La Comedia Visual (Iv): La Comedia De Jacques Tati
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La comedia visual (IV): La comedia de Jacques Tati

La última salida de nuestro número de julio de Cero en conducta se la dedicamos al genio de Jacques Tati, especialista de tiempo completo en eso de encontrar a la comedia en los lugares más insólitos. Y es que hay pocos directores-actores con el dominio audiovisual del espacio que ostentaba el mismo Tati, que utilizaba sus alteregos para desbaratar tanto orden y clasificación con los que el mundo parece querer explicarse a si mismo su propia deshumanización. En esa dirección, en desnaturalizar lo que creemos que es natural, Tati encontró un hueco. E hizo comedia. Denle play. Tati siempre da clases. 

The Last Man On Earth (Ubaldo Ragona & Sidney Salkow, 1964)
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The last man on earth (Ubaldo Ragona & Sidney Salkow, 1964)

El último envío del número de julio de Lost & Found viene con la primera (quizás la mejor de las tres) versión cinematográfica que se tomó el trabajo de adaptar Soy Leyenda, la extraordinaria novela de Richard Matheson (uno de los guionistas de The twilight zone), The last man on earth. Esta maravilla querible tiene ese plus propio de ciertas producciones pequeñas que, amparadas en las mejores enseñanzas del cine clase B, tuvieron que abrirse el paso gracias a su inventiva, sus ideas y sus limitaciones formales antes que por su presupuesto de gran espectáculo. En ese sentido la novela de origen era material inmejorable como para explotar: una locación, un personaje (no vamos a spoilear…), un conflicto superlativo, concentración dramática pura y un giro de tuerca. Con todo eso, con ideas y, fundamentalmente, con Vincent Price (no es casual la elección de este actor para dar cuenta de una época en la que se invierte el concepto de monstruosidad en el cine de terror y en el fantástico), dos directores ignotos dejaron esta gran versión.

#Postbafici – (19): Mister Universo
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#PostBafici – (19): Mister universo

Tizza Covi & Rainer Frimmel, pareja de directores que cuentan con casi tres lustros de experiencia en el formato documental, decidieron hacer en 2009 el salto hacia la ficción (o una semificción, que acaso será una de las marcas de su cine) con la notable La Pivellina, película que lograba dosis inauditas de ternura y de melancolía detrás de un registro aparentemente frío. Con ese antecedente profundizan la idea de un cine que registre el otro lado de la Europa primermundista y llevan adelante The shine of day (2012), película que mantiene el registro semidocumental pero que cambia de destino geográfico. Con Mister universo, sin embargo, vuelven a filmar en Italia, pero sin diferencias con lo que venían haciendo en sus dos películas anteriores. ¿Está mal?

Una Semana Y Un Día
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Una semana y un día

Una semana y un día es única en cuanto decide adentrarse en eso que siempre está elidido, fuera de campo. ¿Qué hacemos frente a la muerte de un ser querido? ¿Qué pasa cuando las lágrimas se agotan, cuando el dolor sigue siendo igual (o más) fuerte pero somos conscientes de que debemos seguir viviendo? El cine y el recato que impone el duelo abundan en llantos y exteriorizaciones de la tristeza que conforman parte de la esencia del melodrama (males de amores y decesos deben marchar a la cabeza del ranking, si intentamos una apurada estadística mental)

La Comedia Visual (Iii): Rompiendo La Cuarta Pared
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La comedia visual (III): Rompiendo la cuarta pared

Seguimos con la comedia en Cero en conducta. Esta vez le toca a la comedia que interpela al espectador, que rompe la cuarta pared con el fin de avanzar sobre el artificio de la invisibilidad de la narración clásica. Y de esa forma pone de manifiesto el lugar que los espectadores asumimos frente a algunas películas. Hoy un recurso demodé? Quizás. La realidad es que podemos seguir discutiendo sobre su aporte al cambio del lenguaje audiovisual. Pero preferimos hacerlo con imágenes mediante. Esperamos que les guste.

#Postbafici – (18): Killing Ground
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#PostBafici – (18): Killing ground

Hay, por suerte, toda una tradición materialista dentro del cine de terror que, afortunadamente, supo entender que había un camino intermedio entre el terror tradicional, el psicológico y el gore. Esa tradición, en muchos casos forzada hacia la lectura política y travestida en un subgénero como lo es el horror social, se da de lleno con toda una serie de inquietudes que atraviesan cerca de cincuenta años de cine australiano. No obstante, sin ánimo de hacer una genealogía (poco sé sobre el cine australiano pre-década del 70) hay algo que se gesta en esa década dorada. Una serie de espantos materiales, signados por el espíritu ambguo de la clase B a la vez que la brutalidad material más directa y todo sumido en un clima enfermizo, que no te deja salir. Porque si algo tiene el cine australiano (más específicamente esta suerte de terror materialista) es el gusto por lo inquietante.

#Podcast – Estrenos 27/7/17: Dunkerque
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#Podcast – Estrenos 27/7/17: Dunkerque

Dunkerque (Dunkirk)
Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Holanda, 2017, 106′
Dirigida por Christopher Nolan.
Con Fionn Whitehead, Tom Glynn-Carney, Jack Lowden, Harry Styles, Kenneth Branagh, Cillian Murphy, Mark Rylance, Tom Hardy, Aneurin Barnard, James D’Arcy y Barry Keoghan.

