Autor: Raúl Ortiz Mory

The Father es una película que plantea lo complicado y doloroso que puede ser el tránsito por la vejez cuando la degradación de las capacidades mentales se agudizan en una especie de espiral en caída libre. A la vez, simplificar el sentido de la ópera prima de Florian Zeller a esa premisa sería reduccionista, mezquino y superficial.

Maite Alberdi dice que sus películas no están pensadas ni ejecutadas desde un punto de vista político. Alberdi miente. No sé si lo hace deliberadamente o sincera su posición basándose en el privilegio que otorga el registro documental. Alberdi prefiere rechazar el sentido político que encierran sus trabajos para apuntar, y, obvio, justificar sus obras, alineándose hacia espacios más amables y menos controvertidos. Sus declaraciones se desbordan por el lado de una falsa modestia que fluctúa entre el sentimentalismo y la instantánea de la exploración social.

El sueño americano -entendido como el nuevo comienzo que se aferra a la negación de una vida pasada donde los individuos disfrutaron y sufrieron, pero que buscan o anhelan un cambio urgente en sus destinos- basa su mitología en la abundancia de una tierra donde el acceso a los espacios geográficos establece un principio de justicia en el que prima la igualdad de oportunidades. Sin embargo, la oportunidad, per se, no es un factor mágico que transforma el derrotero de quienes eligen conformar una sociedad mejor. El esfuerzo individual, como característica propulsora, es la esencia de la nueva vida, sin importar el destino -rural o urbano- y la procedencia de los aventureros.

El guante dorado se ambienta a inicios de los años 70s y narra la tragedia de Fritz Honka, un hombre de apariencia inofensiva, aunque de una fealdad notoria por sus deformaciones en el rostro. A Honka, también conocido por ser uno de los clientes habituales de un bar de Hamburgo -que lleva el nombre de la película- donde se concentraban alcohólicos sin familia, esquizofrénicos inofensivos y prostitutas ancianas, bebía unas cuantas copas y buscaba compañía sexual que satisfaga sus instintos más primitivos. La historia de Honka no pasaría de ser la de un marginal si no fuese porque la policía germana halló en su apartamento cadáveres cercenados de varias personas.

In Fabric es la última película de Strickland, aquella del vestido rojo y maldito, que vuelve a las raíces del giallo para demostrar que el género nunca se fue…en todo caso apenas sufrió un desplazamiento, quedando a merced de mutaciones del terror clásico. Todo puede parecer una locura, pero Strickland lo hace tan creíble, incluso en su condición hiperbólica, que en ningún momento cae en la ridiculez. El humor agudo, las referencias al individualismo moderno y las interrelaciones humanas que se limitan al instante, dejan de lado cualquier mirada exclusiva sobre la prenda endiablada.

Abuso. Exceso. Desborde. Cualquiera de estos calificativos, que en otro contexto serían bienvenidos, enfatizan el principal y más notorio problema de Polar, la película que Netflix encargó a Jonas Åkerlund y donde Mads Mikkelsen más parece un invitado de otra fiesta que el eje articulador de una trama potente que conforme pasan los minutos se convierte en una pieza risible y hostigante.

Greta, que puede tener momentos inesperados que la empujan hacia los terrenos de la serie B o el telefilme ochentero americano, también, en menor medida, muestra un lado de sadismo estilizado que a trompadas avanza sin reparar en los defectos de sus personajes secundarios o subtramas de poca solidez. A pesar de las impericias que cada cierto rato salen a flote, Greta es una belleza menor que revaloriza el thriller, un género olvidado y degradado desde hace más de dos décadas.

una de las fortalezas de The Spy Who Fell to Earth es el pluralismo de opiniones, un abanico de juicios que el director hilvana de manera discreta, cuidando que el espectador no se pierda en el entramado de fechas y acontecimientos. Es por ese motivo queThe Spy Who Fell to Earth no pretende ser aleccionador, mucho menos se enmarca en un terreno de cuadrícula didáctica.

