La manera excéntrica en que Bonello articula su relato, a su vez que su eclecticismo formal pueden ser tanto una virtud como un fracaso de su propio sistema. Evidencian al mismo tiempo la ambición como la inseguridad de un director que, en una primera lectura, parece disparar en todas las direcciones, dando en el blanco tanto como fallando estrepitosamente.
Hay una estrecha relación entre la necrofilia y las condiciones, vamos a decirlo así, ontológicas del cine. Si uno relaciona la ineludible condición fantasmagórica de la imagen en movimiento a la creación y distribución de imágenes de la sensualidad en la industria hollywoodense, no resulta forzado sumar dos más dos para acercarse a la mencionada parafilia. De hecho una de las películas más canónicas de todas las películas canónicas, Vertigo, es ni más ni menos que una puesta en abismo en relación al tema
En sus dos escenas centrales, La Gran Exclusiva se impone como una película inesperadamente compleja, en la que ningún personaje, ni ningún gesto revela o, mejor dicho, transparenta lo que parece. Lo que viene después es una puesta en escena de la explicación, en donde la marca de fábrica la pone la casa productora, Netflix, diseñada para que nadie se quede afuera. Pero yo decido quedarme con lo anterior, con ese momento de perversión más sutil, por lo tanto mucho más tenso y hondo
Como uno de los problemas tradicionales de la adaptación cinematográfica se suele señalar la imposibilidad de adaptar el monólogo interior, o de novelas generalmente más descriptivas que narrativas. Sin embargo, poco se señala un problema que se demuestra como algo central cuando uno ve El Viento que Arrasa: la dificultad de convertir al diálogo literario en diálogo cinematográfico.
Cuando termino de ver May December vuelvo a Safe, porque ambas están, como dijimos, unidas por un hilo invisible. El cine entendido como industria no solo participa, no sólo es cómplice de algunos acontecimientos, nos dice Haynes, sino que es uno de los grandes responsables de enfermar a los individuos. Por eso cuando May December termina pensamos en eso que Babylon quiso representar, incluso lo que Blonde o Pearl pusieron en escena.
En algún lugar de Queens posee un código televisivo (Ray Romano hizo una extensa carrera en ese medio, mucho más que en el cine), de poses actorales exageradas y dinámicas familiares extemporáneas incluso lindantes con eso que solía definirse con el estilo Hallmark channel. El argumento de la historia consiste en la clásica historia del hijo que no se puede librar de las presiones familiares así como los padres que no pueden dejarlo ir (pero no se trata de un melodrama de Ozu, aunque a primera vista la premisa sea la misma)
A la hora de narrar una gran hazaña, Nyad se centra en articular el muy trabajoso proceso que lleva a que esa hazaña sea lo emocionante que es. Sin embargo, la dupla de directores, no puede evitar construir un drama vulgar con tufo a autoayuda que termina enterrando a la película en un campo de normatividad americandreamesca.
Argentina, 2023, 64′Dirigida por Carolina M. Fernández & Carolina Gil Solari Una fundación Uno de los problemas más comunes con los que se enfrenta un documental deportivo es que el registro de los eventos suele ser más interesante que cualquier cosa que tengan los protagonistas por decir. Es realmente difícil que la descripción de un
Estamos ante un momento histórico en el que las plataformas presentan películas cada vez menos humanas, más automatizadas, plagadas de decisiones de marketing, de especulaciones algorítmicas. Un momento en el que vemos cada vez más a viejos cinéfilos rendidos ante los catálogos de Netflix, HBO, Amazon Prime, en el que las listas de fin de año se parecen cada vez más y más. En ese contexto, la presencia de la nueva película de Pollitos en fuga es un pequeño vaso de agua luego de una caminata de tres horas en el desierto con 49 grados.
José González está escribiendo un nuevo álbum y Mikel Cee Carlson filma el proceso con una firme convicción de acercarse y dejar hablar al músico. Esa convicción deviene no solo en una escucha atenta sino en la creación de imágenes alegóricas para caracterizar las afirmaciones del músico sueco.
El marido tiene su mirada perdida en la ventana, mientras su mujer está guardando ropa. Se están mudando, pero él le fue infiel. El director mantiene el plano, ella está en segundo término del encuadre, él apenas le contesta, como si no la escuchara. Al final, ella se acerca y le pregunta si pasa algo, él confiesa. De escenas como estas se compone Un Pájaro Azul, de Ariel Rotter, quien al presentar su película en Mar Del Plata, antes de su estreno oficial, dejó hablar a su hija, que describió la película como muy linda. Esa descripción, no solo es tierna, sino que también es exacta. Y quizás la lindura de la película radique, sobre todo, en el tiempo que le da su director a sus personajes para expresarse, a pesar del dolor. Aunque haya momentos puntuales, como, en muchas ocasiones, el enojo expresado por Julieta Zylberberg, en los que ese dolor deviene en un tono entre solemne y meloso, en términos generales la película logra transitar la amplia gama de sentimientos por los que pasan sus personajes de una forma, digamos, cercana.
