Me cuesta entender a la crítica de redes, afincada en Youtube. De pronto explotan unas cruzadas contra detalles de una película como Ligthyear, mientras alaban unánimemente a títulos como Monstruo del mar con un extraño tono de condescendencia y aprobación infantil, capaz arrepentidos por el backlash del Buzz o ganados a la campaña de marketing de la nueva cinta animada de la plataforma de N grande.
La cabeza de la araña se ha colado rápido en lo alto del algoritmo de Netflix, constituyéndose en una de las ofertas más apetecibles del servicio de streaming, durante el último mes, cuando venimos de discutir sobre el futuro de la plataforma, habida cuenta de su descenso en la bolsa y en la cantidad de suscriptores.
Moonknight nos propone otro bucle en las series de la cuarta fase del MCU. Tiene la ventaja de su casting, de un director egipcio de la cultura de lo cool, y de una producción cada vez más prolija en su diseño técnico de efectos especiales, secundarios barrocos y ambientes.
La ópera prima de Lena Brown y German Basso, Carrero, ha recibido los mejores comentarios en BAFICI, por replantear los códigos que dieron fama al nuevo cine argentino, a finales de los noventa, desde Pizza, Birra, Faso hasta Mundo Grúa. El filme cuenta la historia de Ale al momento de conocer a un joven que se dedica a llevar un carro con un caballo, para recolectar y vender productos usados, dejados en la ruta. Son, a su modo, recolectores como los quiso Agnés Vardá, chicos al margen del relato centralista del éxito y el privilegio clasemediero
El hombre del norte es una película enorme, intimidante y personal. La dirige Robert Eggers, autor de dos películas de terror folk y elevado como lo son La bruja y El faro. De aquellas recupera a dos de sus actores talismán: Willem Defoe y Anya Taylor Joy, a quienes se les suman Nicole Kidman, Ethan Hawke, Alexander Skarsgård y Bjork.
Todos estamos un poco hartos de la cultura de la cancelación, del filtro y el puritanismo del nuevo Oscar, de su regresión intelectual a una nadería infantil y potable, donde la glorificación de “Coda” es la punta del iceberg de una política conservadora, de rearme moral, para congraciarse con los sectores más progresistas de la demanda, aquellos dispuestos a emprender una cacería de brujas contra cualquiera que cometa el menor pecado, según los estándares del hipócrita buenismo de la academia.
Joaquin Phoenix es un actor en el que podemos confiar. Siempre nos propone un reto, que ya es bastante en el cine, independientemente que banquemos o no el resultado, como en el caso de Joker, que dividió a los perros blancos y a medio mundo. Yo la amé, pero entiendo que muchos de ustedes y de mis colegas la odiaron con sus razones.
Belfast nos cuenta la historia blanda del llamado conflicto irlandés, despojándolo de cualquier veta inquietante y disonante, para conquistar el Oscar y más allá. Es un filme blandito, casi un ejemplo del europudding británico en tiempos de Breixit, cuyo tono edulcorado y falto de compromiso, lo hace perfecto para recibir el reconocimiento de la corona del Bafta.
Inventing Anna pertenece al nuevo género de explotación de la “scam culture”, que ha asaltado al streaming, saqueando los recursos creativos del documental y las miniseries basadas en hechos reales. Ciertamente, Inventing Anna cumple con el ritual de paso de glorificación y castigo de una antiheroina, aclichetada desde su presentación con una peluca inverosímil. Un obvio retrato de la decadencia del “sistema capitalista”, desde una visión que se quiere progresista y defensora de los valores perdidos en una democracia que se corrompió, por culpa de los trepadores y los especuladores de Wall Street.
Presentada como una fábula trágica, inspirada en hechos reales, la nueva película sobre Lady Di, titulada “Spencer”, consigue atraparnos desde el primer minuto, gracias a la dolorosa interpretación de Kirsten Stewart , bajo la dirección del chileno Pablo Larraín, poseído por los espectros del Stanley Kubrick de “El Resplandor” y “Barry Lindon”. Por ende, una cinta cargada de un simbolismo, más o menos logrado según el crítico de ocasión, que regocija la mirada del espectador en busca de retos a su percepción, dentro de la estructura sofisticada de un filme declaradamente artie, manierista y millenial, cuyos cinco atributos conceptuales procedemos a comentar y desvelar.
En la estupenda C Mon, C Mon, Joaquin Phoenix sigue profundizando en su melancolía sin cura, utilizando una película neorrealista y poética como terapia, un experimento, quizás una pieza de arte y ensayo que es uno de los coming of age, tapados en la temporada de premios, y que tranquilamente puede darle una lección de cine y modestia a Belfast, que es otro trabajo de la mala conciencia y de la nostalgia hipócrita de los privilegiados que buscan pintarse como pobres.
