Carla Leonardi

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#GimmeShelter: cine, series, libros y otras cosas para sobrevivir (IV)

En las tres ficciones que elegí los personajes quedan girando en falso. Viven en un loop sometidos a la sombra de un destino trágico inconmovible que los arrastra y arrasa subjetivamente. Se trata de la fijación al trauma que irrumpe como aquello no cesa de escribirse y que moviliza al aparato psíquico en sus intentos infructuosos por agotarlo. La repetición del pasado como modo de trabajo de la psiquis, sin embargo tiene su aspecto positivo en que en lo que se reitera cada vez, se va produciendo una mengua del goce de la insatisfacción. Ante la irrupción de este acontecimiento nuevo que es la pandemia del Coronavirus, el primer impulso será responder con el modo como veníamos respondiendo al desajuste cotidiano.Y es muy probable que pronto advirtamos que las viejas respuestas comienzan a mostrar sus fallas.

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Emma

La nueva adaptación de la novela homónima de Jane Austen -y opera prima de la realizadora estadounidense Autumm de Wilde- se mantiene fiel al libro en cuanto respeta su trama, su anclaje temporal en la época victoriana y ese espíritu de comedia romántica de enredo y de iniciación, donde los protagonistas deben madurar ciertos aspectos de su personalidad para alcanzar la consumación amorosa. La versión 2020 de Emma sigue manteniendo intacta su capacidad de interpelación (en algún momento Cluless, a mediados de los 90s, intentó aggiornar la novela al presente e interpelar a esa generación con otras herramientas). Emma, con su vida económica resuelta, su inteligencia y esa seguridad en sí misma es una joven perfectamente identificable en estos tiempos de liberación femenina, que innegablemente se amolda al modelo de consumidor adolescente que propone el capitalismo globalizado. Pero, Emma también viene a decirnos que más allá de las transacciones y las conveniencias y los imperativos sociales, siempre resiste la contingencia del encuentro amoroso y que bien vale la pena ceder el narcisismo para recuperar el deseo.

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Dossier Estudio Ghibli (XIII): El cuento de la princesa Kaguya

El último largometraje de Isao Takahata abre con la voz en off de la narradora comienza con el elemento fantástico de un descubrimiento, por parte de un humilde y anciano cortador de bambú, que encuentra, dentro de un tallo de ese vegetal a una diminuta niña. El hombre asume este encuentro como un milagro proveniente del cielo y decide decide llevarla a su casa. Rápidamente, la ninfa se transforma en un bebé humano. El anciano decide criarla como si fuera su hija, junto a su esposa. La bebé crece con velocidad y deviene una niña de espíritu libre y feliz que se cría en contacto con la naturaleza y con los hijos de los torneros vecinos. La niña retoza entre la maleza y los arboles, juega con animales y desarrolla una profunda amistad (que con el tiempo devendrá amor) con Sutemaru. Este joven la protege de la intrepidez con que se vincula con la naturaleza, al desconocer la pequeña sus aspectos peligrosos.

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La biblioteca de los libros olvidados

La contraposición entre la ficción (o el mito literario) y la realidad, como dos posturas en pugna o que podrían hibridarse, en el sentido de que la realidad tiene estructura de ficción. Al menos ese es el debate que pone en escena La biblioteca de los libros olvidados. El film es la adaptación de la novela homónima del escritor francés David Foenkinos y se construye como una variante del código de un policial de enigma (al cual el título original, Le mystère Henri Pick, hace referencia), aunque narrado en clave de comedia, donde el misterio está en averiguar quién escribió verdaderamente la novela. La biblioteca de los libros olvidados, a diferencia de las trilladas y convencionales comedias de enredo francesas que solemos ver en los estrenos de los jueves, funciona gracias a un guión consistente y original desde el policial de enigma, que como a los protagonistas, consigue insuflar, por medio de la comedia, una vitalidad que últimamente había perdido.

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Dossier Estudio Ghibli (IV): El castillo en el cielo

Sostenida sobre el código de una película de aventuras, donde de lo que se trata es del camino de aprendizaje y maduración que realiza el héroe en su periplo explorando un nuevo mundo, El castillo en el cielo tiene un protagonista, si. Pero como en buena parte de lo que sucederá con los demás films del estudio, casi siempre el protagónico será para una mujer. Aquí la protagonista es una jovencita, llamada Sheeta. Adelantado a su tiempo, Miyazaki crea para esta y muchas de sus películas a una heroína mujer. La mujer queda situada como valiente, activa y dotada de una misión que puede cambiar el destino de la humanidad, trascendiendo el bastante más tradicional y acotado rol de esposa y madre que el cine de aventuras supo construir a lo largo de casi un siglo.

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¡Por fin solos!

