Categoría: Cine Argentino

Una vasta producción anual nos obliga a dedicarle un apartado especial al cine argentino, a veces no demasiado afortunado en su visibilidad a la hora de la distribución y exhibición. Intentemos reparar algo de eso.

Un sueño hermoso

El documental de De Leone bucea a través de una ardua labor de investigación a partir de material de archivo televisivo, de la prensa gráfica, de fotografías, de fragmentos de películas y del formato de entrevistas a diversos participantes de De eso no se habla (el asistente de dirección Alejandro Maci, la entrenadora actoral Berta Goldemberg, el co-guionista Jorge Goldemberg, la productora Lita Stantic, la vestuarista Graciela Galán y los actores enanos Beatriz Colavita y Juan Carlos Ramírez) para acercar al espectador a la vida de Alejandra Podestá, para que podamos conocerla no sólo en su faz de actriz, sino también en tanto persona recuperando sus sufrimientos y sus sueños más íntimos. A su vez, narrativamente, la película se construye en cinco capítulos: La directora, La actriz, La película, El después y Alejandra, donde el último tiene la virtud de hacer resonar en el aire la voz luminosa que evoca su presencia.

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Araña

Araña ha sido defendida por ciertos sectores críticos argentinos, a pesar de que su testarudo discurso ni siquiera está apoyado en la autoconciencia que si expresaba un director como Todd Haynes -que, digan lo que le digan, si algo sabe hacer es manipular al espectador-. Vayamos a la película de Wood. Pensemos, por ejemplo, aquella escena donde se presenta al personaje de Gerardo, en la que la desidia vence al drama, porque la puesta en escena, así como la marcación actoral, evitan el progreso hacia el enojo del personaje. Bien por el contrario, este se plantea como una irrupción en un clima que tampoco se siente tan calmado. Esa irregularidad lejos está de plantear sistema, todo está lejos de plantear sistema, siquiera un sistema de irregularidades.

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Familia

La manera en la que Edgardo Castro maneja la mentira del cine en Familia es magistral. Parece simple, parece fácil, pero en realidad es astuta. No se trata de una forma de resucitar los viejos tiempos del más cansado Nuevo Cine Argentino, tampoco se trata de recurrir al borramiento, tan moderno, tan de hoy, entre documental y ficción. Por supuesto, Castro protagoniza la película que dirige, en la que retrata a una familia que es interpretada por los miembros de su propia familia en la vida real. Por supuesto, buena parte de la fuerza de la dinámica que adquieren sus momentos más chispeantes (esto, por supuesto, es una forma de decir) viene del peso que la repetición de esos gestos dejó visiblemente marcada en los cuerpos de quienes estuvieron dispuestos a ponerse frente a la cámara. Esto es innegable. Pero la maestría de Castro no estriba en el simple hecho de haber convencido a sus viejos (cansados, desinhibidos) de hacer para nosotros lo que hacen en un día cualquiera (y que probablemente no difiera mucho de lo que hacen todos los padres de por lo menos cierta edad), sino en la forma de registrarlos.

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Fin de siglo

Cuando uno se enfrenta a Fin de siglo resuenan muchas películas a su alrededor, como si en efecto los 84′ de duración fueran un gran espacio acústico en el que reverberan otras películas que conocemos (aunque de forma sutil, elegante, sin forzar demasiado la referencialidad). Asi las cosas no deja de ser una lectura limitada y un tanto injusta. Porque la película de Lucio Castro parece bastante más que una suma de citas o referencias legitimadoras. Por eso la película no se organiza de buenas a primeras en la cabeza. No. No hay nada de clásica en ella, al menos narrativamente hablando. No obstante, cuando el juego establece sus reglas y podemos comprender el desplazamiento, las piezas se encadenan. Y lo que prosigue no es otra cosa mas que un elegante sistema narrativo que desarma cuando comprendemos la constelación que organiza. Si, se le puede adjudicar una duración algo desmesurada para lo que narra (en 60′ o incluso menos podía narrar lo mismo con mayor efectividad inclusive), pero a su vez ese tempo interno es el que funda la melancolía que impacta con los últimos minutos de metraje.

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El robo del siglo

Lo cierto es que donde mejor funciona El robo del siglo es en su aspecto más “profesional”, en cómo retrata el laburo de un grupo de tipos que detectan una oportunidad única, con un plan que se va construyendo progresivamente y revelándose ante los ojos de los espectadores a medida que avanza la trama. Es por esta vía que el film va desplegando con mayor efectividad sus distintas superficies, que incluyen dosis puntuales de comedia, la tensión mientras se van ejecutando las distintas fases del robo y el juego con el artificio dentro del artificio, la puesta en escena/engaño del hecho real aplicada a la materialidad cinematográfica. Lo contrario sucede cuando la película quiere construir un marco afectivo y moral que justifique a los protagonistas: tanto las líneas de diálogo que enuncia el cerebro detrás del golpe que interpreta Diego Peretti, explicando la necesidad de un equilibrio cuasi justiciero; como las escenas del profesional del robo que encarna Guillermo Francella con su hija, queriendo mostrar que la quiere a pesar de mentirle, lucen cuando menos forzadas y hasta culposas.

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