En Extraordinario pasa algo similar. La propuesta de la película es la idea de un bien basado en la contención familiar, la posibilidad de forjar amistades verdaderas y otras formas de entablar relaciones humanas positivas que termina imponiéndose sobre todo. Pero también sabemos que la película amaga todo el tiempo por mostrarnos tragedias que pudieron haber sucedido pero que tuvo la bondad de no exhibir
Dos amores en París (L’embarras du choix)
Francia, 2017, 95′
Dirigida por Eric Lavaine.
Con Alexandra Lamy, Arnaud Ducret, Jamie Bamber, Anne Marivin, Sabrina Ouazani, Lionnel Astier, Jérôme Commandeur y Arnaud Henriet.
Por Hernán Schell & Federico Karstulovich
A la guerra por amor (In guerra per amore)
Italia, 2016, 99′
Dirigida por Pierfrancesco “Pif” Diliberto.
Con Pierfrancesco “Pif” Diliberto, Andrea Di Stefano, Sergio Vespertino, Maurizio Bologna, Miriam Leone, Samuele Segreto, Stella Egitto, Antonello Puglisi, Vincent Riotta, Maurizio Marchetti y Orazio Stracuzzi.
Por Hernán Schell & Federico Karstulovich
Último día del ciclo de terror contemporáneo. Nuestro enviado no solo se pone un tanto elogioso con la película de cierre sino que logra dar buena parte de las razones que hacen de la misma un verdadero clásico contemporáneo. En el medio de eso se dedica a pensar por qué el slasher se convirtió en lo que es actualmente y cómo nos afecta a quienes amamos el género. Y qué relación tiene eso con la parodia como síntoma de fin de ciclo. Si, Schell se puso melancólico, medio tristón, medio nostálgico y chestertoniano. Será que la saga ya cumplió veintiún pirulos, que el tiempo nos pasa y nos vamos poniendo viejos. Pasen, lean, mucho gusto y buen provecho.
En Perro Blanco tenemos un chat interno. En el mismo todos los redactores hablamos sobre casi cualquier cosa. Predomina el cine, si, pero a veces lo excede. Tenemos, dentro del grupo, a un integrante que cuenta con un morbo particular por las películas malas. Y más si son argentinas. Durante el mes de noviembre (pero también incluyendo algún estreno de finales de octubre) nuestro cronista estrella y amante del cine malo, hablamos de Hernán Schell, se castigó de lo lindo, con instrumentos de tortura que hubiera querido usar Torquemada. El resultado de tanto martirio fue una idea: ¿existe el cine argentino catástrofe? La respuesta a esa pregunta se las va a dar el mismo Hernán en la nota que sigue.
¿Y qué hay con que la chica esté sin bombacha y con minifaldas? Probablemente, imagino yo, tendrá que ver con la idea de la película de mostrar la libertad y celebración del cuerpo. Pero el problema es que el cuerpo que elige Gatlif es demasiado bonito, demasiado beneficiado por la genética y uno sospecha, también, trabajado por un gimnasio y no por el trajinar de la búsqueda de trabajo.
Para el cuarto día del ciclo de terror contemporáneo nuestro cronista se puso traje, porque se trata de un director al que admira como pocos (de hecho no sabemos a ciencia cierta si Kubrick tiene el mismo consenso dentro de Perro Blanco, pero nos tiene sin cuidado). El tema es que se puso el traje para ir a una fiesta donde hay pocos invitados y donde al responsable le chifla el moño. Como sabemos que Schell es un tipo normal y que frente a las escenas de terror se deleita como si fueran musicales, lo que sigue son sus palabras fascinadas. No sabemos si volvió a su casa enchastrado luego de la ola de sangre, eso si.
