Amilcar Boetto

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Thetenderbar

The tender bar

La nueva película de George Clooney es una adaptación de las memorias de JR Moehringer, un  escritor que creció en los ’70 en Long Island, rodeado de una familia disfuncional que aspiraba a que él fuera quien pudiera salir de esa lógica y triunfar en el mundo.Moehringer se recibió en Yale y ganó el Pulitzer por sus trabajos en Los Angeles Times.  La película parecería enmarcarse en un relato del triunfo de la vida americana: se plantea como  una mirada en racconto de un joven sentado en un tren, con flashbacks a su vida de niño,  rodeado de los fantasmas de su padre ausente, de una vida de clase media baja, de una familia  enorme viviendo en una casita.  

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Sexo desafortunado o Porno loco

En algún callejón de Bucarest, una profesora entra a una casa, la cámara panea y muestra en el  suelo, en medio del cemento, una planta creciendo. La metáfora sería obvia si el sistema  narrativo de la película quisiera imponer en ella algún tipo de significación conclusiva. Pero la  película de Radu Jude no es tan simple: la imagen de las plantas creciendo es una imagen más  de un conjunto muy grande y complejo de imágenes.  

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Petite Maman

Petite maman, sin embargo, se plantea como algo muy distinto a la película anterior de Sciamma. Es una película con muchos menos materiales que, contrariamente a lo que sucedía en su  película anterior, se sostiene en conversaciones. Diría que el problema de Retrato de una mujer  en llamas es exactamente el contrario a el de Petite maman. Mientras que una parece tener dificultades (en unos primeros minutos) para establecer un calor específico de la mirada de alguna de las protagonistas, recurriendo entre otras cosas a unos diálogos entre cortados que siempre parecen palabras dichas solo por ser dichas, en Petite maman hay una necesidad constante de querer demostrar ternura y exponerlo en sus diálogos. Casi no recuerdo algún momento en el que la película se interese por algún otro matiz en la relación madre-hija que no  sea el amor inocente que se demuestran.  

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Mar del Plata 2021 – Diario de festival: Manicomio, Camila saldrá esta noche, In front of your face

En el marco de un homenaje a Fernando Fernán Gómez, pasaron una película muy difícil de  conseguir que fue restaurada por la filmoteca española, Manicomio. Además de recordarnos lo  mucho que Argentina necesita un lugar que conserve y restaure sus películas, la proyección de la  película de Fernán Gómez nos presenta uno de los actos de cinefilia más únicos que existen en  un festival: ver una película que, da la sensación, solo se puede ver en ese contexto, en esa sala,  a ese horario. La película es una comedia que busca revertir el lugar de la locura y la cordura constantemente.  Los que fingen ser locos se terminan volviendo locos y fingen ser médicos, mientras los médicos  actúan con locura para determinar la locura, y finalmente, el que presenció las locuras puede ver  esas mismas locuras en actos completamente cotidianos de la vida “normal”.

Petite Maman

Mar del Plata 2021 – Diario de festival: Petit maman, Sexo desafortunado o porno loco, Older brother younger sister

Saliendo del cine, discutiendo un concepto vagamente articulado en Twitter sobre lo que sería el cine de frames (un cine donde la imagen solo es admirable en su superficie, hecho para  pausar y sacar screenshots), argumentamos sobre si Retrato de una mujer en llamas sufre o no de ese problema. Es probable que durante los primeros minutos, la película parezca tan pulcra  que parece no verse afectada por ningún punto de vista, lo que hace que el amor entre las  protagonistas no se sienta como si se siente efectivamente en la segunda mitad de la película.  En la segunda mitad de la película ingresa la fragmentación, deja de haber tantos planos  conjuntos, y empieza a haber más planos-contraplanos, donde la mirada comienza a sentirse,  comienza a haber texturas distintas en la imagen (ya no es una imagen linda suelta, sino una  imagen que precisa de la acumulación previa y posterior para ser emocionante).

