Diego Maté

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Bafici 2021 – Diario de festival: La trilogía The Decline of Western Civilization

La obra de los artistas prolíficos puede llegar a ser felizmente contradictoria, puede discutir consigo misma o hacer silencio para retomar el intercambio más adelante, tal vez con nuevos argumentos. Fue lo que le pasó a Penelope Spheeris, pequeña marquesa del mainstream de Hollywood que tuvo su obra magna con El mundo según Wayne, celebración plena y sin dobleces del rock, fábula mítica, cuento moralizante sobre la fidelidad a la propia vocación y los peligros de la ambición.

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Notturno

Como casi todas las películas, Notturno, de Giancarlo Rosi, le propone al espectador un pacto cuyos términos se estipulan en las primeras escenas. El documental registra lugares y personas de Irak, Siria y Líbano. No hay un orden o una lógica narrativa, cada segmento funciona solo, sin conectarse con los demás. La idea es que esas secuencias dispersas delimiten los contornos de un Medio Oriente devastado por tiranos locales, guerras religiosas, bandas terroristas e invasiones extranjeras. La primera escena transcurre en una cárcel turca ahora cerrada. Rosi sigue a un grupo de ancianas que recorre el lugar.

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Noticias del nuevo mundo

Capitán Phillips y News of the World, las dos dirigidas por Paul Greegrass y protagonizadas por Tom Hanks, son películas más hanksianas que greengrassianas, y la segunda es bastante más hanksiana que la primera. Del cine de Greengrass sabemos que es ágil, vital, que busca un realismo discreto y contundente, que el montaje puede alcanzar velocidades impresionantes y que la acción resulte siempre comprensible; en suma, que es un director que se borra detrás de una textura cruda, que trata de que la cámara se note lo menos posible. ¿Quién filmó News of the World? No sabemos, Greengrass dice que fue él pero, mal que mal, podría haber sido cualquier otro, Spielberg incluso. El lector adivina la respuesta: la filmó Tom Hanks. Hanks lo sacó a Greengrass de su zona de confort (actualidad + basado-en-hechos-reales) y lo llevó la tierra inacabada del western

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La sal de las lágrimas

Garrel ya es como esos pintores que sacan siempre el mismo cuadro sin esfuerzo, que someten un motivo a infinitas variaciones en la creencia de que el arte no supone invención ni una originalidad sino un trabajo de orfebre con un conjunto de reglas dentro de un territorio trazado previamente. ¿De qué trata La sal de las lágrimas? De lo mismo que casi todas las películas que vinieron después de Inocencia salvaje, de una insatisfacción afectiva que conduce a buscar el amor en tantos lugares como se pueda, ya en parejas estables, compañeras ocasionales, amantes regulares o, eventualmente, un oficio. Esas búsquedas dibujan mayormente triángulos con vértices en constante movimiento: el infiel inveterado puede ser en el futuro él mismo el engañado y consumido por los celos. En La sal de las lágrimas se nota un cambio en la pincelada: Garrel le imprime a su geometría amorosa un dinamismo nuevo, todo se transforma en cuestión de una o dos escenas, de golpe la relación que permitía imaginar un porvenir ya no ofrece ninguna forma de fuga hacia adelante, un encuentro casual puede trastocar todos los planes, la mujer deseada puede olvidarse sin dificultades para volverse obsesión más tarde.

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Mar del Plata 2020 – Diario de festival : Un cuerpo estalló en mil pedazos, Adiós a la memoria, Shiva Baby

Martín Sappia se propone reconstruir las huellas del artista Jorge Bonino en sus zigzagueos en el país y el exterior, entre el under y las instituciones, en la vitalidad de la creación y el languidecer de la enfermedad. La película empieza con el testimonio de uno de sus amigos, el último que lo vio con vida: narrada la muerte, solitaria, absurda, aunque no exenta de una rebeldía última, terminal, el relato se prepara para iniciar el rastreo de pistas e información. Pero enseguida se entiende que el proyecto de Un cuerpo estalló en mil pedazos no es el de un documental tradicional

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On the Rocks

El contraste entre los dos registros produce una nostalgia tenue que se solaza cavilando sobre una vitalidad perdida, imposible de transponer a ese universo de cuidados familiares, trabajo y hogar. En los 80, la operación todavía era posible: los protagonistas de Los Goonies, Gremlins o de He-Man eran rescatados de sus conflictos cotidianos por alguna premisa fantástica que los lanzaba al peligro y a la aventura. Sofía Coppola, que tiene que haber crecido viendo esas películas, no cree que ese pasaje sea posible.

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Giraffe

Giraffe tiene todos y cada uno de los lugares comunes de cualquier película que se precie contemporánea: cruce de culturas y nacionalidades, viajes y la condición de extranjería, un ritmo cansino, planos fijos que se sostienen en el tiempo, solapamientos entre ficción y documental, un tono distante y contenido y, last but not least, un tema de porte, es decir, alguna inquietud de agenda que invite al espectador y a la crítica a hablar de capitalismo, globalización y memoria. Una fórmula tan reconocible y remanida como cualquiera, después de todo, pero que, a diferencia de otras, provee de un blindaje crítico impresionante (traten, si pueden, de encontrar una crítica en contra de Giraffe o que al menos plantee reparos).