En ¡Por fin solos!, comedia del director francés Fabrice Bracq, no se trata de la clásica premisa de la joven pareja que lucha por la felicidad que significa consumar su casamiento frente a un entorno que se lo complica e impide, sino del matrimonio sexagenario que pelea frente a los distintos obstáculos que imponen diversas situaciones familiares para poder alcanzar el sueño del retiro apacible y feliz. ¡Por fin solos! es una comedia simple, con escasos pasajes logrados, ya que el humor que despliega carece de ideas visuales interesantes. Al mismo tiempo respeta a rajatabla las clásicas convenciones del género, lo que la vuelve absolutamente previsible en su desarrollo como en su resolución.Después de todo, nos dice la película, no se puede huir de la familia y tampoco todo lo que viene de la familia supone una claustrofobia y demandas intolerables. Tal vez se trate de aprovechar la jubilación como ocasión para vincularse con los propios hijos y nietos de una nueva manera. En este sentido, la película permite pensar una idea de felicidad más madura

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Portrait de la jeune fille

La realizadora francesa Céline Sciamma a lo largo de su filmografía se caracterizó por indagar en cuestiones vinculadas al despertar sexual y a la identidad de género durante la infancia y la adolescencia. Su ultima película Retrato de una mujer en llamas, si bien está situada en el periodo de juventud, no deja de coherente con sus intereses, pues trata de la exploración del primer gran amor de dos jóvenes mujeres en clave melodramática.Una profesora de dibujo posa con mirada taciturna para sus alumnas. Al mismo tiempo les enseña a fijarse en ciertos detalles para componer su retrato. Una alumna ha traído a la clase un viejo cuadro pintado por la profesora que lleva por titulo “Retrato de una mujer en llamas”. A partir de allí, entramos como espectadores a la memoria de quien es la narradora y descubrimos la historia de la mujer retratada a partir de su punto de vista.

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El acoso

A partir de la última oleada del feminismo, el de la cuarta ola -que entre otras cosas ha permitido una mayor disposición a expresarse por parte de las mujeres- cada vez es más frecuente en los consultorios psicoanalíticos que a partir de escuchar las denuncias de otras mujeres, muchas pacientes comiencen a recordar, registrar y narrar situaciones de abuso vividas en la infancia que habían reprimido. No obstante poder tomar la palabra, convocar la expresión de estos acontecimientos, suele estar acompañado frecuentemente de sentimientos de vergüenza y culpa. Esto no hace más que dar cuenta de la dificultad para hablar del tema al día de hoy, aún con cierto marco de mayor apertura por parte de la sociedad. Es este silencio -y la conflictividad de relatar episodios de violencia de género- una de las claves de la película El acoso, película de la realizadora israelí Michal Aviad, que cuenta con una trayectoria como documentalista pero que en este caso se lanza de lleno a la ficción.

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Amanda

La experiencia del duelo, consecuente a una situación traumática, puede ser la ocasión de una transformación que conlleve un crecimiento. El desafío es poder narrar esta experiencia sin caer en excesos melodramático. El tránsito del duelo y la asunción de la paternidad son los temas centrales de Amanda.

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La botera

La adolescencia es una etapa de transformaciones marcadas por el despertar sexual, si, pero al mismo tiempo ese despertar marca una instancia de pasaje, que deja en evidencia las implicancias de realizar el duelo por el niño ideal que fuimos para nuestros padres así como el duelo por los padres idealizados de la infancia, para construir nuestro propio camino como sujetos mientras nos adentramos en el mundo adulto. En esta etapa ancla Sabrina Blanco a su opera prima, La botera, en una ficción que hibrida el realismo social con el coming of age pero desde una perspectiva menos tradicional a los relatos de adolescentes de clase media.

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Downton Abbey

Es cierto que Downton Abbey es una película que sin dudas disfrutarán más los seguidores de la serie que los neófitos. Acaso la idea no haya sido otra que permitirles a los seguidores de la primera hora ver a sus entrañables personajes brillar una vez más en la pantalla grande. Y no mucho más que eso. Como un bonus track. Como un bis final en un recital. Al mismo tiempo, para quienes no hayan transitado el universo de la serie, la película resulta un tanto ardua y caótica al comienzo, dada la cantidad de personajes con una frondosa historia previa que resultan desconocidos y en los cuales no se puede profundizar plenamente ya que la velocidad que ostenta hace que sea compleja la comprensión en una primera instancia de visionado.

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Mar del Plata 2019 – Diario de festival (8)

Después de algunos años de ausencia, con la llegada de 2019 vino el retorno. El mío a Mar del Plata, a un festival compartido con amigos. Conversar sobre las películas luego de verlas, o cruzarse en las calles para charlar y pasarse recomendaciones, es uno de los aspectos más interesantes: el intercambio de la experiencia personal y los debates que surgen a altas horas de la noche. Como siempre en esta revista, decidimos hacer las coberturas en dos partes. Por eso siempre los diarios son más impresiones personales. Y con tiempo, sin la urgencia de la cobertura, al mes siguiente, analizamos más en detalle. Por eso de lo que voy a hablar es de la experiencia personal. Y de las películas, claro.