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Dorados 50

¿Qué puede mantener vivo al amor después de 50 años?  La operación, sin embargo, termina siendo muy distinta a la de Stories We Tell, porque en lugar  de desarmar una historia que ya conoce y ya le fue contada, el director convoca a matrimonios  que hayan estado casados durante 50 años o más, para que les cuenten como es posible la subsistencia de la pasión. Pero lo hace ya no desde una indagación pasada sino desde una observación de los movimientos en el presente.

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Lazos de familia

Lazos de familia es una de esas películas en las que se siente que todo lo que los planos parecen estar enunciando es algo tan procesado por la mente del director que da lo mismo que existan o no. Una expresa negación de el azar del rodaje, de lo imprevisible de la forma. Como si cada elemento de la narración fuera algo que está ahí para enunciar otra cosa, como si se hablara un código propio de una secta de privilegiados. Por ese motivo sentimos que la película que no está mirando y pensando en el cine que está construyendo, sino en la realidad que está representando. Como si entre el momento de emergencia del realismo narrativo y hoy no hubiera pasado ni un minuto de historia. 

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A puertas cerradas

A puertas cerradas (el curioso y sartreano título en español para el original de Adults in the room) intenta precisamente meterse en este mundo donde las palabras se ajustan de un modo distinto a la referencia. Un mundo donde el cambio de una palabra en un comunicado oficial es una victoria que cuesta una escena de media hora.Ese mundo es el de la política internacional,  donde el sistema parece estar diseñado para que las sesiones de debate estén llenas de palabras vacías de contenido, y donde pareciera que una vez terminada cada sesión nada hubiera cambiado. 

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Wife of a spy

Kurosawa plantea su película, entonces, desde el punto de vista de la mujer del espía como el  título indica. Es decir, el punto de vista está ubicado en alguien que ama al espía y que percibe  desde afuera el despojo que el espía debe hacer de su vida pasada para que su misión no fracase. Acaso es ese cambio en el punto de vista el aleja a la película del género de espías y la acerca, con intensidad, al melodrama. Pero a un melodrama de la percepción.

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Martin Eden

Es Martin Eden una biopic tradicional, incluso aunque no cumpla con tiene todas las características del género? El protagonista es un personaje ficticio (basado en la obra homónima de Jack London), atraviesa un período particular de la historia italiana y encarna una lucha de clases (colectiva) sobre sus propios hombros (de manera individual), si, pero el problema de la relación con las biopics radica en una regla que vino estableciendo el género durante los últimos años: presuponiendo que sabemos sus reglas, por lo que, mediando las elipsis, antes que narrar, se describe.

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Otra ronda

Nos hemos mal acostumbrado. El puritanismo del mainstream del último lustro nos ha sentenciado a consumos tranquilizadores de alcohol y drogas. A tal punto hemos naturalizado esa mirada conservadora que muchos críticos se mal acostumbraron a ejercer esa clase de lecturas incluso en películas que no pretenden responder ese problema con la facilidad habitual. Druk parece simple y obvia (en parte lo es), pero en el fondo contiene mas ideas que aquellas que creemos ver en una primera pasada.

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London Fields

London Fields se estructura de esa manera, como un relato que va y vuelve de la voz del narrador a la imaginación del texto que está creando. Pero el texto que crea es, a su vez, su propia historia, una historia que crea intencionalmente con una femme fatale contemporánea y sufrida. Es este el viejo proyecto de adaptación de la novela de Martin Amis que David Cronenberg quiso llevar adelante en diversas ocasiones y que terminó abandonando? Evidentemente no

In The Earth

In the earth

El terror pagano implica una serie de aproximaciones hacia un mundo que era y ya no es. Ojo, no se trata de un mundo desaparecido sino uno que no puede ser percibido. Si, claro: es, ante todo, un terror sobre lo desconocido, en el que el protagonista es una persona ajena a aquella idiosincracia proyectada desde el pasado hacia el presente, un mundo al que debe enfrentarse (pero también un mundo al que debe volver a integrar a un sistema posible de valores, incluso de valores a los cuales se pueda temer).

