El síndrome de Tom Ripley engloba a la cultura de la estafa del milenio, basándose en el arquetipo definido por la novela de Patricia Highsmith, adaptada al cine con fortuna entre el pasado y el presente, amén de las versiones de Alain Delon, Minghella y Fenell.
Simón constituye una respuesta a la mitología bolivariana del oficialismo en el cine, lastrada por una serie de bancarrotas financieras y estéticas en Venezuela. Por el contrario, la película de Diego Vicentini es un rotundo éxito de crítica y taquilla, camino de ser el más resonante para la industria criolla en varios años. En tal sentido, es todo lo opuesto al género de próceres libertarios a caballo, de los últimos tiempos de dictadura.
“Dune 2” explora nuestro desierto de lo real, funcionando como caja de resonancia del mundo actual. El filme propone un diálogo sobre tres temas candentes: el culto mesiánico, el actual desencanto súper heroico y el desmembramiento de un universo imperial, al borde de una guerra.
La película “Past Lives” ha ganado prestigio en los corrillos de la crítica, como una de las cintas independientes del año, bajo producción de A24, el estudio que ganó el Oscar por “Todo en todas partes al mismo tiempo”. El filme metaboliza una serie de notables influencias del cine moderno y posmo, estableciendo un diálogo simbólico con el pasado del séptimo arte, desde la mirada sensual y sensible de su directora, Celine Song, una de las revelaciones del 2023.
Bob Marley: One Love es una sorpresa y un acierto como biopic musical.
Narra el montaje de un concierto, durante los convulsos años 70 de Jamaica, al borde de una guerra civil.
El filme envía un mensaje de paz y reconciliación política, a través de la historia del personaje.La película cuenta con la asesoría de la familia Marley en la producción, cuidando todos los detalles referentes a la imagen y la memoria del ídolo del reggae, sumergiéndonos en su conflicto edípico y su renacimiento como mesías de la cultura rasta.
Orion es el arquetipo de la sociedad de cristal, logrando constelizar los miedos de una generación sobreprotegida: sufre de pánico escénico y ansiedad social, racionaliza críticamente cualquier tema para no enfrentarlo y sacarle el cuerpo, suele victimizarse y ofenderse, le hacen bullying en el colegio y evita acercarse a su intereses romántico, para no equivocarse al hablar. Pero la suma de todas sus fobias se encarna en la oscuridad.
The Crown cierra su ciclo dentro del mismo formato aspiracional y su proyecto de construcción mítica, al sumergirnos en una historia de plena integración interclasista, muy del agrado de los popes del pensamiento débil como Baricco y Lipovetsky, quienes reivindican tales contenidos como una forma de solidificar las instituciones y valores de la democracia, de cara a las internas del poder aristocrático.
El proceso puede que haya comenzado con el falso culto a su versión extendida de “Liga de la justicia”, un filme hueco y pretencioso que creía subsanar los problemas del original, ensanchando su metraje y rescatando descartes, como si la longitud marcara un sello de distinción autoral en la industria, será como reminiscencia de los últimos delirios del New Hollywood, cuando el manierismo coppolliano empezó a naufragar en taquilla y luego hizo crisis en el reventón de Cimino con “La Puerta del Cielo”.
Hugh Grant odia a su Oompa Loompa. En entrevistas suele hablar del tema con desdén, por compromiso. Pero no será un papel estelar en su vida, en su carrera. No es para menos. La pantalla lo expone como un meme automático para quemar en las redes. Problema del CGI y de parte de la ejecución del filme en su apartado de efectos especiales.
Lo digo porque veo mucho hype, de parte una prensa rosa, hacia la película, como si fuese un evento imprescindible.
Llaki cuenta el viaje personal del director Diego Revollo por encontrar una respuesta ante su pérdida de la audición, después de probar con la medicina tradicional. La mitad de su rostro se paralizó y empezó a sufrir una merma en su capacidad de oír. El documental “Llaki” expone su proceso, de una forma intimista y subjetiva, al salir de la ciudad de la Paz en pos de verse con un grupo de curanderos de la famosa nación Kallawaya, considerada patrimonio de la humanidad por la UNESCO. Pude verlo en el Festival de Mar de Plata y lo experimenté como una epifanía, como un mensaje del cine para conectarnos con ideas trascendentes y emotivas a través de un storytelling apasionante
La precuela de Los Juegos del Hambre se bifurca en dos direcciones, en dos películas, una lograda en su acción física, la otra hinchada por la especulación con el tiempo, a causa de las presiones de los estudios ante la competencia de la narrativa expandida de las series y franquicias.