El nuevo personaje de Sean Baker, director afamado de Tangerine y Florida Project, representa al arquetipo americano del “looser”, antihéroe trágico de conquista de un sueño inalcanzable como el de Midnight Cowboy, Después de hora y Uncut Gems, antecedentes naturales del largometraje con el actor Sim Rex, ex estrella porno de la generación MTV.
The Worst Person in The World cuenta la historia de una chica dividida entre dos romances, pasando rápidamente de un plano objetivo de situación, a otro de subjetividad pesadillesca y depresiva, donde la joven se sumerge en el surrealismo trendy de una ciudad zombie y de una vida paralizada.
Presentada como una fábula trágica, inspirada en hechos reales, la nueva película sobre Lady Di, titulada “Spencer”, consigue atraparnos desde el primer minuto, gracias a la dolorosa interpretación de Kirsten Stewart , bajo la dirección del chileno Pablo Larraín, poseído por los espectros del Stanley Kubrick de “El Resplandor” y “Barry Lindon”.
Tres en la Deriva del Acto Creativo supone el canto del cisne de Pino Solanas, en compañía de otros dos artistas legendarios de Argentina: el pintor Luis Felipe Noé y el dramaturgo Eduardo Pavlovsky, actor de renombre y talismán en la obra del ex senador, militante peronista, figura polémica, uno de los patriarcas del cine político en América Latina, con sus luces y sombras. Es el filme póstumo del autor, a modo de clausura crepuscular y retrospectiva de su obra, bajo la compañía de viejos afectos, familiares y amigos.
Quién lo impide ganó premio de interpretación en el reciente Festival de Mar del Plata. Fue un reconocimiento a su experimento de imbricar el documental con la ficción, en un híbrido de notable ascendencia dentro la oferta ibérica más indie. Sin ir tan lejos, el año pasado El año del descubrimiento, del mismo país, obtuvo la corona del certamen argentino, utilizando un procedimiento análogo. Por cierto, en el 2021, el estimado León Simiani conquista la competencia con el cortometraje “El Síndrome de los quietos”, activando el ejercicio de la creatividad a partir del montaje del material de archivo. Otra de las tendencias celebradas y establecidas en los últimos años, a modo de ensayo “markeriano” o “godardiano”.
De Disney vemos las imágenes finales, pero sus internas, aspiraciones y conflictos dan para una película aparte. Un filme como Encanto hipnotiza las retinas del gran público, y hasta del crítico de Festival, sin embargo, su maquinaría de producción exige un comentario menos terciado por el fanatismo.
Como su ópera prima Raw, la nueva cinta de la directora explora el concepto del canibalismo audiovisual, fagocitando ideas de la periferia y del legado de culto de varios genios malditos de la contracultura, como David Cronenberg, Gaspar Noé, Martin Scorsese, Nicolas Winding Refn, Claire Denis y Phillipe Grandieux, cuyas texturas alteradas inspiran las mejores instalaciones de la puesta en escena.
Al caer las dos torres, el planeta vivió horas de conmoción y shock, buscando alguna explicación en el bucle de unas torres demolidas. Ahí terminaron algunos cimientos de la civilización. La mediática no sabía cómo responder. La industria tampoco. Pero existía un club secreto con un plan y millones de fanáticos. Ellos formaron uno de los equipos extremos del siglo XXI. Una nueva generación de súper héroes había nacido para contrarrestar los efectos psicológicos de Al Quaeda. De Peter Parker en adelante, Marvel y DC se ocuparon de curar los traumas de millones de espectadores superados por el miedo al próximo ataque de Bin Laden, al siguiente tiroteo, a la última matanza sin sentido.
Flanagan no es un autor a la usanza artie de Ari Aster, pero sus “nuevas imágenes”, de texturas francesas y nórdicas de años ochenta y noventa, causan el principal rechazo entre los puristas del lenguaje atormentado y anómalo del gore más irreductible. Por defecto, las obras perfectamente pulidas y talladas por el escultor vintage de Doctor Sueño, logran convencer a las mayorías morales, a los buscadores de tendencias, a los apóstoles de las agendas políticamente correctas.
A diferencia de su rival comunista, la Corea del Sur y democrática pudo levantar una industria de la cultura mainstream, altamente deseable y apetecible por los mercados de todo el planeta, a consecuencia de deslastrarse de los códigos de censura de su memoria dictatorial, de incorporar la fusión entre occidente y la simbología asiática, de adoptar la conversión en soft power al acecho de la capacidad seductora de Hollywood, a la luz de un star sistem discreto y de un revisionismo extremo de los géneros clásicos, bajo la huella del cine independiente americano de los noventa con Tarantino a la cabeza, bajo la influencia de las vanguardias europeas y de las corrientes periféricas en el milenio.