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#DossierMonteHellman: Los primeros años. Beast from haunted cave & The Terror

Para ingresar en una filmografía tan decididamente ecléctica como la de Monte Hellman, nos propusimos que la mejor manera de hacerlo era de forma cronológica. De esa forma, podemos enfrentarnos solitos, sin ayuda, a la arbitrariedad a la que el paso del tiempo y la industria condujeron a este director maldito. Con conciencia de que el final de nuestro recorrido es más bien incierto -como en efecto lo fue la carrera de Monte- no podemos más que empezar buscando pistas, huellas de lo que empezó a ser Hellman como director en sus primeros trabajos con Roger Corman, en producciones ultra mega archi independientes, en un furioso bajo presupuesto.

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De la noche a la mañana

En De la Noche a la Mañana, el personaje de Esteban Menis experimenta un proceso, en algunos aspectos, similar al del protagonista de Vientos de Agua. Es un proceso que está (fuerte y sutilmente al mismo tiempo) ligado a un problema económico-cultural: consecuencias de ser un profesional recibido que no puede insertarse en el sistema (en ambos casos se trata de arquitectos, habría que preguntarse por qué).

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#PostBafici2021 – White Lie

White Lie, en cambio, está anclada en el punto de vista de la que engaña, la protagonista que finge tener cáncer para ganar plata a través de las donaciones de las personas. El cambio en el punto de vista provoca que la película sea transversalmente otra: a diferencia de Gone Girl, en White Lie la institución del negocio de la pena, de las enormes campañas que apelan al buen corazón del humano que mediante la acción de entregar dinero siente que está librándose de todas las porquerías que conviven en su interior, no se ve expuesta ni descubierta.

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Bafici 2021 – Diario de Festival : Mari/Bahía Blanca/Sweet thing

En uno de los tantos textos publicados por la Revista del Cine allá por el principio de la cuarentena del 2020, Rafael Fillipelli pensaba la dificultad que muchos escritores habían tenido en Hollywood para escribir diálogos. La dificultad radicaba en no entender la diferencia entre un diálogo cinematográfico y un diálogo literario. Bahía Blanca, que adapta la novela homónima de Martín Kohan, sufre de esta falta de entendimiento acerca de la diferencia formal entre una imagen sugerida a través de palabras y una imagen mostrada con palabras flotando en su superficie. El problema de la adaptación es siempre el mismo: cómo delimitar un mundo literario a imágenes. Todo se trata en definitiva de poder construir un mundo a través de algunas pistas que la novela dejó, en cierto punto la novela tiene que quedar enterrada para que la película sobreviva y sea independiente.

Se Estrena López El Documental Del Fotógrafo Argentino

López

En López hay una insistencia por evadir una imagen y a la vez por reemplazarla por un pequeño objeto que parece funcionar como recordatorio de esa evocación-evasión. La esposa de López aparece, misteriosamente, solo una vez y mediada por una filmación en VHS. Sin embargo, un souvenir de mármol que representa a un novio y una novia casándose, aparece repetidas veces en la película. En un comienzo, aparece en la bella casa familiar donde la película empieza, donde López habla con su hija. En aquella escena el souvenir aparece en un plano detalle, pero después lo vemos ubicado en el centro de la casa, imponiendo su presencia en el hogar.

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Corpus Christi

Corpus Christi es, efectivamente, una película que quiere narrar muchas cosas, y que quiere narrar muchas cosas muy importantes. Pretende tocar temas trascendentales, transversales a la humanidad. Esta intención se ve en la cantidad de situaciones que atraviesan al protagonista, la cantidad de capas dramática que posee la película

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Verano del 85

Pero en la película de Ozon la nostalgia aparece como una operativa exterior, distante, casi ajeno. El recurso de la secuencia de montaje (tan revitalizada en los 80s y desdeñqda hoy) en el momento de la feria, el modo de ocultar mediante elipsis, la velocidad narrativa que imprime ese conocimiento parcial (casi ninguna escena, ni plano es demasiado larga) le proporciona a Verano del 85 un mood de época, un tono antes que una estilística. Fragmentación y distancia, cambio de ritmo, elipsis: como si tampoco pudiéramos entrar facilmente en ese tiempo convocado, como si la invitación al pasado fuera un ejercicio trabajoso.

