el peso de ponerle el cuerpo a tamaña responsabilidad, limitado física y actoralmente, pero ante todo, sin un horizonte claro en relación al tono? Si algo no se comprende en Rambo: Last Blood es su tono, que oscila entre la solemnidad galopante, la presunta crítica social a la trata de personas pero también el goce sádico y casi paródico de la entrega anterior, como si en si interior hubiera querido juntar infructuosamente a todas las entregas de la saga para hacerlas dialogar de modo salvaje.

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    High Flying Bird

    En esta dirección debe reconocerse un gesto osado en Soderbergh: combatir el supuesto enemigo desde adentro ¿sino puedes con ellos, únete? A ver, yo diría más bien otra cosa: si mi película va a ser vista en pantalla pequeña, filmemos desde la pantalla pequeña. Una lógica que implica que la adaptación del cine a los nuevos métodos de ritualizar el cine tiene que apropiarse del mismo artefacto que supuestamente está reduciendo al cine para filmar un producto “celuleable”, que se vea como un video que filmaste con tu smartphone...pero de hora y media de duración, claro.

      Festivales

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      #PostBafici 2019 – (8): Camorra

      Lo que más impresiona de Camorra es cómo, mediante los recursos menos felices, mediante las estrategias que bien podrían confundirnos y llevarnos a otro terreno, termina por construir un universo voluminoso, sólido, sensible, íntimo pero a la vez público. Esto es clave, entonces: lo que se nos cuenta es la historia pública de la Camorra, pero no su costado policial.

        TV y Series

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        State of the Union

        State of the union está sostenida sobre recursos económicos. No solo el formato, sino la estructura narrativa: elipsis convenientes que dejan fuera de campo una enorme cantidad de información (por eso la necesidad de actualizarla por vía verbal), un uso elegante de la vestimenta de los personajes como estado de ánimo, explotación del espacio y los objetos que lo pueblan, explotación de los tamaños de plano para dar cuenta del estado de la unión marital, al mismo tiempo multiplicación de variantes a la hora de mostrar casi siempre una misma serie de acciones pero con las variaciones necesarias que nos permitan entender el cambio de estado de una pareja en crisis

          • Cine Argentino
          • Entrevistas

          Qué sea ley

          Que sea ley no elige los matices, los grises, las contradicciones, las agachadas políticas de la historia, sino arrancar su narración cuando el proyecto acaba de obtener media sanción en Diputados, como si le molestara –o más bien incomodara la suciedad de estar plagado de contradicciones irresolubles- contar que quien tomó la decisión política de tratar la legalización del aborto fue un Presidente que estaba en contra de la medida. Es una variación fordiana de contar la leyenda antes que contar la historia. Contar el mito prístino antes que dar cuenta de la incómoda verdad de los hechos, de los datos fácticos.

            Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

            María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

              • Podcast
              • Crítica de la crítica

              Los fracasos necesarios: por qué el cine de superhéroes es un éxito hoy y no lo fue antes? (parte I)

              Bueno: comenzamos con nuestra serie de videoensayos. En esta caso intentamos meternos con un período poco visitado (el cine de superhéroes entre 1992 y 2008) de un tema muy visitado (el cine de superhéroes en general). Pasen y vean. Esta es apenas la primer parte del análisis. En breve vendrá la segunda, que planteará algunas hipótesis de eso que hoy por hoy se ha instalado como un nuevo género hecho y derecho.

                Algunas observaciones sobre la crítica ideológica

                En Perro Blanco tenemos una sección llamada Crítica de la crítica, porque, al igual que otros colegas, nos leemos mutuamente. El tema es que a veces charlamos menos de lo que deberíamos, porque al parecer es preferible mantener un silencio sin hacer olas antes que intercambiar ideas apasionadamente y en público.  Dado que hasta el momento nadie ha hecho uso de su derecho a réplica en esta revista, lo que nos queda es seguir dialogando en el aire. Quien les dice, quizás alguna vez haya respuestas. En nuestra tercer entrega le toca al señor Hernán Schell, quien fiel a su estilo, se desdobla en un diálogo sobre el tema. Insistimos: alguna vez habrá respuesta. Al fin y al cabo las noticias siempre corren en el mundo de la crítica, que es pequeño.

