Autor: Rodrigo Martín Seijas

Lelio se hace cargo del contexto que aborda, del conjunto de reglas, normas y convenciones que condicionan a Ronit, Esti y también a Dovid –que no solo tiene que ver con la cultura judía ortodoxa, sino también con el lenguaje cultural anglosajón-, y por eso su puesta en escena trabaja fundamentalmente los silencios, gestos y miradas. Esa articulación, esencialmente física y gestual, se relaciona con la administración informativa: hay un gran mérito en cómo la narración devela paulatinamente los vínculos entre los personajes, sus historias pasadas y sus repercusiones en el presente. Se trata de un  cine de indicios, que no precisa de explicaciones derivadas de monólogos ni de diálogos.

Jurassic World: el reino caído casi nunca se toma un tiempo o un respiro, preocupada como está por instalar conflictos y subconflictos donde vuelven a aparecer los mismos temas que la saga no puede resolver desde la película inicial, de 1993: ansias empresariales destinadas irrevocablemente a salir mal y dinosaurios manipulados genéticamente que obviamente se salen de control, es decir, el viejo y querido orden de naturaleza vs cultura. Pero lo mas grave es que estamos frente a una película sin tiempo pasado. Ni siquiera es una película del presente, sino del futuro, pero de un futuro inmediato, urgente, que vendrá con la tercera entrega, en un loop de facturación y especulaciones, alejada por completo de cualquier personaje.

La película parece ser consciente de los riesgos que afronta, pero no llega a tener totalmente claro cómo hacerse cargo de esos peligros. Y la clave pasa por cómo muchas veces relega los conflictos a favor de los problemas, quedándose con lo superficial en detrimento de los núcleos interiores. Conflicto y problema muchas veces son leídos como sinónimos, pero poseen diferencias sustanciales: mientras los primeros involucran sentimientos y puntos de vista divergentes sobre el mundo o un contexto determinado, los segundos son dificultades o situaciones específicas que generan malestar. Es la distancia que implica observar el bosque o solo el árbol.

Los buscadores no deja de marcar un posible camino para la aventura en el cine latinoamericano, como si fuera un mapa (aún incompleto) para llegar a la fórmula adecuada. La respuesta no pasa por el presupuesto o los medios técnicos, sino por una verdadera vocación/amor por los géneros, por tener confianza en lo que se narra, por el cariño hacia los personajes y claro, nada menor, el hecho de hallar una historia que sume todos los elementos de una manera apropiada como respuesta definitiva.

En Perfectos desconocidos –remake de un pobre film italiano del 2016- no hay ni rastro de Álex de la Iglesia ni de la miseria productiva de sus películas mas interesantes. Cualquier realizador mediocre podría haber hecho esta especie de obra teatral filmada (en el peor sentido posible: las relaciones teatro cine pueden ser fructíferas, no es malo necesariamente, el problema es que el lenguaje teatral aplasta al cinematográfico en esta película perezosa) sobre un grupo de amigos que se reúnen para una cena durante un eclipse lunar y que se proponen como juego/desafío poner los celulares de todos sobre la mesa, permitiendo que se lean y escuchen todos los mensajes y llamadas que lleguen. Obviamente, empiezan a revelarse secretos, mentiras, engaños e hipocresías varias, con dosis considerables de machismo, histeria y homofobia, como para dejar en claro que todos (o casi todos) los personajes son seres bastante repugnantes.

No recuerdo semejante apología del conflicto como en Lady Bird. La protagonista se pelea con todo y todos, y la película no solo entiende su posición, sino que en un punto la avala. Pero ese aval no es una mera pose ni tampoco una visión cínica sobre el mundo, sino una remarcación de la necesidad de pelearse, de entrar en rebeldía, de chocar con todo y todos, para eventualmente aprender a valorar lo que se tiene en su justa medida, a perdonar y pedir disculpas. Y eso tampoco implica ser esencialmente ser conservadora o conformista, sino entender los cambios propios y ajenos, es decir, alejarse del gesto vacío para comprender el mundo que se habita.

Es interesante cómo Ridley Scott configura una discursividad que caratula a Getty como un villano unidimensional -utilizando a los personajes de Gail y al del jefe de seguridad Fletcher Chase (Mark Wahlberg) como seudo jueces morales- pero, acaso involuntariamente, el realizador termina compartiendo algunas características con el viejo Getty. Él también es, al fin y al cabo, un coleccionista: su cine es en buena medida colección y hasta acumulación de relatos y géneros. No se trata de eclectismo o apertura a distintas vías narrativas y estéticas, sino más bien una pulsión por concretar proyectos.

El pasajero no se queda en el molde previsible del thriller de acción. Es también una especie de drama social sobre los blue-collar, sobre esa clase trabajadora estadounidense que diariamente viaja a las grandes ciudades para laburar y luego retorna a sus hogares en los suburbios. Esa clase esencialmente vulnerable, rehén de los vaivenes políticos y económicos, pero también de los poderes que pueden despedirlos, manipularlos o eliminarlos de acuerdo a sus deseos, objetivos o necesidades. De ahí que la película de Collet-Serra no solo funcione por la precisión de su trama sino que construye una figuración que la excede.

En Coco el sacrificio pasa por revelar la verdad. Esa verdad oculta, esperando a salir, que en algunas ocasiones puede ser grata pero otras estar punteada por la oscuridad y el horror. La Tierra de los Muertos a donde accede Miguel es un territorio marcado y delineado por la memoria, sí, pero también por el olvido, que no deja ser otra forma de memoria. Lo que el film de Lee Unkrich nos dice, tras el colorido y la música del mundo apasionante que va hilvanando, es que nosotros elegimos qué recordar, que la memoria es un recorte, que la Historia –esa suma infinita de relatos, mitos, rumores y leyendas- es una construcción a la que le otorgamos un carácter de verdad porque lo necesitamos, porque queremos, porque nos permite construir un destino conjunto.