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First Cow

Y un día volvió Kelly Reichardt, la directora de las películas delicadas, de las excursiones al bosque, de las relaciones silenciosas, de los planos frágiles. Volvió con First Cow, la historia de un emprendimiento entre dos amigos que hace un buen sistema con la tragedia colectiva de Meek’s Cutoff. Cookie trabaja de cocinero para un grupo de tramperos hoscos. Una noche, buscando provisiones, tiene un encuentro misterioso: en medio de la vegetación, como escupido por el bosque, se esconde King-Lu, un chino desnudo que escapa de unos cazadores de pieles rusos. Un cocinero piadoso con los animales y un chino perdido en Oregon, entonces: los dos traban en el acto la vieja solidaridad de los desclasados.

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Ficción Privada

Ficción privada es el nuevo capítulo de la saga familiar de Andrés Di Tella. Esta vez, el director juega a filmar las cartas escritas de sus padres que Torcuato le entregó. Esta vez, también, parece que el documental no alcanzara y necesitara un suplemento: Di Tella filma a Denise Groesman y a Julián Larquier Tellarini interpretando a sus padres en su juventud, y a Edgardo Cozarinsky leyendo las cartas finales de Torcuato. No hay nada raro allí: por lo menos desde Los rubios, el documental argentino usa los recursos ficcionales que le vengan en gana. Pero acá pasa algo diferente porque la ficción es frágil,

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La verdad

El tema de La verdad es de una chatura extraordinaria, el qualité más berreta que se pueda imaginar: después de varios años, la hija visita a su madre, una de las actrices más importantes de Francia. El reencuentro exhuma los rencores de la infancia.

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Dossier Estudio Ghibli (XX): Susurros del corazón

Las películas de Miyazaki están organizadas por una misma operación: el protagonista y el espectador descubren un universo prodigioso con reglas propias que deben aprenderse para escapar y retornar al mundo conocido. Susurros del corazón, dirigida por Yoshifumi Kondō y escrita por Miyazaki, introduce una variación: Kondō, que murió en 1998, debía creer que la vida de este lado tiene ya dificultades suficientes como para andar inventando reinos imaginarios y, en consecuencia, propone buscar lo maravilloso en los intersticios de todos los días. El coming of age seguramente sea el dispositivo que mejor y más frecuentemente le permitió al cine japonés (animado y del otro) observar el tránsito de sus protagonistas por rituales singulares: el salto de nivel educativo y las largas horas de estudio, el descubrimiento de una vocación negociada con el mandato de la familia, el ingreso a un mundo adulto con jerarquías férreas.

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El precio de la verdad

Hay directores que toman riesgos cambiando universos personales y tono, que prueban cosas nuevas, pero lo de Haynes es otro asunto: el hombre renuncia a su mundo por nada, por una película que se agota toda en el cuento a lo David y Goliat. Dark Waters está diseñada para producir unos efectos muy precisos: indignación, toma de conciencia, compromiso. Un par de Oscars, tal vez (no se dio). Pero de pasarla bien nada. Un cine que queda bien hacer y ver. Si algo tuvo la filmografía un poco despareja de Todd Haynes fue, justamente, la generosidad con la que se invitaba al espectador a disfrutar de las historias siempre excesivas, con un tratamiento exagerado de los estereotipos, que exhibían gustosas superficies coloridas y apropiaciones del melodrama. Dark Waters, en cambio, no sabe lo que es jugar.

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Dark Waters

Hay directores que toman riesgos cambiando universos personales y tono, que prueban cosas nuevas, pero lo de Haynes es otra cosa: el hombre renuncia a su mundo por nada, por una película que se agota toda en el cuento a lo David y Goliat. Dark Waters está diseñada para producir unos efectos muy precisos: indignación, toma de conciencia, compromiso. Un par de Oscars, tal vez (no se dio). Pero de pasarla bien nada. Un cine que queda bien hacer y ver. Si algo tuvo la filmografía un poco despareja de Todd Haynes fue, justamente, la generosidad con la que se invitaba al espectador a disfrutar de las historias siempre excesivas, con un tratamiento exagerado de los estereotipos, que exhibían gustosas superficies coloridas y apropiaciones del melodrama. Dark Waters, en cambio, no sabe lo que es jugar.

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Mar del Plata 2019 – Diario de festival (9)

Hay un segmento del cine argentino (de cualquier cinematografía) que podríamos llamar independiente y contemporáneo (IyC): incluye las películas que tienen un paso mínimo y fugaz por la cartelera (cuando llegan a estrenarse) y con búsquedas suelen ubicarse lejos del repertorio de ofertas narrativas de los géneros. Puede haber películas independientes no contemporáneas, aunque lo inverso parece más rara. De todas formas, esto nos interesa solo a fines de ordenar un viejo problema, el de las películas argentinas IyC, que circulan mayormente por festivales y espacios afines, y su rechazo de los modos narrativos de los géneros y del cine mainstream (M). Propongo una periodización apurada y posiblemente equivocada.