Fincher plasma a la perfección la novela gráfica de The Killer, en su nueva película para Netflix, donde su grandeza plástica empequeñece a la pintura intrascendente de la plataforma.Estéticamente, la cinta es como un cuadro de Edward Hopper, aparentemente simple pero profundo.
Por encima, la película supone un refinado ejercicio de estilo abstracto y posmoderno, al combinar las esencias de los polares de Melville(El Samurai a la cabeza), los manierismos de Hitchcock y sus réplicas en De Palma, las señas noir del autor en Se7en, Zodíaco y El club de la pelea.
Costó 20 millones y lleva 130 recaudados en el mundo. Es el éxito de crítica y taquilla de la temporada de Halloween, un ovni en medio de una ráfaga de secuelas fallidas y prescindibles. Está basada en un video juego, representa el reverso terrorífico del fenómeno de “Súper Mario Bros”, ambos asentados en propiedades intelectuales cuyas primeras adaptaciones saben impactar en el mercado, al construir productos solventes y neoclásicos, para un público ansioso ante los temas del “agendismo” contemporáneo.
Five Nights at Freddy’s, como Súper Mario Bros, evita meterse en problemas con su fandom
Juego Limpio narra la historia de una joven pareja que compite por un cargo de importancia en una casa de corredores de bolsa. La película revista la estructura de films como Wall Street, El nuevo sueño americano y El Lobo de Wall Street, pero desde la perspectiva de una mujer.El problema del filme es su escritura chata, que se quiere profunda y compleja por su aproximación políticamente correcta del género.
Precisamente del país del director, de la ahora conspiranoica realidad de Reino Unido, viene uno de los filmes más destacados del mes en Netflix, Acusado, sobre un joven de la India al que señalan como responsable de un ataque terrorista en el Metro de Londres, solo por su origen étnico.
Por lo general, los largometrajes tienden a hinchar su duración, buscando una supuesta mayor profundidad que se les diluye por una obvia incapacidad narrativa de sostener un guion por cinco actos, una nueva frontera que se ha trazado la industria para rentabilizar el negocio de la atención. La idea es que con el presupuesto de una producción pequeña, puedes hacer hasta una serie de varios capítulos. Pero el problema es que no siempre logran sostener la estructura dramática del proyecto, menos su vistosidad estética, sin sufrir algún percance en materia de comunicación social.
“Painkiller” rompe con la monotonía de Netflix, al erigirse en una de las mejores series del año, narrando el llamado “crimen del siglo”, es decir, el genocidio silencioso causado por la crisis de los opioides en Norteamérica.Tiene la ventaja de contarlo con eficacia y humor negro, bajo la dirección de un solvente y veterano Peter Berg, en su máximo pico de creatividad, de vuelta a su época independiente como realizador de comedias sarcásticas como “Very Bad Things”
La película cumple con el loable cometido de denunciar a las mafias del tráfico infantil, exponiendo la punta del iceberg del problema, según un clásico molde de buenos patriotas contra malos extranjeros, dando pie a críticas que señalan su racismo y xenofobia, su escasa gama de matices para representar a los personajes latinoamericanos, unificándolos a todos en una casilla de explotadores envilecidos.
La segunda temporada de El Oso disputará con Succession el podio de la mejor serie dramática del 2023.La producción sobre el mundo de la cocina en Chicago, logra mantener la consistencia en los fogones del arte dramático, amén de profundizar en las historias de sus personajes principales y secundarios.
Wes Anderson ha devenido en un autor menos popular, de lo que se cree, entre la crítica y el ámbito de los Festivales, que debería ser su ecosistema natural. De hecho, Asteroid City ha sido resistida por la mayoría de mis colegas en Cannes, obteniendo puntajes bajos y reseñas frías.PeroAsteroid City es una carta de amor a un cine que empezamos a extrañar con nostalgia y melancolía, en medio de un mundo tan plagado de tecnología, algoritmos e inteligencia artificial.