                  • Diario cinéfilo
                  • Inactualidades

                  Se fue José: Adios a Martinez Suarez (1925-2019)

                  Armar un obituario sobre José Martínez Suárez es reencontrarme con el hombre, con el presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Yo no conocí al director. O al menos no completamente. Por eso esta despedida no pretende ser un recorrido exhaustivo por su obra. De hecho, solo vi la mitad de su obra y espero ansioso hoy poder ver, por primera vez, Noches sin lunas ni soles, su última epopeya que nunca agarré desde el comienzo. Por eso esta despedida de es de otra clase. Espero sepan entender

                    The Aristocrats

                    The Aristocrats está filmada, para decirlo académicamente, con los muñones (algo que también podría aplicarse a otra maravilla del humor escatológico como esa obra maestra que es Jackass 3D). Sus planos se ven horribles, las entrevistas tienen distintos registros de sonido sin unificar, la calidad del video dista de ser la mejor, el montaje es poco menos que realizado por un principiante. Y así las cosas es una de las grandes experiencias de comedia que un espectador libre (como los que el siglo XX preparó durante años antes de la avanzada puritana) puede encontrar como pequeño acto de resistencia contra todos aquellos que indican que la comedia tiene que morir en pos de la "tolerancia"

                      • Dossiers
                      • Volver al Futuro

                      #Dossier90s: Blockbusters & transición

                      A lo largo de su vasta historia Hollywood supo tener muchos enemigos, no obstante los más poderosos siempre fueron domésticos. En las dos últimas décadas del Siglo XX, no solo tenía enfrente a la televisión, con su propia producción de contenido, sino también el VHS –al que se posteriormente sumaría el DVD-, que se alimentaba del cine pero ofreciendo un canal de consumo que le otorgaba mayor comodidad al espectador. A Hollywood le costó pensar y construir formatos que le siguieran otorgando distinción, por eso, en este contexto el cine de acción –con su hibridez que le permitía fusionarse con otros géneros también impuros- fue una muestra clara de eso. Los noventa, sin lugar a dudas, funcionaron como una gran era de transición, que se debatía entre dejar de lado algunos parámetros vigentes desde los ochenta –e incluso los setenta- y anticipar otros que terminarían por consolidarse ya entrado el nuevo milenio.

                        Matar a un muerto

                        La película ostenta una premisa que se resuelve con una extraña comodidad: dos sepultureros del ejército paraguayo durante la dictadura de Stroessner deben lidiar con un presunto cadáver que se revela como un hombre todavía vivo y al que deben matar y enterrar para cumplir con su tarea (poco feliz, pero tarea no juzgada en la película). Esto, que sería una perfecta excusa narrativa para avanzar en el terreno de un cortometraje en el que la limitación informativa termina por ser funcional a una ambigüedad narrativa lo suficientemente abstracta como para que el inicio de la historia derive hacia otros costados más imprevisibles.

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                          • Cursos

                            Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Trouble Every Day

                            La décima cuarta película que vimos y trabajamos fue una película notable, que tuvo, increíblemente, estreno local sin demasiada suerte. Por motivos que desconocemos la elección del título de estreno, Sangre Canibal, tampoco ayudó demasiado. Sea como fuere, su directora Claire Denis merece nuestro detenimiento en su rica obra. Y Trouble Every Day es una obra maestra que no podíamos dejar afuera.

                              • Lost & Found
                              • Cero en conducta

                              Madhouse (Jim Clark, 1974)

                              En Madhouse la venganza es acometida por un viejo actor del período dorado de Hollywood caído en desgracia, quien ,luego de un ostracismo derivado del asesinato de su esposa y el encierro en un manicomio, decide volver a la actuación de la mano de su mejor amigo (interpretado por Peter Cushing). Pero claro, el asunto no será tan fácilmente. El actor que Price interpreta se toma demasiado en serio retomar el papel que lo hiciera célebre, el de el Dr. Muerte. Y esa personalidad cobrará autonomía...en el marco de una reunión en la casa de su mejor amigo. Ese punto de partida es la mejor excusa para que la película despliegue una serie de puntas que pocos años después bien podríamos caracterizar como slahers hechos y derechos.

                                Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

                                Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

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