Discutiré las texturas y contenidos de Annette, porque desde Cannes vienen dorándole la píldora en exceso. Refutaré algunos de sus artificios, siendo un primer fanático de las películas del director Léos Carax, quien fascinó al mundo con Mala Sangre, Los Amantes de Pount Neuf y Pola X. Me encuentro entre los defensores de Holy Motors, entendiéndola como una extensión de su corto Merde para el filme coral de Tokio.
Festival de Cannes, 1971. En medio del estreno de Muerte en Venecia, su director Luchino Visconti proclama a su joven protagonista, Björn Andrésen, como “el chico más bello del mundo”. Desde entonces, el filme cambia la vida del adolescente que encarnó al legendario Tadzio, en la adaptación de la novela de Thomas Mann, cuya versión italiana cautivó al público y dividió a la crítica.
La chatura visual impide pensar y respirar fuera de las cámaras pegadas a los palos, el montaje articula una funcionalidad rudimentaria de causa y efecto, los asesinatos carecen de la visceralidad y la sorpresa de la franquicia en el pasado, dando la sensación de fin de ciclo, de cumplirse con un trámite para conservar los derechos de explotación del contenido estrenado en el 2004, cuando James Wan supo dotarlo de ingenio y nervio, al replantear los cimientos de la porno tortura de Herschell Gordon Lewis, a partir de los códigos del thriller independiente de la primera década del milenio, como consecuencia directa del once de septiembre, sus guerras e imágenes explícitas del postrauma.
Amos del Universo: Revelación ejemplifica la actual deriva de Netflix en el tiempo de la inclusión y la instrumentación algorítmica de su audiencia. Los creadores deben ser vistos como los pretendidos amos del universo, quienes se valen de un objeto de culto, para seducir a una fanaticada específica, la de los ochenta y, claro, la de Master of The Universe, buscando complacer por igual al nuevo mercado de la generación de cristal.
El filme adquiere un subtexto rico y polivalente, conforme evoluciona su trama de un despertar de la conciencia menos millenial y de cristal, que heredado de la independencia contestaria de la serie “B”, amén de sus filiaciones con el John Carpenter de They Live, en cuanto la enajenación social se pierde al mirar con unos lentes distintos, descubriendo al desierto de lo real bajo el simulacro de los programadores de la ficción en línea, tendiente a mantener al rebaño enfrentado a partir de unos estereotipos de víctimas y victimarios en el diseño de un mundo virtual como The Lego Movie, Ready Player One y Wifi Ralph.
Hollywood ha construido parte de su mitología en la autopublicidad morbosa de su descenso babilónico a los infiernos. De entre sus muchas víctimas célebres, podemos mencionar el caso arquetípico de Orson Welles y su síndrome que alcanzó a realizadores de los setenta, como Coppola, Hashby o el propio Cimino, hundidos y quebrados por una industria que los usó y tiró como piezas de recambio, como fichas intercambiables, como pedazos de carne que se mutilan en la taquilla.
Roodney Ascher es un documentalista de la provocación en el ensayo fílmico con voces, teorías conspirativas e imágenes de archivo. Hasta la fecha, Room 237 fue el largometraje que lo catapultó a la fama de los Festivales, elaborando un poderoso estudio sobre El Resplandor, al entrevistar a diversos escritores y blogueros de la red. La película de Kubrick detonaba las visiones más pesadillescas y desquiciadas de un grupo de analistas, que reivindicaban el ejercicio denostado de la crítica en red.
El especial de navidad de Peanuts forma parte de la educación sentimental de muchas generaciones y países. Ahí su autor concentró el amor que siente por sus personajes, narrando una historia de hermandad y reconciliación, por encima de las grietas y las razas. Aquello le salía de una manera bastante natural y orgánica al creador de uno de los íconos del diseño, en el multiverso de los cómics, los tebeos y las tiras animadas que publicaban primero los periódicos y después los canales de televisión.
La pandemia ha instalado el retorno a un terror clásico que busca apalancarse en el terreno seguro de las franquicias y las series, el mal llamado “contenido” que tiende a homogenizar la oferta. Tres de las películas sensación de la temporada han sido títulos derivados de sagas establecidas en los últimos años del milenio, como El Conjuro : El Diablo me obligó a hacerlo, Un lugar en silencio – Parte II y Espiral.
Fin del Contenido
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