Fue una suerte que el primer día que llego al primer día que llego a este Festival una persona me ceda una entrada de una película tan buscada y esperada como Wonderstruck de Todd Haynes, película a la que por otro lado vi en una sala llena, con una cantidad impresionante de gente expectante por saber cual iba a ser la nueva película del director de obras maestras como Velvet Goldmine y Safe. Ese tipo de masividad para películas que de estrenarse en Argentina no tendrían más que unos pocos espectadores son cosas que, se sabe, sólo pueden ocurrir en contextos de festivales como el BAFICI o Mar del Plata. Son cosas raras y bienvenidas. Lo que es raro también es esta última película del director.
Personas que no son yo (Anashim shehem lo ani / People That Are Not Me)
Israel, 2016, 80′
Dirigida por Hadas Ben Aroya.
Con Hadas Ben Aroya, Yonatan Bar-Or, Meir Toledano, Netzer Charitt y Hagar Enosh.
Por Hernán Schell & Federico Karstulovich
Tercer día en el ciclo de clásicos contemporáneos del cine de terror. Nuestro cronista vuelve a entusiasmarse porque el retorno es a uno de los centros del canon histórico del género. No solo no la pasó mal yendo solo al cine a ver horrores que ya se acordaba de memoria (Monsieur Schell deja a Funes el memorioso reducido a un cuadro de demencia senil). Entre crucifijos usados para masturbarse, curas poco hábiles, médicos bestiales y vómitos por doquier, lo que terminó emergiendo fue un texto amoroso para con una película casi intocable, pero a su vez todavía no reconocida por el canon oficial fuera del género.
Métanse, lean y disfruten. Y si no vieron esta obra maestra no sabemos qué es lo que están esperando.
Segundo día en el pequeño ciclo de clásicos contemporáneos del cine de terror para nuestro cronista. A diferencia del primero (que pueden leer acá), parece que el resultado no fue tan bueno. O quizás si, porque el slasher tiene ese no se qué, y de repente de un momento para otro te encontrás disfrutando de una masacre. Por lo visto a nuestro enviado le gustan las emociones fuertes y nos cuenta un poco de ese placer que significa ver como los muertos se agolpan a puro gesto bestial. Y entonces lo que en un principio parecía decepcionante termina teniendo algo de fiesta. Métense, lean y disfruten.
Drácula es ante todo una película que parece apoyarse sobre toda una tradición del cine vampírico pero teniendo en cuenta las libertades que puede tener un director en plena década del 90. Es decir, si en 1929 la Drácula con Bela Lugosi tenía que reemplazar a ratas por lauchas y omitir mostrar los obviamente fálicos colmillos del monstruo, Coppola pone bichos asquerosos por todos lados y la sexualidad anteriormente oculta explota acá de las maneras más gráficas posibles.
Mindhunter no es una serie sobre un detective heroico, sino sobre uno que empieza teniendo intenciones heroicas y hasta humanitarias y poco a poco irá tornándose aparentemente en un ególatra frío, incapaz de pedir disculpa alguna por sus actos y convencido de que ha hallado una forma de comprender y manipular psicópatas impiadosos.
Que se entienda, no es que no entienda que Godard haya llegado a ser tan admirado. Su figura es prácticamente única en la historia del cine porque ha hecho de la transgresión prácticamente un tema en sí mismo. De hecho este realizador quizás sea el cineasta que más se ha querido parecerse a un artista plástico. Seré más claro: en la literatura o el cine la idea de la innovación no es capital. O sea, hay muchos directores que nunca crearon nada completamente diferente y que pueden ser perfectamente alabados y puestos en el podio de los grandes de todos los tiempos.
Una de las constantes que aparece en Los Meyerowitz es la de la trascendencia que no aparece, la del momento clave que uno espera que defina todo y sin embargo queda ahí, trunco. Esta misma sensación se desprende de la propia estructura narrativa de la película, que se construye a partir de una serie de escenas cotidianas en las cuales las situaciones pueden quedar recortadas abruptamente y en la cual además se nos niega información que en una narración clásica serían claves
Debo reconocer que me costó hacer esta nota, que escribía las primeras líneas y después iba borrando sin convencerme demasiado de cómo podía empezar. En general estas cosas pueden pasar por tres razones, o bien por no estar demasiado inspirado, o bien por que la película es tan virtuosa que hace que uno tenga que pensar varias veces el texto para poder hacerle justicia, o bien porque la película es tan pero tan mala que uno no sabe bien por dónde empezar a pegarle. El muñeco de nieve aplica al tercer caso, y eso la convierte en la decepción más grande de este año.