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Druk

Nos hemos mal acostumbrado. El puritanismo del mainstream del último lustro nos ha sentenciado a consumos tranquilizadores de alcohol y drogas. A tal punto hemos naturalizado esa mirada conservadora que muchos críticos se mal acostumbraron a ejercer esa clase de lecturas incluso en películas que no pretenden responder ese problema con la facilidad habitual. Druk parece simple y obvia (en parte lo es), pero en el fondo contiene mas ideas que aquellas que creemos ver en una primera pasada.

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Soy Leyenda: algunas ideas tras Diego Maradona

Viendo en retrospectiva el documental de Asif Kapadia, pienso que ya no sé cuánto tiempo más podemos sostener está separación entre su vida y su mito, hasta que punto son evidenciables las diferencias y hasta que punto no está ya todo mitificado y mito y persona se nos han vuelto una misma cosa. Acaso de esto se ha venido hablando desde hace tiempo y no voy a decir nada nuevo al respecto. Asi las cosas, quedan cuestiones por reponer.

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Mar del Plata 2020 – Diario de festival : Las credenciales, The Exit of the Trains, Selva Trágica

Mi festival online comenzó, tras el extraordinario visionado de Isabella, reencontrándome con un director. Manuel Ferrari, de quien su De La Noche a la Mañana me haba entusiasmado en el festival pasado, estrenó en la trigésima quinta edición del festival su nuevo cortometraje, Las Credenciales. Una película que busca trazar un mapa, una línea directa entre Tigre y Berlín. La película no es más ni menos que un viaje, a través de distintos transportes, a Berlín, en donde su fuerte principal, el sonido, se acerca a tocar esos lugares aunque sea en una primera capa. Ese zumbido mecánico de la lancha en el tigre, los timbres de la línea Mitre, la fila del festival de Berlín. Ciertamente el corto se vuelve un poco decepcionante en cuanto a relación de saberes con el personajes refiere. Hay una especie de incomunicación, ignoro si buscada, pero hondamente conseguida entre el personaje y el espectador, y en cierto punto mi sensación termina siendo la de querer saber más y pensar que la relación que la cámara establece con él no termina de ser todo lo táctil que el sonido lo es con el espacio geográfico que recorre. Por eso, a su vez, el momento más narrativo del corto, que es aquella comunicación fallida con el taxista termina siendo el más empático. La derivación que el corto hace cuando pone en evidencia que los travellings laterales fueron filmados por el protagonista en ese mismo taxi es, también, un muy bello momento de acercamiento de ese personaje.

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Angélica

El segundo largometraje de Delfina Castagnino es y no es a la vez, como buena parte de las experiencias que el cine argentino independiente propone como visita a los géneros. Si, acaso a primer avista esté más cerca de una película de terror. O por lo menos a una película de terror psicológico, de encierro. Es una película en la que -nuevamente, como otro loop generacional en el indie argentino- la crisis de la mediana edad parece representada como un disco rayado, un lugar al que se vuelve constantemente. Ahí aparece otro género (o los aires de), el melodrama (miren sino el afiche de prensa, que da cuenta de esa pertenencia). Angélica , por lo tanto, describe un momento intersticial en donde el melodrama se convierte en horror: cuando lo inalcanzable, el amor imposible, comienza a ser representado como un lugar en el que el personaje se encierra, no solo volviendo, sino quedándose como, justamente, un disco rayado. En ese disco rayado resuenan los ecos de Fassbinder, de Siro pero también de Polanski. Son discos lejanos, voces a la distancia

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Paraíso

Leyendo comentarios sobre Paraíso me encontré con diversas manifestaciones resaltando que la película consta de buenas ideas, mal ejecutadas. Aquella lastimosa afirmación que a veces supone que el cine es un producto que resulta de la acumulación de buenas ideas bien filmadas se repetía constantemente. Mi pregunta, tras haber visto la película y encontrarme con aquellas intuiciones de los espectadores, comenzó a girar en torno a por qué un espectador al terminar de ver la ópera prima de Pablo Falá se quedaba con esta sensación de que la película tenía algo más que nunca tuvo la ocasión de demostrar.

