Autor: Mariano Bizzio

Bardo, falsa de crónica de unas cuantas verdades (pequeño descargo: es necesario tener estos nombre kilométricos, Alejandro?) es una película horrible y publicitaria, que mezcla tanto de Jodorowsky como de Malick con Fellini, pero digeridos luego de haber pasado por una freidora industrial, de esas que densifican la grasa hasta puntos irrespirables. Pero decir esto es fácil: tiene mucho de comodidad, de pose y de “el que sigue”.

Situada en un incierto territorio, tan americano como es posible de ser, la ópera prima como director de Channing Tatum se produce literal y simbólicamente en un cruce de caminos, que también se puede hacer extensible a un cruce de influencias cinéfilas que tiene su centro en la sensibilidad de un cine afín, que es el cine de Clint Eastwood, con cuya obra Dog tiene mas de un punto de contacto.

La película de Mirko Stopar, que pudo verse en la edición 2022 de Bafici, encierra detrás de sí un aire borgeano al intentar dar cuenta de la vida y obra de Lars Andersen, un arponero, cazador de ballenas, en este caso de aliento melvilleano. Borges aparece una y otra vez cuando testimoniamos una vida que nada tiene que envidiarle a los documentales apócrifos.

Robert Eggers es un exponente cada vez más evidente de lo que me gusta llamar el exceso controlado, que no es otra cosa que la cerebralidad vestida de seda, es decir, mona. Por algún motivo que no logro decodificar varios colegas se manifestaron a favor de este chancho perfumado confundiéndolo con esas otras salvajadas reales como las que pergeña el mejor Mel Gibson. No, muchachos: el hombre del norte no es Apocalypto ni por casualidad.

Lo de Uncharted: fuera del mapa no es ni cinefilia, ni clasicismo ni autoconciencia ni videojuego. Es, en todo caso, una invitación a la patada. A patear hacia adelante, a confiar en una aventura que nunca llega (desde hace 20 años que el género se entrega a los mayores anacronismos disponibles porque el presente carece de misterios y zonas sin descubrir), a creerle al Douglas Fairbanks de la generación de cristal (Tom Holland sabe que su presencia está en los saltos y las piruetas) y si hay búsqueda del tesoro, a creerle por un rato abrazando todos los lugares comunes disponibles del coming of age que se encuentra con la comedia burbujeante de ladrones y con un filohispanismo camp que se disfruta solo por verlo a Banderas haciendo de español que habla mal español y se quiere comer al mundo.

Dónde se para Halloween Kills frente a todo esto? En un lugar entre el más allá y el más acá, con una mirada estrábica. Porque un ojo decide rizar el rizo de ricitos de oro, es decir, jugar con la autoconciencia como único objetivo. El ojo restante se obsesiona con borrar la existencia del pasado, con hacer de cuenta que Michael Myers no hubiera nacido. Y pretende pensar que entre la primer entrega y esta hubiera una línea directa, como si se nos propusiera olvidar las secuelas penosas. Cine de reescritura, el de David Gordon Green, al mismo tiempo, no ejecuta el psicologismo de las dos entregas de Rob Zombie

Cuando nos acercamos a la película de Lucas Turturro, en el fondo, nos acercamos a un monstruo de dos cabezas, claramente definido: uno que piensa con potencia cinematográfica, que cree en las imágenes y en su condición de posibilidad (el trabajo sobre el encuadre, con el montaje y, especialmente, con la dirección de foto, hablan de un director consciente de qué debe hacer para que la historia se enrarezca y avance sobre un camino de ripio, con incomodidad); pero también hay otra película, que es la que arrastra un sistema de representaciones habitadas por el cine argentino durante décadas: el sistema de las alegorías.

Es interesante porque aquello que alguna vez supuso una lectura política precisa (teniendo o no relación con su tiempo) como bien lo demuestra el cine de John Carpenter o de George Romero hoy construye una inversión: En esta dirección que, a primera vista, puede leerse como una decisión crítica con la política local (del país del norte), pero que en realidad avala la fantasía latinoamericanista empobrecida y empobrecedora es en donde debemos ver los principales problemas de La purga por siempre, que fue defendida, precisamente, por su presunto antitrumpismo (Ay, pero Donald!).

Cuando Ilya Naishuller hizo, hace apenas un lustro, una película anómala como lo fue Hardcore Henry, varios nos preguntamos si el truco iba a funcionar. Desconfiábamos porque el cine ya había fracasado varias veces con ese juego de hacer una película íntegramente desde el punto de vista de un personaje (se habla de la mediocre La dama del lago, de Robert Montgomery). Pero desconfiábamos porque estábamos usando nuestro peor piloto automático a la hora de pensar las películas.

Ya no puedo decir, siquiera, algo como “todo rompen”, porque queda viejo. Pero si me puedo ir despidiendo de una saga que fue una montaña rusa: arrancó muy abajo con las primeras cuatro, subió notablemente y cambió todo con la cinco, mejoró y nos hizo notar que había algo mas que un error y que realmente valía la pena la confirmación de las nuevas ideas con la seis, llegó a su punto más alto y delicioso, dueña de una conciencia y un disfrute notable en la 7 y en la 8 comenzó a expresar algunos problemas importantes, en la 9 no oficia que no era otra cosa sino un spinoff para contentar a The Rock (enojado y distanciado de Vin Diesel) que fue Hobbs & Shaw se replicaban los mismos inconvenientes pero se notaban un poco menos por la pericia del director de Atómica. Pero en esta novena entrega real rompieron el chiche. Porque retomaron lo peor de las primeras cuatro, lo que había sido sabiamente olvidado en las siguientes tres y parcialmente recordado en la cuarta del segundo par tetratológico: la zarandungada de la familia como tema central.