La semana pasada decidí obsesionarme con Bogdanovich y terminé viendo nueve películas suyas en menos de siete días. A saberse: el díptico de La última película y Texasville; la trilogía conformada por Todos Rieron, Detrás del telón y Terapia en Broadway; Luna de papel; The Cat’s Meow, su documental Directed by John Ford y sus tres aventuras cormanianas: la magistral Saint Jack, la excelente Targets y la chantada mayor de Viaje a la tierra de las mujeres prehistóricas. De paso, revisé artículos sobre él, volví a leer algunos capítulos de This is Orson Welles (el libro que reúne una serie de conversaciones que Bogdanovich tuvo con el director de El Ciudadano) y vi varias entrevistas.
Por esta propia conexión con lo que creo que es la forma de trabajar de Sorderbergh es que La estafa de los Logan me cae tan bien. La película es, ante todo, una película sobre el acto de trabajar, sea esto manejando una grúa de construcción, sea armando explosivos, complots carcelarios o robando el NASDAQ. Y en la película todos los profesionales (desde los criminales hasta un agente del FBI que los quiere buscar) son mirados con respeto mientras que por el contrario el villano es un idiota demasiado preocupado por su ego para manejarse profesionalmente y respetar trabajos ajenos.
Hace unas semanas atrás se daba a conocer el trailer de Desearás al hombre de tu hermana, allí se mezclaban diálogos impostados, un espíritu de melodrama berreta y actuaciones exacerbadas que intentaban mostrar un erotismo de gusto dudoso. En ese momento era fácil burlarse de ese trailer pensando que lo que se venía era una película que iba causar vergüenza ajena, un melodrama de cuarta incapaz de erotizar a nadie. Por esos momentos también se decía que lo único que podía redimir todo esto es si la película se tomaba todo en joda.
El misterio de las rocas de Picnic en las Rocas Colgantes se vuelve meramente una curiosidad local para la atracción turística; los relatos mitológicos y las leyendas tanto de la cultura aborigen de Australia en La Última Ola como de las más antiguas de Indonesia en El Año que Vivimos en Peligro son objeto de desdén o de burla por parte de la mayor parte de la gente blanca “civilizada” de las dos películas; los poemas que le dan a leer a los alumnos en La Sociedad de los Poetas Muertos son ridículamente simplificados en parámetros pseudomatemáticos; y la épica de liberación de Truman en The Truman Show es percibida por la mayoría de los televidentes como un mero entretenimiento televisivo más.
Más todavía, pareciera que de manera creciente el maltrato del director y del guion de turno para con sus criaturas es la regla a seguir. Es imposible (y bastante inútil) intentar establecer si esto fue siempre de esta manera o si es una tendencia impuesta en los últimos años, pero con certeza es algo que persiste con la insistencia de un vicio mal habido. Pueden haber matices, pequeños rayos de luz que actúen como antídotos parciales, pero la idea de fondo siempre es la misma: el mundo como lugar lóbrego, el fatalismo de la maldad humana, la piedad como bien escaso, casi en vías de extinción, el cine como “una réplica aplicada de las penurias de la vida”
El enorme documental de Scorsese sobre George Harrison, es una película que aborda, entre otras cosas, el tema del paso del tiempo: el que hizo que este músico cambiara de manera radical durante los años, el que alteró los rostros de los entrevistados de manera notable (no creo que sea casual que algunos de estos entrevistados de más de 60 años estén vestidos prácticamente de la misma manera que en las fotos y grabaciones de ellos que se muestran en la película) y el que hizo también que los contextos sociales de hace apenas 40 años nos parezcan hoy sociedades de ciencia ficción
Por un cine político: entrevista a Carolina Azzi, directora de Espacio gratuito: cinco claves para ganar una elección Por Hernán Schell Cómo se dice en un momento de esta entrevista, Carolina Azzi es una de las pocas cineastas políticas que hay en el país. Podría agregárse que dentro de ese selecto grupo es de las pocas…
Uno tiene la sensación de que Los que aman, odian, necesita todo el tiempo remarcarse a sí misma, ya sea por diálogos sobreexplicativos en los que los personajes necesitan decir sus sentimientos, o por una música machacona que necesita indicarnos cuando hay un diálogo revelador o importante. O incluso en un diálogo en el que se nos refiere a la novela El halcón Maltés para avisarnos (guiño-guiño) que estamos ante un policial negro (que encima ni siquiera es tal cosa, sino que está más emparentada con el policial de enigma).