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El Juicio de los 7 de Chicago

El Juicio de los 7 de Chicago empieza con una secuencia de montaje que resume la contextualización y los eventos históricos sucedidos en 1968 durante la convención demócrata en Chicago, mezclando imágenes de archivo con imágenes representadas. Luego, una gran elipsis nos sitúa ya en el juicio, sin que podamos ver qué sucedió efectivamente durante la convención mencionada. En este gesto de resumir los hechos haciendo una especie de collage de rostros, pedazos de discursos, Rock and Roll; pedazos de historia (con mayúscula y minúscula) en definitiva, es en donde podemos ver el paradigma sobre el cual la película se para.

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Dossier #ContraLaCorrecciónPolítica (II)

Leímos a Foucault? Leímos a Foucault, asi que no vamos a repetir lo obvio e inevitable. O si, sintéticamente, para aclarar el punto de partida. El siglo XIX no solo nos brindó victorianismo y una actitud puritana como administración del cuerpo, sino también nos regaló el anonimato y la masividad de las ciudades. De hecho ambas cosas no son antitéticas, mas bien complementarias: solo el anonimato (por ende cierta libertad que no provee la transparencia puritana) facilita las prácticas sexuales de todo tipo. Por eso la administración castradora de todo deseo, que estaba en el origen religioso de los viejos puritanos es también, curiosamente, una práctica científica que hermana esa necesidad clasificatoria con la que provee el espíritu positivista. No es un dato menor el que nos provee la cultura decimonónica: los extremos se tocan por lugares inimaginables.

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Los que vuelven

Hay algo verdaderamente particular que sucede con Los que vuelven, sobre todo con su primera parte (la película está dividida en tres episodios, considero que para organizar cierta desorganización estructural que igualmente termina padeciendo), que se siente, al menos a primer vista, como si uno estuviera frente a un trailer. Las decisiones formales no ayudan: hay algo en la utilización constante de una música ambient, un montaje alterno casi comparativo y una duración corta de los planos, acompañado de una rápida resolución de cada momento con alguna frase lapidaria -que no tuvo el desarrollo dramático tal para ser pronunciada con esa grandilocuencia (“este hombre está poseído”)- que genera una suerte de acumulación de pequeñísimas secuencias derivadas en lo que parece ser un anticipo de algo que veremos luego (pero no “luego” en la misma película, sino otro día, en otra sala distinta, habiendo comprado la entrada por lo que nos tentaron estos indicios para una futura narración).

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Una chica fácil

En una de sus frases más controversiales, Godard dijo algo así como que el cine consiste en hombres fotografiando a mujeres. Más allá de la evidente búsqueda de provocación que la frase encierra, Godard parecía querer dar cuenta de que el cine consiste en fotografiar la belleza, el erotismo, el misterio (que para Godard estaban representados por una mujer -ahí está su otra frase, que para hacer una buena película solo hacen falta una mujer y una pistola-). Está idea godardiana del cine habla acerca de una búsqueda de afección pura, o por lo menos de que la afección importe más que la acción.

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Matthias et Maxime

Matthias et Maxime, ya desde su título, parece estar pensando en Jules et Jim. No hay que preguntarse demasiado. Como toda relectura, la que propone la película nos da la posibilidad de localizar la atención en algo que podría estar oculto, o por lo menos expuesto de manera discreta en la obra original: Dolan toma una decisión y elige sacar a la chica del medio; el resultado supone pensar a Jules et Jim como un melodrama homosexual, una idea que estaba levemente sugerida en la película de Truffaut. La idea en sí misma no está mal (incluso sin ser muy original).

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