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The Dead Don’t Die

TDDD lo ilustra perfectamente: los personajes de Jarmusch son poco más que un puñado de marionetas cuya única misión se reduce a imitar sin mucha convicción estereotipos de las películas de zombies. Los actores pronuncian sus líneas sin el menor atisbo de pasión; ese bressonismo tenue, que al director le funciona en muchas otras películas, acá es solo apatía, dejadez, como si los personajes no estuvieran allí.

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De nuevo otra vez

De nuevo otra vez cuenta una historia amasada con la propia vida de la directora: su madre y su hijo son efectivamente ellos, aunque todo lo que rodea a ese núcleo familiar parece visiblemente ficcional. No importa, de todas formas, porque la película se nutre de esa incertidumbre: la mezcla de universos, el personal y el ficcional, es la argamasa de la que se espera que surja el relato.

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Bafici 2019 – Diario de festival (10)

Cualquiera que haya ido al festival lo sabe. Cada año, el Bafici trastoca la rutina de todos los días y el tiempo adquiere otra textura: las horas se miden en duraciones de películas, se come (cuando se puede) entre funciones, se duerme poco y mal y hay encuentros con amigos en cualquier momento. En mi caso, por alguna especie de maldición o de coincidencia (maldita, en todo caso), el Bafici se solapó con internaciones y operaciones de mis padres, casi ninguna de ellas programada.

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The front runner

Ese mundo fascinante de marchas y retrocesos, de diseño de tácticas y de evaluación de daños, se desdibuja a medida que la película se fija en el drama del protagonista: la atención sobre Hart pone en un segundo plano el trabajo incesante de la campaña. Junto con ese cambio de foco llega, claro, el juicio: ahora se habla más del engaño y de su efecto en el candidato y en su esposa que de la batalla entre demócratas y periodistas por ganar la escena pública.

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#DossierEastwood – Parte I

o venimos repitiendo como un mantra desde hace años: “Eastwood, el último director clásico”. Así, siempre, en casi todos las críticas que escribimos y leemos. El resultado es más o menos el mismo que con todas las muletas que se inventa la crítica: el mote deja ver a medias la filmografía de Eastwood, resalta sus rasgos más conocidos, más cómodos, y pierde de vista otros más interesantes. El asunto es que el cine de Eastwood fue siempre un objeto extraño, mutante, un animal en movimiento permanente, de una especie bastante rara que la del “cine clásico”.

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Bafici 2018 – Diario de festival (9)

Entre muchas otras cosas, festival de cine puede ser un sismógrafo capaz de registrar con anticipación movimientos subterráneos. Con el paso de los años, el Bafici fue mostrando algunos desplazamientos tectónicos en torno al cine y la política que ningún otro espacio parece haber podido ver: las proyecciones de El olimpo vacío y El diálogo sugerían la posibilidad de discutir la posición asumida en bloque por el cine argentino alrededor de temas como la última dictadura y el juicio a represores, pero también sobre el peronismo y su ideario. Se trataba de una discusión que ya estaba en proceso en el resto de la cultura, pero que era casi inexistente dentro del cine: bastaba con comparar el gran número de libros críticos con el kirchnerismo o que revisaban el tratamiento oficial de la violencia de los 70, de un lado, con la casi ausencia de películas que tuvieran búsquedas similares, del otro. Hoy no puede decirse que ese estado de cosas haya cambiado demasiado, pero el Bafici, una vez más, permite ver movimientos todavía insospechados.

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Homeland

El tono con el que se subraya todo resulta difícil de tolerar: la serie repite tics de un progresismo perezoso que parece dirigirse a un público infantilizado (Cristina Kirchner comentó con elogios esta temporada en un discurso frente al Parlamento Europeo en mayo de 2017, si, justo esta temporada). A semejante catástrofe se suma la persecución de un inmigrante que el FBI utiliza como chivo expiatorio (y que termina mal).

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John Wick 2: Un nuevo día para matar

JW2 es el cuento de un asesino que vive en un mundo de asesinos y que quiere irse de allí, pero no puede. La premisa se parece a un mal sueño en el que se está atrapado siempre en un mismo lugar (como En la boca del miedo, John Carpenter, 1995). De las coordenadas narrativas iniciales, JW2 rápidamente vira hacia una suerte de proyecto experimental: una película que sea puro movimiento, acción, disparos y tomas de judo. ¿Cómo acometer semejante artefacto sin que resulte un fracaso de taquilla?

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Logan: Wolverine

Las películas de superhéroes son una forma tan rica y plástica como para contener una gran cantidad de temas, estilos y hasta géneros: alcanza con comparar las comedias de Marvel con las tragedias graves de DC para constatarlo. Logan, por su parte, es una mezcla de drama familiar, road movie y relato post-apocalíptico que prácticamente borra la forma inicial: de la película de superhéroes no queda realmente nada, solo restos desparramados aquí y allá, huellas de un universo extinto

Atarim

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