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Punto muerto

Punto Muerto arranca con la estructura de muñecas rusas, con un relato dentro del relato. Se trata de una historia de la saga del detective Boris Domenech del reconocido escritor de policiales Luis Peñafiel (Osmar Nuñez), quien la narra en el vagón de un tren al exigente y malicioso crítico literario Edgar Dupuin (Luciano Cáceres). Se trata de un caso de enigma, de los típicos policiales de habitación cerrada, ambientado en la Buenos Aires de 1907, cuya resolución por parte del escritor no convence al crítico porque es tratado como un crimen “sobrenatural”, lo cual lo vuelve inverosímil. Las alusiones a Poe a la orden del día.

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El reino de la corrupción

Planteada la situación, la película se desarrolla como una ficción de género político, hibridada con el cine criminal, donde el partido aparece como una suerte de pandilla gangsteril de guante blanco. Es ese el motivo que justifica que esté narrada empleando acertadamente los recursos narrativos y formales del thriller para dar cuenta del encierro y la situación límite en la que se encuentra el protagonista. A partir de entonces asistimos al descenso al abismo en caída libre de Manuel, al ritmo de tensión frenética, marcada por la banda sonora de compás electrónico y por los planos en espacios cada vez más claustrofóbicos y oscuros que dan cuenta de la atmósfera paranoica en la que el protagonista se va sumiendo.

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Mujer en guerra

Es interesante entonces como la película (de manera oportunista el estreno se produce en plena tensión por la cumbre mundial climática) funde dos problemas: el del estado frente al individuo y el del estado frente a la mujer en particular. En esa disparidad entre las fuerzas en disputa es en donde la película juega su dilema moral. Al producirse un corrimiento mediático del eje del debate del calentamiento global a la seguridad nacional, Halla radicaliza aún más su protesta. La pequeña Nika no opera como límite para Halla. Todo se encamina entonces hacia el castigo y la tragedia para la heroína.

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Así habló el cambista

La última película del realizador uruguayo Federico Veiroj, reconocido por películas como La vida útil, El apóstata y Belmonte, es más ampulosa en cuanto a sus ambiciones que sus precedentes, pero no obstante logra mantener la idiosincrasia rioplatense así como sus marcas de identidad como director. Una de esas marcas está en el trabajo obsesivo en torno al conflicto íntimo de los protagonistas con el universo masculino y sus representaciones. Y como esa masculinidad se piensa en torno a la religión, el desempleo o el éxito como factores determinantes de la subjetividad masculina de sus personajes.

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El silencio de otros

El titulo del documental se sitúa entonces en una doble dimensión de lectura. “Otros” puede leerse desde los querellantes, dando cuenta del silencio elegido por muchos al sostener el pacto del olvido, mientras ellos alzan la voz de la denuncia y de la lucha. Pero también “otros” puede leerse desde aquellos que rechazan la diferencia y deciden silenciarla, eliminarla concretamente. El pacto del odio redobla el silencio de manera nefasta, pues condenados ya a un silencio real ahora les impone a las víctimas y a sus familiares un silencio simbólico al no devolverles las marcas identitarias de su historia.

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Baldío

Baldío asume, reflexivamente, todos y cada uno de los códigos del noir (blanco y negro, luces focalizadas, contrastes marcados, que naturalmente buscan evidenciar la ambigüedad y el conflicto moral de los personajes) ya dentro de la película filmada como fuera de ella. El código, entonces, se extiende: en su piloto Brisa se interna en los bajofondos suburbanos tratando de dar con el paradero de su hijo, un joven adicto al paco que ha caído, debido a ello, en una importante degradación física y moral.

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La espía roja

Definitivamente de la mano de la nueva oleada del feminismo han surgido una gran cantidad de películas que abordan los géneros desde una mirada femenina, que buscan revalorizar el protagonismo de la mujer en la sociedad o que, al menos, abordan temáticas que le conciernen como las desigualdades sociales y la violencia hacia ellas. Pero en general, el abordaje del mismo tiende a construirse desde un lugar de oportunismo comercial, donde muchas veces la lucha feminista termina retratándose como un simple y revisionista reverso vengativo. Por eso, en el contexto contemporáneo, vale la pena pensar en una película pequeña como La espía roja, ya que detrás de su previsibilidad, esconde un lugar poco habitual para su protagonista.