Hedi es una mas en esta suerte de melodramas masculinos que se han filmado al signo de estos tiempos y que han venido desmintiendo la idea instalada de que el amor es cosa de mujeres. Nuestro protagonista, de hecho, está mas cerca del Richard Loving de Loving (2016, Jeff Nichols) que del Dean de Ryan Gosling en Blue Valentine (2011, Derek Cianfrance) y recuerda también un poco al “vulgar y tosco hombrecillo” (a palabras de Dickens en Grandes Esperanzas), ese Hossein de Detrás de los Olivos (1994, Kiarostami).
El ejercicio de visionado de VyCMP supone un acto de sustracción, como si se realizara un acto de magia mal hecho en el que hay que ignorar que el truco se ve: por un lado olvidarse un plot que abandona los elementos lúdicos en favor de una trama poco inspirada, por otro un protagonista poco encantador, y una intensidad y sentido de la aventura que, al contrario de como debería suceder, decae a medida que la película avanza.
Sólo quiero que me amen * Por Hernán Schell A diferencia de lo que le pasa a muchas personas, la figura de Jerry Lewis no es una que me recuerde especialmente a la infancia. No vi casi nada de su cine en mi niñez, estuve lejísimos de ser un fanático de su humor en mis…
No, el título original no lleva ningún nùmero. Es Annabelle: Creación. Diferencia para nada menor si tenemos en cuenta que esta película no es una secuela de la película que fue un spinoff de El Conjuro sino la precuela de aquella. Más estrictamente, estamos hablando de un relato acerca de como se creó esa muñeca inquietante. Ya empezamos mal, porque se trata de una operación de marketing antes que de una película. Eso ya marca el rumbo de lo que sigue.
Desde este lugar, quizás la gran transgresión que hace Romero al género de terror con su película del 68 sea un poco eso. No tanto la introducción de un terror abiertamente político, no tanto la posibilidad de ver que lo horrendo podía ubicarse no por fuera del territorio americano sino adentro del mismo, sino esta cuestión de un terror absolutamente físico, carente de todo misticismo. Y quizás ahí también es donde se encuentre el carácter más descarnadamente político del cine de Romero. Al optar por males identificables, por acciones inmorales fácilmente distinguibles, su cine se convirtió muchas veces en uno de interpelación ética donde se abandonaba cualquier tipo de relativización moral para entregarse a la acusación pura y dura a diferentes sectores de la sociedad.
Desde este lugar el último largometraje del cineasta surcoreano es algo raro. Su protagonista ya no es tanto alguien desesperado en búsqueda de un fin ético, sino una chica aislada del mundo, a la cual la crueldad del mundo empresario -así como las extrañísimas actitudes de los ecoterroristas liderados por el personaje de Paul Dano- le es extraña durante la mayor parte de la película. Por primera vez, el héroe bongjoonheano ya no es alguien que vive y padece el mundo sino una persona que más bien vive en otra parte del mismo, con otras reglas propias que Bong Joon Ho ve como más nobles, más pacíficas y a su modo también más piadosas.
Fin del Contenido
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