La premisa de The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot puede sonar disparatada, ridícula e inverosímil. Sin embargo, el primer largometraje de Robert D. Krzykowski va más allá de ser una pieza que quiera enganchar por su título y su argumento. The Man Who Killed…es un rótulo largo que explica gran parte de lo que pasa en la película -por ello no existe remordimiento al enumerar algunos hechos en los primeros párrafos-, sin embargo, nada de lo que asoma en evidencia es consecuente a la intención de la película.

En primera instancia, TMOCP es una película que pone el foco sobre el cuestionamiento de la identidad sexual al interior de una sociedad regida por normas que en teoría forman mejores ciudadanos, sin afectar las libertades de los semejantes. La mirada inicial de este planteamiento podría parecer bastante cándida si revisamos la película en un sentido reivindicador. Esa dimensión moral candorosa se acaba cuando el cuestionamiento social desdobla la mirada general hacia las subtramas potenciadas por el elemento religioso.

Galveston, la película, es sórdida y hermosa; tanto como el libro, aunque aprovecha otras características que redescubren una lectura más sintética y potente comparada con la obra original. No obstante, sigue siendo hermosa. Básicamente, gracias a la exploración espiritual y psicológica de sus dos personajes centrales. Roy (Ben Foster) y Raquel (Elle Fanning) vagabundean por un universo donde todo se pone en contra de ellos: la familia, la salud, los amigos, el sexo, el trabajo; aunque, al final, todo parece una broma si se compara al estado de soledad que los consume.

The Crescent no es una película de horror en el sentido formal del término. Sigue la tendencia de las buenas propuestas que en los últimos años se han desmarcado de lo explícito y evidente para turnar varios géneros en una sola pieza. Por más que la primera mitad del filme abusa de una exploración psicoespiritual que redunda en aspectos afectivos, no cae en la fórmula complaciente de las películas que asaltan las carteleras.

The Endless, la última película de los directores estadounidenses Justin Benson y Aaron Moorhead (quienes también son los protagonistas y utilizan sus propios nombres en la cinta) responde a la interrogante del párrafo anterior de una manera hiperrealista que sugiere un acercamiento a múltiples géneros cinematográficos. En medio de todo este universo de escalas temporales, espaciales y deístas, irrumpe el temor. No es casualidad que en el inicio del film aparezca una frase de H.P. Lovecraft: “la emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”.  

La premisa de Psychokinesis es tan sencilla como su propio desarrollo. El director propone algo que, por ejemplo, M. Night Shyamalan ya había explorado a través de David Dunn en El Protegido (2000) -más allá de los orígenes de las virtudes sobrenaturales de ambos personajes-: rescatar a un don nadie predestinado que deberá enrumbar su camino a fin de redescubrirse. Claro está que las claves que emplean el indo-estadounidense y el surcoreano son muy distintas. Shyamalan hace que su personaje se desgaste psicológicamente en su larga lucha interna por asimilar su condición de único e irrepetible. A Yeon Sang-ho le basta encontrar dos o tres situaciones de injusticia para desplegar a fondo la telekinesia de su protagonista. Aun con todo ello, los lazos filiales son los verdaderos derroteros de estos hombres.

Voyeur también presenta un dilema que no solo salpica a la obra de Talese. Agarra de las solapas a aquel periodismo con aspiración literaria que abusa de las florituras para generar climas propicios y sensaciones inolvidables en los lectores, alegando una experiencia íntima donde creador y lector caminan por un mismo sendero. El periodismo puede producir historias maravillosas que representen experiencias inolvidables, aunque hay que saber distinguir entre lo posible y lo comprobable

La exploración del cuerpo, a su vez, como en muchos de los más consolidados melodramas eróticos, es la exploración de la psique. Por todo lo anterior el director teje su trama alrededor de la conciencia e inconciencia de sus cuatro protagonistas –la aristócrata curiosa, la falsa sirvienta, el estafador ambicioso y el tío masoquista- pero es el superego de estos lo que prevalece a partir de los pensamientos éticos y morales extraídos de una sociedad que oprime la figura femenina, pero que a la vez la tiene presente en todo momento, sea por la generación de placer o por la funcionalidad doméstica que carga.