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Alles ist Gut

Frente al problema del cómo, cuándo y dónde denunciar, Alles ist Gut, da cuenta de una posible respuesta: la opera prima de Trobisch permite tomar conciencia de la importancia de contar con espacios de contención y de trabajo psíquico donde el trauma pueda ser tramitado y trascender hacia un acto de palabra, que a los efectos concretos es un acto más conectado con la vida que con la muerte y la destrucción

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El emperador de París

El emperador de París, no funciona cuando más cree en el mito sino cuando más lo cuestiona. Por eso la inclinación a dotar de un aura heroica y bonachona al personaje de Vidocq desluce un tanto los resultados de este biopic desplazado sobre el mito. Tratándose de una figura tan compleja como atractiva es una pena que el peso de la acción no permita capturar más profundamente su esencia llena de matices y contradicciones.

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Astrogauchos

Astrogauchos (2019), ficción en clave de comedia y sátira del realizador argentino Matías Szulanski está estructurada narrativamente en tres capítulos y un epílogo, que siguen una temporalidad lineal desde el año 1966 al 1969 en plena dictadura del General Onganía, la película construye un código, que es el de la sátira, que siempre ha sido un arma adecuada para el humor político.

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El árbol de peras silvestre

Lo notable de El árbol de peras silvestre, es que pese a ser una película con varios pasajes de extensos diálogos filosóficos sobre política, literatura, religión o la experiencia de vida, Nuri Bilge Ceylan evita el subrayado y la pesadez, apoyándose principalmente en poética visual, que habla y dice mucho más y mejor que sus personajes: ya sea a través de la fotografía, de las sutiles irrupciones de lo onírico y lo fantástico o del acompañamiento que la cámara realiza de los personajes en la sinuosidad de los caminos campestres, la película es una explosión de belleza que se abre a múltiples resonancias.

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#Dossier90s: Las chicas de ayer

En un contexto en donde el cine industrial (y el no industrial también) parece presentar el fenómeno del empoderamiento como una novedad radical y sin existencia previa, bien vale preguntarse por el cine del pasado. Acoto hoy mi pregunta al cine de los años 90, a los fines de este dossier, ya que se trata de una década contradictoria, interesante para pensar y para desvelar algunas cuestiones.

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Breve historia del planeta verde

La película de Loza no escatima referencias sobre la idea periférica de su película, acaso algo que a esta altura ya es histórico dentro del fantástico: la operatoria de pensar a cualquier alteridad a lo humano como perfecta parábola de otras alteridades a la norma cis-hetero-masculina. Si, como se imaginarán, los tres protagonistas claramente rompen con los estereotipos culturales tradicionales del deber ser de un hombre y una mujer.

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Dirty John, The Dirty Truth

La respuesta que brinda lateralmente Dirty John no se queda solo en la fascinación paralizante con el victimario, sino que también apunta a la víctima, ya que permite inferir que quizás la mujer pueda dejar posicionarse en inferioridad o minusvalía y tolerar un amor menos infantil, que acepte las diferencias, el malentendido y los conflictos como ineludibles en todo lazo amoroso. Esa idea acaso pueda servir para no involucrarse tan rápidamente y salir a tiempo. Esto en ningún momento convierte a la víctima en culpable de los hechos, pero si permite entrever un matiz más adulto

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Doberman

La película pone en evidencia la hipocresía de quien habla mal de la otra en los chismes con amigas, pero que en presencia de ella se muestra amable y comprensiva, aunque en realidad no soporte que le venga con sus problemas; los prejuicios de clase social (por ejemplo subestimar el sentido de la estética y la inteligencia de alguien de menos recursos) y muy especialmente los prejuicios y la descalificación que se da entre las mujeres con respecto a aquellas que sostienen una moral diferente.

Foto Estudio Luisita Perro Blanco

Foto estudio Luisita

En una época que desprecia a lo viejo, Foto Estudio Luisita, desempolva el viejo arcón de los recuerdos y nos propone tanto un viaje maravilloso por la memoria de una época (que acaso todavía tenga algo para decirnos), como la posibilidad de que la obra de Luisa Escarria se reencuentre con el público y de que el público conozca a la mirada bondadosa que nunca dejó de buscar el lado bello de las personas

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Bafici 2019 – Diario de festival (5)

2019 me encuentra en el Bafici otra vez, ese que solía disfrutar en las salas de cine América o del Atlas Santa Fe, con la sala repleta. Por ese entonces no me dedicaba a la critica de cine y me encantaba disfrutarlo con una amiga. Nos encantaba estudiar la programación y elegir qué películas íbamos a ver. Ella siempre atenta al día que salían las entradas a la venta.

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Las dos reinas

Siempre implica un riesgo llevar al cine la vida de personajes históricos tanto porque la complejidad de esas vidas puede caer en un reduccionismo banal al acotar hechos y personas complejas en un par de horas, como por la inevitable comparación con el original, que puede implicar una decepción no pocas veces mayúscula. Frente a estos problemas se enfrenta la directora inglesa Josie Rourke en su ópera prima, que toma como figura central a la fascinante María Estuardo

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