The Worst Person in The World cuenta la historia de una chica dividida entre dos romances, pasando rápidamente de un plano objetivo de situación, a otro de subjetividad pesadillesca y depresiva, donde la joven se sumerge en el surrealismo trendy de una ciudad zombie y de una vida paralizada.
El clon de Tyrone no es otra tonta película woke, por si a las moscas y andas inquieto, con ganas de disfrazar tu racismo de lectura contra la representatividad y demás hierbas. Es sí un filme de celebración y deconstrucción del blaxplotation, sin pose canchera o de distanciamiento revisionista de la superioridad moral de los hípsters afroamericanos.
Barbie emprende una rescritura de la historia del séptimo arte, a partir de sus cánones y monolitos, aparentemente inconmovibles, para primero trastocarlos y luego sustituirlos por sus réplicas femeninas, en un trabajo iconoclasta propio de los revisionismos artísticos contemporáneos, desde el enfoque de las vanguardias de ellas, ahora masticadas y procesadas por el star system.
The Out-laws (inevitable juego de palabras entre outlaws-los fuera de la ley e inlaws-suegros) se llama la nueva comedia de Netflix, protagonizada por Pierce Brosnan, al modo de una parodia de enredos y atracos, bajo la producción de Adam Sandler y la compañía Happy Madinson, dedicada a la explotación de filones de un humor blanco, antes políticamente incorrecto, ahora potabilizado por el filtro parental y “Black Mirror” del servicio de streaming, donde se quitaron la careta de una vez con el tema del woke, o al menos lo parece por ahora.
The Idol redunda en tropos y temas, que acaban por reforzar todo lo que critican. En tal sentido, la serie viene arrastrando un escándalo, desde su fase de producción, cuando despide a su primera directora, pues deseaba proyectar un enfoque más femenino. A Weeknd no le gusta el perfil que va tomando el asunto, y al final se decide cambiar a la realizadora, volver a filmar escenas e imponer una mirada de masculinidad tóxica, que se regocija en la cosificación, el sexismo y una porno tortura seudochic, más propia de una revisión artie de 50 sombras de Grey, que de una pretenciosa serie de HBO.
Carta de amor y muerte al cine, apostando a su resurrección, mediante el trabajo secreto de un coleccionista, curador y docente. En ella, Bellande (de larga trayectoria como documentalista), observa con sutileza antropológica, con voluntad de invisibilidad. Narra la historia de un preservador de la imagen en celuloide frente a la falta de matices de la proyección digital. Pasado y presente.
Paul Shrader ha vuelta a filmar una película importante que nos hace replantear su filmografía. La cinta se titula “Master Gardener” y cuenta con la actuación protagónica de Joel Edgerton, en un papel de pura contención “bressoniana”, bajo la inspiración de los arquetipos atormentados que ha venido diseñando el autor, desde su tiempo como guionista.
Aparte de ser un triunfo del lenguaje animado, “Spiderman a través del spiderverso” representa un viaje lisérgico al subconsciente de la franquicia, a su lado oscuro y reprimido, liberándolo por medio de una exposición de todas las versiones posibles del hombre araña. En tal sentido, la cinta habla del control de la narrativa sobre el personaje, como una de sus tantas declaraciones de principios y meditaciones.
Nos sumergirnos en el estreno de La Sirenita con el escepticismo natural del crítico ante dos fases problemáticas del Disney del milenio: la tendencia de adaptar los clásicos animados con actores de carne y hueso, por un lado, y la pragmática absorción de la agenda woke, para complacer a la audiencia demográfica del estudio. No obstante, ambos criterios han sido resistidos por la crítica y el público, por diferentes motivos.
Si Sucession es la perfecta metáfora del capitalismo contemporáneo, el capítulo diez nos habla de cómo opera su mano invisible en la actualidad, un poco a la usanza de GOT, subiendo y bajando pulgares en mesas secretas, de barones decadentes y besos de El padrino, necesitados con urgencia de la llegada de dinero fresco, procedente del mercado foráneo y nórdico.
Fin del Contenido
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