Por Hernán Schell & Federico Karstulovich

Wake In Fright (Ted Kotcheff, 1971)
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Wake in fright (Ted Kotcheff, 1971)

Pocos son los casos en los que se produce el encuentro entre el cinéfilo ávido de material y las películas que aparecen liberadas. Por eso nuestro trabajo en Lost & Found no es tan simple. Así y todo cada tanto encontramos maravillas que alguna vez vimos (y queremos recomendarles calurosamente) y otras que siempre quisimos ver. En el caso que nos trae hoy parte de la redacción se encuentra en el primer grupo y parte en el segundo. La realidad es que la película de Kotcheff (si, el ditrector australiano que se hizo famoso por haber dirigido la primera, la más salvaje y la mejor de la saga Rambo, First blood, película estadounidense de territorio pero australiana de alma) es uno de esos acontecimientos que hay que celebrar. Mezcla de thriller con comentario social, pesadilla kafkiana-rural, terror fuera del terror y muchas cosas más. Casi una revolución para el cine australiano de principios de los 70’s. Pero no todo es celebración: lo que no podemos festejar, eso si, es la falta de subtítulos. Pero intentaremos enmendar ese problema. Mientras tanto, para quienes puedan, no se pierdan esta obra maestra. Play.

#Polémica – Dunkerque (En Contra)
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#Polémica – Dunkerque (en contra)

Era extraño decidir filmar los hechos ocurridos en Dunkerque. Más extraño todavía que un estudio decidiera desembolsar todo lo que seguramente habrá desembolsado para llevar personitas y barcos y aviones hasta Francia y filmar en locaciones reales un evento militar desastroso y, para colmo, inglés. Nolan decidió hacer todo eso, así como decidió arrancar su película con un soldado anónimo, sin casi explicaciones estratégicas, militares o circunstanciales, así como decidió ahorrar una buena porción de los diálogos que hubieran ahogado una producción más convencional. Dunkerque podría haber sido una gran película. Algunos creen que lo es.

La Comedia Visual (Ii): Edgar Wright & La Comedia
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La comedia visual (II): Edgar Wright & la comedia

Tal como les contamos en la primer saluda de nuestro Cero en conducta del número de julio, en este mes nos metimos con la comedia. Y como algunos se quejaron porque nos fuimos demasiado para atrás y nos pusimos muy canónicos, bueno, no se nos ocurrió mejor idea que contrarrestar y ponernos muy contemporáneo y anticanónicos y traerles el maravilloso cine de Edward Wright, quien hace un cine que nos encanta y cuyas comedias tienen una velocidad endiablada y están plagadas de ideas audiovisuales. Bueno, por todo eso y por más es que les dejamos este video. Métanse y disfruten que es una clase de cine.
De nada.

La Comedia Visual (I): Buster Keaton & El Gag
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La comedia visual (I): Buster Keaton & el gag

Mes a mes intentamos traerles material útil sobre distintos aspectos de la narración cinematográfica. Pero este mes decidimos relajarnos y les traemos algo más disfrutable aún. Primero de una serie de varios videos sobre gags audiovisuales de enormes cómicos a lo largo de buena parte de la historia del cine, la idea es que se encuentren con directores que supieron consolidar un sistema narrativo y una lógica precisa y milimétrica. En ese punto, lo que sigue al menos, es una verdad de perogrullo: Buster Keaton es el gran maestro de buena parte de la comedia que hoy seguimos disfrutando. Pero antes de avanzar y meter la pata los dejamos con los secretos del arte del gag visual en el cine de el gran Buster. Vean, aprendan y disfruten. Y entiendan por qué Jackie Chan es el continuador natural del espíritu de perfección visual de Keaton.

The Handmaiden
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The handmaiden

La exploración del cuerpo, a su vez, como en muchos de los más consolidados melodramas eróticos, es la exploración de la psique. Por todo lo anterior el director teje su trama alrededor de la conciencia e inconciencia de sus cuatro protagonistas –la aristócrata curiosa, la falsa sirvienta, el estafador ambicioso y el tío masoquista- pero es el superego de estos lo que prevalece a partir de los pensamientos éticos y morales extraídos de una sociedad que oprime la figura femenina, pero que a la vez la tiene presente en todo momento, sea por la generación de placer o por la funcionalidad doméstica que carga.

#Polémica – Dunkerque (A Favor)
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#Polémica – Dunkerque (a favor)

FK: Vos sabés que una de las cosas que más me llamó la atención de la última película de Nolan es que, siendo que el tipo es bastante fan de las cosas grandotas y fastuosas, aquí todo me pareció más bien seco, carente de épica. Esa épica el fracaso me parece lo más interesante que puede haber hecho Nolan contra su propia obra

DM: Sí, no se parece demasiado a todo lo que hizo antes, pero eso no cambia que la película sea, en cierta forma, grandota y fastuosa. No solo por la dimensión material de lo que se cuenta (una operación bélica, que incluye grandes cantidades de vehículos, tecnología y movimientos humanos), sino también por el relato, que presume de cierto virtuosismo: mirá como presento a estos personajes, en momentos diferentes, y los voy haciendo confluir más adelante.

Los Ojos Sin Rostro (Georges Franju, 1959)
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Los ojos sin rostro (Georges Franju, 1959)

En el infierno inacabable de las pesadillas que suponen las influencias cinematográficas hay, si se quiere, una gran tapada. Esa película, que con el tiempo fue influenciando a muchísimos exponentes del género de terror (y no solo terror, pensemos en Almodovar, puntualmente en el de La piel que habito) por las siguientes seis décadas. Bueno, quizás no fue una influencia taaaaan visible, sino seguramente buena parte del cine de terror de los últimos treinta años sería mejor de lo que es. Por lo pronto, influencia secreta o a viva voz, Los ojos sin rostro no solo es una obra maestra apabullante, sino una película adelantada a su tiempo. Ah, y de paso influenció a Bill Idol para una gran canción. Denle play nomás

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