Como verán, a pesar de su evidente desfinanciamiento (sobre el cual nadie habla, hecho curioso o no tanto), esta edición del festival de Mar del Plata contó con un catálogo realmente respetable, incluso más que en ediciones anteriores (recuerdo, personalmente, haberme ido de Mar del Plata el año pasado con la sensación de no haber visto nada muy bueno). Es admirable, en este sentido, la racha positiva que está teniendo el cine argentino, que compone una gran parte del festival y que estrenó varias películas admirables a lo largo de este año.
Decidí empezar mi festival de Mar del Plata con la adaptación de Paula Hernández a la novela de Selva Almada, El Viento que Arrasa. La película decide tomar una historia con personajes complejos y ambiguos, con un conflicto totalmente basado en los diálogos, con la dificultad que eso puede representar para el lenguaje cinematográfico. Sin embargo, Hernádez decide tomar el camino de la simplificación y la caricatura.
El monstruo dentro de mí parece ser, dentro de esta coyuntura, un ardiente defensor de la falta de sutileza, de la frontalidad y de la exageración. En este caso, esa defensa parece estar justificada por la búsqueda de un tono humorístico, con cierta distancia irónica que plantea la presencia de un monstruo carismático y agresivo así como unos personajes chatos y presuntamente paródicos.
Viene Extraña Forma de Vida a llenar una falta o simplemente está construyendo a su público? Algunas imágenes dan cuenta de algunas respuestas posibles: el plano detalle de los calzoncillos (en la entrevista Almodóvar comenta que precisamente esa es una de las preguntas que con más frecuencia le realizaron: llama la atención que en el cine no se sabe como luce un cowboy en calzoncillos) o la imagen de Pedro Pascal con el culo a medio tapar en la cama….¿son o se hacen? ¿ Extraña Forma de Vida quiere ser o parecer?
Una tensión un tanto curiosa que subsiste constantemente en el interior de El hombre más fuerte del mundo se ejemplifica en la diferencia entre los relatos de Matías Bernatene y del propio Darío Villarroel sobre su propia experiencia. Mientras el primero sigue el tradicional sendero de la autosuperación y la admiración absoluta hacia quien la ejecuta, Darío cuenta con una natural nostalgia el proceso que lo llevó al lugar donde está ahora. La tensión es, en definitiva, entre narrar la historia de un hombre que a pesar de medir 1,24 metros y pesar 50 kilos logró ser el hombre más fuerte del mundo y narrar la historia de una persona luego de que se le haya negado la posibilidad de competir, a pesar de demostrar ser el hombre más fuerte del mundo.
En una entrevista que le realizaron en el canal de TV chileno Bio Bio, Christopher Murray asegura que su película “busca la construcción de una identidad en un camino que la protagonista comienza con un reclamo de justicia”. El tropo, tan tradicional del terror como del policial, está dispuesto sobre la mesa en Brujería, en donde la joven protagonista debe desaprender forzosamente el catolicismo que sus patrones le inculcaron para encontrarse con sus raíces huilliches.
Todo el excursus previo viene al caso de haberme topado con The Quiet Girl. A diferencia del film de Ford, con el qué hay algo más que un vínculo en su título de origen, el silencio de la protagonista no tiene justificación en el pasado, sino en su presente, un presente cargado de angustias familiares que devienen en lo que será la trama de la película: tener una nueva familia. Esta nueva familia la empujará a expresarse de a poco, viendo como el proceso parece el inverso al de la película protagonizada por John Wayne: en este caso, el personaje empieza a hablar cuando el ambiente le es cómodo.
A lo largo de la película, Doble Discurso inserta imágenes pertenecientes a la realidad para intentar generar cierto contraste con su mundo político ficticio. Ese contraste puede servir doblemente, a modo de darle más peso al mundo ficticio, como si fuera un mundo posible, con un pie todavía en lo real, y por otro lado como un chiste que ridiculiza aún más las caricaturas planteadas por Guerschuny.
Comencemos por el principio. Todos aman a Jeanne, ya desde su título, propone una lectura inevitablemente irónica con respecto a la depresión de su protagonista, basada plenamente en el desencanto que ella siente hacia sí misma. A su vez podemos ubicar a la película de Céline Devaux como parte de una tradición contemporánea de la comedia romántica en la que entrarían Bridesmaids y The King of Staten Island, por ejemplo, en particular porque se trata de películas en las que el amor parece más bien el motor para desarrollar una superación personal antes que una relación estrictamente sentimental
Durante la primer parte de Psicosis, Hitchcock trabaja, además de, incuestionablemente, el suspenso, la amenaza de lo siniestro. El suspenso es algo evidentemente más tangible, porque hay una relación física entre algo que no puede ser descubierto y alguien que puede descubrirlo.
Winter Boy es, según dicen, una película con fuente impronta autobiográfica del director, Christophe Honoré. El director francés emplea un relato en off que gobierna, durante gran parte del metraje, la articulación estructural de la película. Es decir, Honoré utiliza, al igual que Bresson, la recapitulación de una voz over como justificación para una estructura fragmentada, que no tiene problemas para eclipsar antes que las escenas terminen y que no tiene la necesidad de explicar la llegada de los personajes a ciertas situaciones.
El juego de no saber qué filmar y de presentarle distintos fragmentos a otros colegas para que opinen se enmarca dentro de una ficción que se ve agujereada menos por su propia narración autoconsciente (la voz over del principio admite: puedo quedar como un pelotudo) que por los momentos donde la ficción se ve alterada por el registro de algo real. La risa es un gran ejemplo de eso, como también lo es, la escena del pedo. Lo interesante, es que ese registro se presenta como fuga en tanto niega todo lo que Llinás, en la ficción, pretende que la película sea.
Tin & Tina, siguiendo la lógica contemporánea de construir películas mirando siempre a otras, compone a Lola como toda una Mia Farrow (incluso, en un momento se ve obligada a cortarse el pelo como Rosemary) atormentada por la inoperancia de un marido evidentemente negligente y dos macabros hijos adoptados que emulan grotescamente a los niños de Village of the Damned. Melina Smit representa a una mujer sola enfrentándose a una estructura familiar que la cohibe de sus propios sentimientos, como el miedo y la tristeza.
La escena donde Llinás le lee la crónica que La Nación publicó sobre su padre a su madre, podría considerarse el centro neurálgico de la Clorindo Testa, o al menos el momento donde más evidencia la lógica de su estructura. En esa escena, Llinás lee la noticia narrándola con una intención ficcional que se rompe cuando aparece la risa genuina ante la ridiculez que está leyendo. Esa risa es precisamente el centro del relato: la fuga de todo el artilugio narrativo que Llinás arma en torno a una metaficción sobre el libro de Clorindo Testa.
A la luz de todo lo anterior se puede hablar de una película panfletaria, incluso de una película didascálica. Otra crítica que leí al respecto mencionaba que este didactismo estaba dirigido hacia las mujeres, dejando oler el tufo asomante de “una película necesaria”. Habría que pensar, entonces, si el didactismo de Ellas Hablan enseña algo nuevo, o en realidad enseña cuestiones que se vienen debatiendo acaloradamente en la esfera pública hace mucho tiempo.
Los espíritus de la isla, como dije, parece haber sido consciente de que con buenas intenciones no se construye necesariamente cine. Y para eso no se necesitó ninguna operación tan compleja: simplemente un personaje, en este caso el de la hermana, que vea la situación desde afuera, comprenda que la estupidez y la ingenuidad muchas veces pueden ir de la mano, pero no deje de tener afecto ante ese personaje tierno y vulnerable que interpreta Colin Farrell.
Hollywood, ahora, solo hace películas sobre Hollywood. Desorientado, sin una dirección clara, mantiene su mirada firme en el pasado, buscando que eso diga algo del presente. Ya creada la mitología, ya revisada, expandida y dispuesta a morir, ahora pareciera ser un imperativo revisar quiénes y cómo crearon esa mitología. En ese orden de las cosas, Chazelle redacta lo que él llama su carta de odio a Hollywood, mientras Ti West y Andrew Dominik redactan la propia.
La primera aproximación que tuve fue pensar la forma en que la película aborda el género biográfico. Bendesky utiliza el fantástico como arma para escaparle al causa-efectismo, que es la tendencia posible de ver en Bohemian Rapsody o Blinded By The Light. Así, no solo la película es sobre Tangalanga, la película es Tangalanga. O al menos, es lo suficientemente cercana tonalmente como para que nos creamos que los audios verdaderos de Tangalanga, que se reproducen en varios momentos de la película, son parte de la diégesis.
En Atlanta el aislacionismo como gesto político implica la creación de un mundo underground, por fuera del sistema como antes mencioné, sí, pero se compone de una formulación sentimental que no es precisamente la de Atlanta. El aislacionismo tiene como condición el odio a un adentro impenetrable, que te expulsa y te lleva al aislamiento mencionado.
Frente a todo lo anterior, Atlanta no se manifiesta como una serie hecha con odio. De hecho plantea un desprecio a ese odio
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